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Bienvenidos a PANICO EN EL CINE´S BLOG.

El objetivo de esta página es informar a nuestros lectores sobre diferentes cuestiones relacionadas con el Séptimo Arte.

Este blog está dividido en varias categorías para que podáis seleccionar la que más os interese. A continuación os explicamos cada una de ellas:

SALA DARTH V: Esta es mi sala. Aqui podrás seguir todas las criticas publicadas por mí. A un solo golpe de ratón tendrás una critica de los Films elegidos.

SIEMPRE NOS QUEDARÁN LOS CLÁSICOS: Y es que en este blog no solo vamos a hablaros sobre los estrenos semanales, sino del cine en general y con mayúsculas. Clásicos, películas que quizá habéis pensado alquilar, la que pusieron el otro día en televisión y queréis tener otra opinión sobre ella… toda esa información os estará esperando aquí.

PREGUNTALE A: Y como hemos creado este blog para vosotros, también queremos que nos contéis que curiosidades tenéis, sobre qué películas queréis saber más, personajes, series, bandas sonoras…!LO QUE SEA!.. aquí solo tenéis que sugerirlo y os contaremos al respecto.

AVANCES/TRAILERS: Lo más actual, lo que está por venir….noticias interesantes… una pequeña revista dentro de nuestro blog….

IN ANOTHER COUNTRY

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Título: En Otro País

Director: Sang-soo Hong

Género: Comedia

Guión: Sang-soo Hong

Reparto: Isabelle Huppert, Kwon Hye Hyo, Yu-mi Jeong, So-ri Moon, Moon Sung Keun, Yeo-jeong Yoon, Jun-Sang Yu.

Año: 2012

Calificación: *

Lo mejor: Que por fín Sang-soo Hong pueda verse en nuestros cines.

Lo peor: Es completamente olvidable.

Hong Sang-soo llega a la cartelera española tras casi veinte años de espera.

Lo ha hecho con En Otro País, donde convierte a Isabelle Huppert  en tres personajes distintos – una directora francesa, una esposa infiel y una mujer abandonada – que visitarán un mismo hotel en la playa de Mohang en el curso de tres historias que jugarán con la repetición, la confluencia de un mismo repertorio de secundarios y los ecos de diálogos idénticos en situaciones ligeramente divergentes.

Rodada en 8 tardes de julio, con un guión escrito pocas horas antes de empezar a rodar cada uno de esos días, e l director se interesa por esos encuentros casuales de extranjeros, en este caso una europea con los coreanos, destacando que en occidente no estamos acostumbrados a ser nosotros el elemento exótico.

 La habilidad del director para filmar dichos encuentros lo observamos en el uso de la repetición como un dispositivo en las historias, en recurrentes líneas de dialogo compuestas por pequeñas charlas genéricas que los coreanos tienden a hacer en situaciones sociales incómodas, no solo por como tratan a los extranjeros sino también por cómo se comportan entre ellos.

Gestos excesivamente ansiosos, los caracteres coreanos de la hospitalidad, en particular, revelan cómo cambia un paisaje social en respuesta a la presencia de un extranjero. Ella lo repite constantemente en toda la película: “me tratáis muy bien” al igual que cada personaje repite sin cesar lo guapa que es ella, llegando a ser serviciales hasta límites insospechados.

En cada una de estas repetitivas situaciones vemos actores forzados, tensos, incómodos… consiguiendo que te sientas extranjero ante tanta frialdad en esa desconocída y hermosa Corea como consiguió en su momento con Tokyo Sofia Coppola en Lost in Traslation.

También los mismos elementos componen las historias –Huppert, un faro, un socorrista, una tienda de campaña, una localidad costera, una barbacoa – que tras ligeras alteraciones nos ofrecen sutiles variaciones sobre su punto de vista. Pero nuestro trabajo no consiste en interpretar estar repeticiones, sino más bien es un juego de artificio que nos hacen notar que simplemente están ahí.

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Quizá el punto en común de todas estas historias sean las reflexiones efímeras y narcisistas sobre el amor, las derrotas de la madurez, las negociaciones entre lo masculino y lo femenino, la infidelidad y la melancolía cotidiana, todos ellos elementos que recorren la filmografía del director bajo el prisma de estructuras narrativas que se bifurcan y retuercen sobre sí mismas.

En Otro País concentra la esencia estilística de uno de los considerados maestros del cine contemporáneo. El llamado Rohmer coreano por la naturalidad de su cine sin atisbo de ambición intelectual, presenta una acusada identidad de un creador con discurso propio.

Junto a estas señas de identidad, se encuentran también los poco elegantes reencuadres que Sang-soo realiza con su cámara con aparente desdén por el acabado formal, más de un incómodo zoom, algún movimiento de cámara brusco, frente a la quietud posterior. Este supuesto error, ya cometido con anterioridad por la Nouvelle Vage francesa,contrasta sobre manera frente a la sutileza de su mirada sobre lo humano y la capacidad del autor para construir laberintos narrativos con los mínimos recursos que su misma productora le ofrece.

La maravillosa Isabelle Huppert interpreta a las tres mujeres con el mismo nombre que conforman las historias. Todas ellas extraviadas lejos de casa y diferenciadas por el vestuario (azul, rojo, verde; serenidad, pasión, esperanza), algún ligero cambio en su pelo y sutiles cambios de temperamento que tan solo Isabelle Huppert podría resolver.

Estos caprichos del proceso creativo nos ofrecen la sensación de que cada Anne es una mujer solitaria, en constante espera y búsqueda de un faro difícil de alcanzar.

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 Huppert ha llegado a ese punto mágico donde da un escalofrío de placer con sólo aparecer, sus décadas de grandes actuaciones así lo merecen. Podríamos incluso pensar que este tren ligero en una especie de línea circular que compone esta película simplemente la ha dado la oportunidad de hacer algo diferente y que con ello ha sido suficiente.

Cada narración es sencilla y liviana, de apenas treinta minutos de duración que se degustan como caramelos, pero, que desgraciadamente, al igual que estos, se esfuman en la memoria con la misma rapidez.

En otro país resulta simple y relajada, frívola en ocasiones, insulsa con tanta levedad.

Interesante al observar como se cristalizan las barreras culturales y lingüísticas entre el personaje de Anne y Corea, cuando este personaje entra en la sociedad coreana como una intrusa que acaba por provocar diferentes reacciones en los personajes nativos, sobre todo desde el punto de vista sentimental y físico, pero estos laberintos sentimentales por los que deambulan sus protagonistas se convierten en un bucle febril y exasperante.

La ridiculización del hombre coreano loco por las mujeres extranjeras, tachándole de peligroso y lujurioso constantemente es repetido en unos bosquejos de guión que se escriben antes de llegar a un resultado satisfactorio y que parece que aquí dicho resultado no ha tenido lugar.

Es una película olvidable, tres formas de contar una historia representando las posibilidades con la icónica imagen de una carretera con dos caminos como alternativa, de personajes estereotipados y  situaciones con poco sentido, de interpretaciones artificiales incluso la de Huppert por mucho que nos duela, realizada aparentemente sin esfuerzo en un ambiente de tranquilidad logrado por los hermosos paisajes y la calmante música de fondo.

El mundo de Hong Sang-soo es muy poético y bastante esotérico, pero también ligero y burlesco, por eso quizá no la hemos apreciado, no compartimos el humor ni la visión poética tan propia del cine oriental. Supongo que estas son las desventajas de vivir en otro país.

 http://www.golem.es/enotropais/

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Título: Una Pistola en Cada Mano

Director: Cesc Gay

Género: Comedia

Guión: Tomás Aragay, Cesc Gay

Música: Jordi Prats

Reparto: Eduard Fernández, Leonardo Sbaraglia, Javier Cámara, Eduardo Noriega, Candela Peña, Luis Tosar, Ricardo Darín, Alberto San Juan, Jordi Mollá, Leonor Watling, Cayetana Guillén Cuervo, Clara Segura.

Año: 2012

Calificación: ***

Lo mejor: Ese gran reparto repleto de estrellazas. Un lujo.

Lo peor: No admite revisión posible, con una vez basta.

Tras la grandiosa En La Ciudad, Cesc Gay vuelve ante nosotros con una radiografía de la vida amorosa de ocho hombres de hoy. Una serie de historias cruzadas, cinco en concreto, que componen uno de los mejores retratos posibles de la triste generación masculina que nos rodea.

Escrita con mimo, inteligencia y conocimiento de lo que es llegar a los 40 siendo un hombre, cuenta con un inmejorable reparto de intérpretes para hacer verosímil, sutil, inquietante y atractivo lo que nos pretende contar, sugerir y revelar.

Lo mejor sin duda es ir avanzando por cada una de las historias a la espera de qué magnificas estrellas compondrán la siguiente, que aunque ya lo sepas porque obviamente conoces el reparto antes de comenzar a verla, cuando cada uno de ellos aparece en pantalla con tales interpretaciones, es imposible no sonreír y disfrutar enormemente. Están todos fabulosos, extraordinarios e inolvidables, en un extremo ejercicio de perfección y entrega.

Cada una de las historias está llena de profundidad y gracia,  sus actores hacen de ella una película vivida más que interpretada, ya que son tan naturales que provocan pasmo. De nuevo Cesc Gay logra uno de sus habituales milagros, que todo suene verosímil

Los duelos interpretativos son de altísimo nivel, quizá el más memorable sea el de Ricardo Darín y Luis Tosar en ese parque, simplemente magnífico. Canela Peña obtuvo el Goya este año por su interpretación, realmente estupenda como lo es ella en sí misma.

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Cada uno de ellos es lo que hace grande esta película que comienza en Barcelona. Seis hombres que superan la treintena en cinco encuentros necesarios, fortuitos o no, que funcionan como un espejo en el que reflejar sus miserias.

Seis pálidas miradas, tan patéticas como cercanas. Identificables, sinceras, destinadas a sonrojar a los de su especie contando por su puesto con una gran predisposición por parte de su público a dejarse intimidar, eso sí, con una copa de vino para que entre broma y broma el hachazo duela menos. Sin escudos, con una pudorosa sonrisa que en ocasiones se disfraza de carcajada.

Quizás el guión de Gay y Aragay ridiculice a los hombres en exceso contraponiéndoles ante unas mujeres estupendas y muy muy seguras de sí mismas, pero en ningún momento la imagen del hombre es irreal o exagerada., ¿por qué será?

Cesc Gay vuelve a repetir fórmula tras En La Ciudad al presentarnos varias historias a la vez y a pesar de ello no resulta agotador. Comparten la misma estructura narrativa a diferencia de que aquí los diferentes episodios cuentan con un final.

Cada jugada con la que el cineasta quiere demostrar la diferencia de sexos en términos sociológicos está bien estudiada. No ha sido necesario adaptar ningún texto sino poner en boca de ese soberbio elenco las vivencias de cualquier viandante de cualquier país desarrollado en los tiempos que corren y centrarse en el existencialismo del macho de a pie.

El cineasta catalán logra aunar en esto cinco episodios verdades como puños. Que el sexo masculino difiere en un alto grado del femenino ya lo sabíamos y Gay no viene a crear cátedra sino a sentenciar que la idiotez masculina se puede escribir con mayúsculas en cuanto el hombre no quiere etiquetar su conducta.

Quizá, como algunas películas de varios personajes se resiente que la arriesgada apuesta no centre la trama en una historia concreta, con la consiguiente indefinición que ello supone, pero ese es el cine de Cesc Gay y nos encanta. Nadie le puede negar a su realizador el mérito de haber construido un acertado retrato de las neuras masculinas.

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Cesc Gay se ha convertido por lo tanto, en el más implacable cronista de su generación (urbanitas, en la cuarentena, profesionales liberales, traumas para dar y regalar; bloqueos afectivos que a veces se confunden con indiferencia).

Cesc Gay está construyendo una filmografía sencillamente impagable, que tanto contribuye a reconocer al hombre español en actitudes que tantas veces vemos, o sufrimos, en los otros, pero raramente en nosotros mismos.

Lo mínimo que se puede decir del film es que sabe transmitir con certeza comportamientos (casi) siempre lejanos al heroísmo, pero nunca chabacanamente cotidianos. ¿Le extraña a alguien que ellas sean mucho más coherentes que ellos, que sepan poner con precisión los adjetivos a sus sentimientos, que se comporten siempre con una gota más de humanidad? Insistimos de nuevo… por algo será, ¿no?

2012: Premios Goya: mejor actriz de reparto (Candela Peña)

2012: 4 Premios Gaudí, incluyendo mejor filme en otra lengua y guión

http://www.unapistolaencadamano.com/

 

MOONRISE KINGDOM

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Título: Moonrise Kingdom

Director: Wes Anderson

Género: Comedia

Guión: Wes Anderson, Roman Coppola

Música: Alexandre Desplat

Reparto: Bruce Willis, Edward Norton, Francesc McDormandTilda Swinton, Bill Murray, Jared Gilman, Kara Hayward, Jason Schwartzman, Bob Balaban, Harvey Keitel.

Fotografía: Robert D. Yeoman

Año: 2012

Calificación: *****

Lo mejor: La perfecta combinación de un maravilloso trabajo artístico, una sinfonía simplemente mágica y  unos personajes infantiles inolvidables.

Lo peor: Que no la haya prestado atención antes. Y quizá también no ver un poquito más de Harvey Keitel.

Sam y Suzy son dos niños, quizá ya dos preadolescentes,  totalmente diferentes,  pero a la vez iguales.

Sus problemas para relacionarse con otros son más que evidentes, se abstraen en ellos mismos, sus sueños son lejanos, tienen sus propios mundos y una personalidad completamente definida… Pero un día Sam y Suzy se conocen.

Sam y Suzy se escriben, se apoyan el uno en el otro, se cuentan trivialidades, esperan con ansiedad noticias del otro. Un día Sam dice “¿Cuándo?”. Un día Suzy dice “¿Dónde? Y entonces deciden fugarse juntos.

El reino de Sam y Suzy es una playa virgen. Unas coordenadas cartográficas donde ni el egoísmo ni la maldad han asomado aún. Su aventura se extiende más allá de los últimos rayos de sol, con la luz tenue y cómplice de la luna, junto a una fogata y un libro abierto de par en par, que encharca de historias de heroínas sus mentes sin remedio.

Sam y Suzy son dos mitades de un solo ser. Dos niños que se han imaginado cientos de veces, detrás de cada charco, de cada colina, dándose la mano para cruzar las aguas. Dos almas escapando del mundanal ruido, de las vanas costumbres, saltado de piedra en piedra para no tropezar con la irremediable verdad.

Esa verdad que ven en los adultos que les rodean. Torpes, acomplejados, perdidos, solos. La verdad a la que dan la espalda y gritan “piérdete” tan fuerte como pueden.

Sabemos que vamos a contemplar algo diferente cuando les encontramos en el prado. Sam es muy “especial”, y Suzy… cuando ves a Suzy por primera vez en aquel prado, vestida de rosa puro… sencillamente sus ojos te apuñalan.

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Wes Anderson lo ha vuelto a hacer. Sin que le tiemble el pulso ha desempolvado esa vieja caja de zapatos donde guardabas tus posesiones antaño, más preciadas y las ha colocado encima de la mesa, obligándote a jugar.

Moonrise Kingdom representa una especie de no-mágica Nunca Jamás – ese fugaz instante cuando el mundo puede ser tan pequeño que un ingenuo enamoramiento puede consumirlo todo.

Su visión es un placer constante que evoca alegrías, los terrores de la infancia y nos recuerda como volver a sentirnos vivos.

Su factura es estilizada, la película es perfecta de principio a fin, tan inteligente como emotiva. Calculadamente cerebral, conmovedora. Tan real como soñada. Tan cautivadora como precisa hablándonos de los misterios del primer amor derritiéndonos el corazón.

Anderson no deja de expandirse. Aquí perfecciona aún más su talento para la puesta en escena, la acompaña de una sinfonía íntima y a la vez majestuosa creada por Alexandre Desplat en un ejercicio de libertad creativa total y conmovedora intensidad emocional. Quizá su trabajo más delicioso y completo hasta el momento.

La narración de la historia se nos presenta entre bellas imágenes y una estética inmortal. Un cuento sobre el amor adolescente: imposible, loco e indivisible.

El estilo de Anderson es siempre inconfundible. Estamos ante una comedia afligida, una drama jubiloso de un director con una capacidad innata para dirigir repartos corales: Bruce Willis, Francesc McDormand, Edward Norton, Harvey Keitel, Bill Murray, Tilda Swinton… y ninguno ensombrece al otro, todos tienen su destacable lugar y su momento de gloria… que difícil conseguir esa coordinación actoral, sobre todo a nivel de guión, simplemente sorprendente y magistral.

Todo ese reparto coral es imprescindible en esta obra, pero está completamente diferenciado de nuestros protagonistas infantiles, un Jared Giman que asume su papel increíblemente bien… su personaje de Sam están diferente e innovador… al igual que la interpretación de Kara Hayward en el papel de Suzy… pocas veces vemos dos personajes infantiles tan carismáticos y especiales… es un trabajo brillante.

Podríamos pensar que Moonrise Kingdom es como si Peter Pan se vistiera de boy scout nerd con gafas de pasta gruesa para ligarse a una depresiva y solitaria Wendy y no estaríamos desencaminados.

Desde la presentación de la heroína, viviendo atrapada en una casa de muñecas con una familia disfuncional, esperando que su príncipe por correspondencia la lleve al País de Nunca Jamás, comienzan a llover numerosas referencias, detalles…  y nos introducen en el mundo de los libros, de la fantasía, de los boy scouts tan absurdos como entrañables, todo ello acompañado de una ironía constante y un grandioso sentido del humor.

El inicio de la película, su cabecera por decirlo de algún modo, nos guía en un tour a través de la casa de Suzy y de la mágica isla que iremos descubriendo en Moonrise Kingdom. Una voz en off nos acompaña emergiendo de un vinilo clásico, a su vez en un tocadiscos kitsch, que llega a ser otro personaje más en la película, informándonos sobre que instrumento oímos en cada nota de la majestuosa melodía creada por Desplat para la película, conformando una de las mejores secuencias de la historia del cine.

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Wes Anderson es cool, es vintage. El director de Academia Rushmore, de Los Tenenbaums, de Viaje a Darjeeling, mantiene en esta última obra ese humor surrealista revestido de look demodé, hoy más de moda que nunca, imprescindible para los “putos” modernos o los indies de mierda que diría Mario Vaquerizo

Es, sin duda, un estilo particular, muy meritorio, en el que cada fotograma destila comedia por sí mismo. La imagen requiere de pocas palabras para provocar ese efecto mágico y diferente junto a un esfuerzo de la fotografía sorprendente e impresionante.

Pero Moonrise Kingdom no es solo un estimulo visual. Anderson demuestra una enorme habilidad, no sólo en el uso de la luz y del color, sino también en el manejo de la cámara, con esos desplazamientos laterales, arriba y abajo, que lo convierten en el rey del travelling. Pero además, nos ofrece los suficientes guiños nostálgicos como para satisfacer nuestra mirada puesta en el pasado.

Vibraremos con el tocadiscos portátil de Suzy, con el baile de guateque que se marca Sam en la playa antes de su primer beso, simplemente genial, o con esa partida de boy scouts en busca de dos adolescentes fugados… inolvidable.

El cine de Wes Anderson demuestra estar compuesto de la materia que puebla la mente de un niño. Excentricidad, imaginación y aventura se mezclan dando lugar a un cine extravagante, diferente, que alcanza un tono arrebatadamente singular.

Es una fábula que retrata la pre adolescencia como perfecto paraíso perdido. Una isla que es a la vez casa de muñecas y teatro de títeres en una espiral neobarroca de colores y decorados al servicio de una historia de amor, en la que la fijación por los fetiches de la infancia – de nuevo el tocadiscos a pilas, una carta escrita con letra temblorosa, unos prismáticos que todo lo ven– incendia una relación tierna y extravagante.

Es hermoso el modo en que la pureza de ese amor ensombrece el fracaso sentimental de los adultos, tiñendo de melancolía un relato que, en esencia, quiere captar el escalofrío de un primer beso a orillas del mar.

Tan ligera como una canción de Françoise Hardy, tan cristalina como una pieza de Henry Purcell, Moonrise Kingdom es lo más cerca que Anderson ha estado de la perfección.

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 2012: Oscars: nominada a mejor guión original

2012: Globos de Oro: nominada a mejor película comedia

2012: Premios BAFTA: nominada a mejor guión original

2012: Critics Choice Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película

2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes

2012: Premios Gotham: Mejor película. Nominada a mejor reparto

2012: Independent Spirit Awards: 5 nominaciones, incluyendo mejor película y director

2012: Satellite Awards: Nominada a Mejor película y Mejor guión original

2012: American Film Institute: Top 10 – Mejores películas del año

2012: Premios Guldbagge: Nominada a mejor película extranjera

http://www.moonrisekingdom.com/

SHOOT ´EM UP

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Título: Shoot ´em up (En el punto de mira)

Director: Michael Davis

Género: Acción

Guión: Michael Davis

Música: Paul Haslinger

Reparto: Clive Owen, Monica Bellucci, Paul Giamatti

Año: 2007

Calificación: *

Lo mejor: No hay lugar para la sorpresa desde el minuto uno sabes lo que vas a ver.

Lo peor: Es exageradamente absurda de principio a fin. No se salva nada.

Shoot ´em Up comienza con un tipo (Clive Owen) comiendo zanahorias sentado en medio de la noche en la parada de un autobús. Mensaje durante toda la cinta: come hortalizas…

De pronto una mujer embarazada pasa corriendo, alguien la persigue. Sin comerlo ni beberlo, el hombre de la parada del autobús que resulta ser el protagonista, ayuda a la embarazada, mata a todos, ayuda en el parto, y huye con el niño. Sin saberlo ese niño forma parte de un complot político que da al traste con la ayuda de Owen.

¿Os parece interesante? Pues creedme que no, que según avanza la película, ésta deja fuera toda la lógica de un guión o una historia. Las motivaciones no existen, no tiene ni pies ni cabeza.

A continuación, tras numerosos tiroteos y persecuciones, va en busca de una prostituta “lactante”, Bellucci, para que cuide el niño, mientras el mafioso más ridículo e histriónico, Paul Giamatti, muy a nuestro pesar, les persigue sin descanso.

Se trata de una película hiperactiva de principio a fin, no hay ni un momento de respiro, solo acción por acción, violencia por violencia, sin ninguna razón contundente que te haga comprender que está pasando en la cinta. Pero lo peor es, que cuando por fin descubres el porqué quieren deshacerse del niño, es más estúpido aún, con lo que, si intentamos ser generosos con la película, al menos no te engaña en ningún momento.

Aunque las secuencias de acción puedan ser alucinantes, muy cercanas a la estética del videojuego, y el humor negro (muy poco trabajado por cierto) pueda resultar “caricaturesco”, se siente como un ejercicio que pretende tener estilo con una violencia absurdamente excesiva.

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La sensación de sentirte tonto y vacío ante esta película es constante. El argumento es mínimo, in verosímil, y falto completamente de coherencia.

Podríamos analizarla desde otro punto de vista quizá, poniendo el cerebro en modo off y olvidándonos por completo de ver algo que tenga sentido, podríamos pensar que solo quiere entretener… pero aún así, he visto otras películas que tampoco son ninguna historia profunda, de un estilo muy parecido y que resultan mucho mejor, como Wanted.

Su ritmo es demencial constantemente, atan una escena de alta violencia con otra aún más desproporcionada dando lugar a una broma en sí misma.

Las interpretaciones están a la altura del esperpento:

  • La peor parte se la lleva Clive Owen por ser el protagonista, con un personaje de tipo duro, come zanahorias, que hace las cosas sin un propósito y que no sabemos ni su nombre real.
  • La sobreactuación de Paul Giamatti es épica.
  • Monica Bellucci no ha sabido actuar nunca, pero su papel de ramera por enésima vez ya aburre… no sabe hacer otra cosa esta mujer??

 Acompañamos todo de una música rockera de Motörhead, Mötley Crüe o  Nirvana muy adecuada para este género…

No suelo usar estos términos pero… Shoot ´Em Up es una flipada inmensa. Dicen que divierte, pero de lo que te ríes de las estupideces sin fin, cine de acción descerebrado, y lo preferimos con calidad. Es demasiado tonta para ser seria.

Apenas hay espacio para algo más que tiroteos y secuencias maratonianas de persecución rozando lo absurdo, la locura, el frenesí, la tontería.

Una verdadera lástima y pérdida de tiempo.

 http://www.youtube.com/watch?v=jlx4n_ibNZE

THE FLOWERS OF WAR

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Título: Las Flores de la Guerra

Director: Zhang Yimou

Género: Bélica

Guión: Heng Liu basado en la novela original de Geling Yan

Música: Qigang  Chen

Fotografía:  Xiaoding Zhao

Reparto: Christian Bale, Ni Ni, Xinyi Zhang, Tianyuan Huang, Dawei Tong, Atsurô Watabe, Kefan Cao, Xiting Han, Doudou Zhang, Yangchunzi Yuan, Yuemin Li

Año: 2011

Calificación: ****

Lo mejor: Como en todas las películas de Yimou, la bellísima ambientación integrada a la perfección con la fotografía y la belleza.

Lo peor: El personaje, que no la interpretación de Bale, cojea un poco.

 

En 1937, durante la segunda guerra chino-japonesa, John (Christian Bale), un maquillador de cadáveres, llega a la asediada y destruida ciudad de Nankín, ciudad en la que se cometió una de las masacres más brutales de esta guerra,  en busca de una iglesia católica, para dar sepultura al padre que la regentaba.

Las terribles acciones del ejército japonés hacen imposible su salida de la iglesia una vez que descubre que un grupo de niñas estudiantes se ocultan en ella. George, un joven discípulo del anterior padre las protege del horror japonés en las calles, y al tratarse de una iglesia católica, los japoneses no tienen acceso a la misma. Por este mismo motivo un grupo de hermosas prostitutas también deciden ocultarse en la misma iglesia hasta conseguir salir de la ciudad.

John (Bale) sin quererlo, se convierte en su protector, descubriendo así qué significan el sacrificio y el honor, cuando ya no creía en nada.

The Flowers of War está basada en la novela de Geling Yan “Las 13 mujeres de Nankín”, un suceso real que todavía hoy conmociona a China. Varias novelas de Geling Yan han sido llevadas al cine de mano de conocidos autores como Joan Chen en Xiu Xiu o Ang Lee en Shao nu xiao yu.

Esta película, la más cara de la historia del cine chino, es un tratado sobre la supervivencia, la fraternidad y el valor.

Hay tanta intensidad y momentos tan pasionales y emotivos que las dos horas y media que dura se disuelven sin apenas notarlo por mucho que se quejen de su largo metraje.

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 Zhang Yimou, al que admiramos enormemente en cada una de sus obras, escruta rostros y sentimientos durante este terrible suceso como solo él es capaz, haciendo brotar la belleza entre tanta cruda brutalidad.

 El momento en el que una de las alumnas escondida en la iglesia, observa a través del rosetón del altar, la llegada de las prostitutas a la iglesia, es pura magia. Toda la pantalla se llena de los más hermosos y delicados colores, se desprende una majestuosa sensualidad en cada una de las prostitutas ataviadas con sedas y rasos llenos de color frente al sobrio uniforme de las estudiantes… todo a un ritmo lento y embriagador. Una autentica maravilla cinematográfica.

Cierto es que las bochornosas acciones niponas en la ocupación de China están más que documentadas y las hemos visto en numerosas ocasiones, pero Yimou quiere constatar y retratar la situación dantesca que produce la entrada en una ciudad de enemigos armados que pueden violar y matar sin rendir cuentas a nadie.

La maestría visual de Zhang Yimou, con esas imágenes casi oníricas de las explosiones, con esos balazos que significan mucho más que un trozo de plomo candente, con esas escenas que transforman la sangre en pena, consigue convertir esta película en una filigrana audiovisual.

Quizá en esta ocasión el director no se recree tanto en el aspecto o impacto visual si lo comparamos con la magia de La Casa de las Dagas Voladoras, Hero o La maldición de la Flor Dorada, pero no podemos negar que todo proviene de la misma esencia, el poema visual que solo Yimou sabe llevar a la pantalla.

Christian Bale, el actor al que todos quieren, el más deseado en el panorama actual por su gran solidez e implicación interpretativa, de nuevo nos ofrece una lección actoral, y es que, todo lo que este hombre hace, lo hace con la mayor de las maestrías, haciendo creíble desde el Batman más humano (The Dark Knight), hasta el boxeador yonki que le valió el Oscar (The Fighter) o en este caso, el amortajador que tan solo quiere emborracharse y pasarlo bien, y que termina siendo la salvación de todas esas mujeres, material y espiritual..

Bale en una misma frase es capaz de pasar de llorar a reír y de ahí a la seriedad para terminar con una carcajada, espectacular.

El grupo de niñas que interpretan a las estudiantes es perfecto, al igual que el de las prostitutas, bellas, juguetonas, lujuriosas y a la vez dulces. Destaca entre todas ellas Ni Ni, que debuta con esta película en el cine y que parece una auténtica diosa china.

Su belleza es abrumadora, al igual que su manera de hablar, andar y moverse. Siendo además su personaje, el que ofrece más profundidad que ninguno en la cinta. Parece una de esas maravillosas mujeres sacadas de una película de Wong Kar Wai.

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La simbología es de lo más notable durante toda la cinta. Transcurre durante todo el metraje de manera sutil y bella, lo vemos en ese soldado moribundo que se oculta con las prostitutas, cuyo color exageradamente cadavérico, impuesto a propósito por el director, representa la muerte de toda la ciudad china; las flores del prostíbulo sacrificándose para salvar su niñez representada en otras niñas como las que antes fueron ellas, un maquillador de cadáveres convirtiendo prostitutas en niñas cuando todos sabemos que ya están muertas…

Entretenimiento, dolor, emoción y sentimientos desbordados, sobre todo en el momento en el que entendemos porque los japoneses han decidido proteger la iglesia y las niñas de su interior, un momento sin duda de lo más duro durante la película.

El drama, el valor moral, las iniciales desconfianzas entre el grupo de estudiantes católicas y el de prostitutas, la fabulosa ambientación, tanto fuera de la iglesia como dentro, creando belleza en cada plano…  nos ofrecen una visión más allá de una guerra.

The Flowers of War no ensalza la guerra, la fuerza está en los personajes en los que desenvuelve todo tipo de sentimientos, de desconfianza, situaciones límite o fraternidad.

Yimou tiene la capacidad de contar las historias más simples y clásicas de una forma intimista y delicada, su forma de transmitir los sentimientos, la integración de la música y un juego de cámara que siempre es una verdadera obra de arte nos ayudan a ver el conflicto, las atrocidades de la ocupación japonesa, desde esa iglesia católica convertida en oasis y refugio de los más desamparados: niñas, mujeres y prostitutas.

No cierra los ojos a las barbaridades con una extraña caligrafía de pesadilla no exenta de belleza. Su estética delicada, de colores intensos para darle un color intimista a un muerto nacional (la Masacre de Nankín) hacen de esta película de Yimou una historia hermosa y dolientemente romántica.

2011: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa

2012: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes (fuera de competición)

http://www.youtube.com/watch?v=MV5rw3oTJMw

 

 

FLOR DEL DESIERTO

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Título: Desert Flower

Director: Sherry Hormann

Género: Drama

Guión: Sherry Hormann basado en la novela autobiográfica de Waris Dirie.

Música: Martin Todsharow

Reparto: Liya Kebede, Sally Hawkins, Meera Syal, Craig Parkinson, Timohy Spall, Anthonie Mackie, Juliet Stevenson

Productor: Peter Herrman, Waris Dirie entre otros

Año: 2009

Calificación: **

Lo mejor: Su valentía, dureza y realismo al enfrentarse al tema de la ablación.

Lo peor: Que sea un hecho real.

 

Flor del Desierto es la adaptación de la fascinante vida de Waris Dirie, top model somalí, primera mujer negra en ser portada de Vogue y años después una de las mayores activistas en la lucha de los derechos de las mujeres frente a las Naciones Unidas.

Cuando a la edad de 13 años, Waris se entera de que su padre tiene intención de casarla como cuarta esposa con un hombre mayor, se da cuenta de que no tiene más remedio que huir de Somalia.

Impactantes escenas nos muestran el viaje de la pequeña Waris atravesando el desierto somalí descalza, destrozándose los pies, pasando, hambre, calor y todo tipo de dificultades que hacen increíble creer que pudiera sobrevivir.

Con la ayuda de unos parientes, Waris viaja a Londres donde es recogida en la embajada somalí hasta que la guerra civil estalla en su país y la embajada cierra.

Una vez en la calle y ya siendo una hermosa mujer, debe sobrevivir como buenamente puede, hasta que un buen día es descubierta en un restaurante de comida rápida por el conocido fotógrafo Terry Donaldson, interpretado por el siempre entrañable y magnífico Timothy Spall.

Aquí cambia, o eso parece, la suerte de Waris, a un paso de convertirse en modelo internacional, pero un problema con su pasaporte la amenaza con la deportación.

De nuevo toca luchar por no ser devuelta a África, país que según avanza el film, nos muestra la dureza de su infancia y como fue mutilada allí a los tres años como manda su cultura.

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El relato de la vida de Waris Dirie es la historia de cómo una joven y valiente africana emigra a Europa y lucha para erradicar uno de los más crueles y atroces rituales, la ablación o mutilación genital femenina.

La película dentro de que cuenta una historia de gran crudeza, no muestra imágenes fuertes a excepción de una, la escena de la ablación.

Dicha escena, mostrada casi al final de la cinta, es realmente insoportable, sobre todo por la hiperrealista interpretación de la niña pequeña. Sus gritos traspasan los tímpanos, la sangre sobre las piedras te encoge el estómago… pero es aquí donde reside la fuerza de su esencia.

Flor del Desierto estuvo en Venecia y obtuvo una buena acogida en el festival italiano, algo que se entiende perfectamente considerando que su mensaje es tan fácil de abrazar como simple en su forma de ser llevado a la pantalla.

Cinematográficamente no aporta nada nuevo, es sencilla y simple, consta de buen ritmo y un cierto estilo desenfadado, sobre todo en todas las secuencias que tienen lugar en Londres. Pero su mensaje, su denuncia social llega sin duda, por lo que cumple del todo su objetivo.

Liya Kebede destaca por su increíble belleza y dulzura en un papel hecho a su medida, aunque no lo tiene muy difícil la verdad.

Su personaje evoluciona desde la más profunda ignorancia, hasta un caminar firme y preciso por cada una de las mejores pasarelas del mundo. Pero en realidad Waris es una mujer que tiene miedo a abrirse al mundo a consecuencia de su religión, sus tradiciones familiares, y sobre todo por el dolor interno que le produce el no ser una mujer completamente.

waris

Es una historia dura y a la par llena de esperanza que nos muestra como una persona es capaz de conseguir salir adelante por muchos obstáculos que le ponga la vida y por muy complicada que esta sea. Como una joven que es protagonista de dos mundos totalmente distintos es capaz de sobrevivir y adaptarse a ambos.

Flor del desierto nace con una doble misión: llamar la atención sobre el horror de la ablación, y contagiar un espíritu de solidaridad y coraje a las mujeres que la sufren.

Su objetivo es diáfano y todo se articula en torno a la necesidad de llegar a públicos amplios y transmitir de un modo sencillo y soportable una realidad cruda y traumática.

La película se balancea entre el recuerdo de una tierra hostil en Somalia que guarda tradiciones intolerables desde lo racional y otro mundo posible en el que aún hay esperanza. Es el relato verídico de la modelo que se atrevió a reconocer públicamente que era una de las víctimas de la ablación, y que intento erradicar este horrible hecho, otro derecho humano aplastado.

http://www.youtube.com/watch?v=lHxvETioNL0

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