PONYO EN EL ACANTILADO
12 enero 2012
Título: Gake no ue no Ponyo
Director: Hayao Miyazaki
Género: Animación
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Año: 2008
Voces en la Versión Japonesa: Yüki Amami, Kazushige Nagashima, Jôji Tokoro,
Yuria Nara como Ponyo.
Calificación: ****
Lo mejor: Como en cada una de sus películas, el maravilloso universo Miyazaki.
Lo peor: Que se considere tan solo infantil cuando es mucho más.
Ponyo en el Acantilado de Hayao Miyazaki, es una revisión del mítico cuento de La Sirenita, donde reina la bondad y una gran exquisitez visual.
Dirigida a un público más infantil que en sus anteriores obras, es también su película más personal, ingenua y accesible; la de más fácil lectura para el público occidental.
La historia se centra en Sosuke, un muchacho de 5 años, y su relación con una princesa pez que ansía convertirse en un ser humano. Pero como siempre hayamos en cada una de sus obras, Miyazaki exige un punto más de profundidad en el análisis, una profundidad conceptual.
El gran genio de la animación japonesa nos hace regresar siempre a la naturaleza y su equilibrio, nos ayuda a entender que el progreso no ordenado crea monstruos, monstruos amables en esta ocasión, ya que no encontramos ningún villano en la historia, lo que supone una concepción diferente a nuestra narrativa occidental.
Y no solo en este aspecto encontramos las enormes diferencias entre nuestro mundo y el que Miyazaki crea para nosotros. Descubrimos un sinfín de alegorías ecológicas, a la naturaleza como un personaje más y la tradición, tanto dentro como fuera de la pantalla, es la base de cada una de sus creaciones.
Ponyo es la película con más fotogramas pintados de la historia. Su Story Board se realizó directamente en acuarela dotando a esta película de un gran valor artístico.
Miyazaki decidió plantar cara así al mundo digital. Apuesta por una radical vuelta a los orígenes, un regreso a la animación tradicional como perfecta representación de la mirada de la infancia. Es también la declaración de principios de un artista. Su gran acabado técnico, su maestría en la narración, su capacidad de enternecer hacen que Ponyo deba ser vista y disfrutada.
Con el viaje de Ponyo a lomos de una medusa arranca esta fábula en la que Miyazaki demuestra, otra vez, lo bien que conviven dos mundos en apariencia opuestos (lo humano y lo mitológico, cogidos de la mano), la armoniosa belleza de los elementos naturales, los colores pastel y los diseños de línea clara junto con la contagiosa expresividad de unos personajes dibujados con el corazón.
Encontraremos a una preciosa niña caminando sobre las olas, olas que toman forma de majestuosos peces para transportarla, señales de luz en el mar dando paso a su gran universo: un mar divinizado y animado, donde conviven dioses y hombres resentidos.
Destaca su gran delicadeza en el trato infantil, considerando siempre a los niños inteligentes e intuitivos, su labor puntillista de síntesis gráfica y una deslumbrante historia aunque menos visionaria y más conservadora.
Es un canto apasionado al lápiz, de brillantes erupciones épicas (wagnerianas gracias a la música maravillosa de Joe Hishashi y su homenaje a las Valkirias), profundamente emotiva, más pequeña en intenciones pero repleta de colores preciosos, que nos regala un sueño con un corazón gigantesco.
A ningún niño se le debería privar del placer de verla y ningún adulto se arrepentirá de entrar en el cine.
Nominada en el festival de Venecia 2008 al león de oro a la mejor película, Ponyo es una película genuinamente infantil y orgullosa de serlo.
Bienvenidos
12 enero 2012
Bienvenidos a PANICO EN EL CINE´S BLOG.
El objetivo de esta página es informar a nuestros lectores sobre diferentes cuestiones relacionadas con el Séptimo Arte.
Este blog está dividido en varias categorías para que podáis seleccionar la que más os interese. A continuación os explicamos cada una de ellas:
SALA DARTH V: Esta es mi sala. Aqui podrás seguir todas las criticas publicadas por mí. A un solo golpe de ratón tendrás una critica de los Films elegidos.
SIEMPRE NOS QUEDARÁN LOS CLÁSICOS: Y es que en este blog no solo vamos a hablaros sobre los estrenos semanales, sino del cine en general y con mayúsculas. Clásicos, películas que quizá habéis pensado alquilar, la que pusieron el otro día en televisión y queréis tener otra opinión sobre ella… toda esa información os estará esperando aquí.
PREGUNTALE A: Y como hemos creado este blog para vosotros, también queremos que nos contéis que curiosidades tenéis, sobre qué películas queréis saber más, personajes, series, bandas sonoras…!LO QUE SEA!.. aquí solo tenéis que sugerirlo y os contaremos al respecto.
AVANCES/TRAILERS: Lo más actual, lo que está por venir….noticias interesantes… una pequeña revista dentro de nuestro blog….
ESTADÍSTICAS DE PANICO EN EL CINE DURANTE 2011
12 enero 2012
NO OS PERDÁIS EL FUNCIONAMIENTO DE NUESTRO BLOG DURANTE EL 2011!! AHORA EN 2012 DEBEMOS SEGUIR TRABAJANDO!!!!!
http://panicoenelcine.wordpress.com/2011/annual-report/
THE ARTIST
11 enero 2012
Título: The Artist
Director: Michel Hazanavicius
Género: Comedia Musical
Fotografía:Guillaume Schiffman
Guión: Michel Hazanavicius
Música:Ludovic Bource
Reparto: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, Penelope Ann Miller, James Cromwell, Missi Pyle
Año: 2011
Calificación: *****
Lo mejor: La gran valentía de su director y unos actores extraordinarios.
Lo peor: Absolutamente NADA.
Hollywood 1927. George Valentin, es una gran estrella del cine mudo a quién la vida le sonríe. Un buen día se cruza en su camino la soñadora aspirante a actriz Peppy Miller. Ambos deberán enfrentarse a la llegada del cine sonoro. Valentin quedará sepultado, eclipsado y olvidado en un mundo donde el sonido nace y todo suena menos él. Miller sin embargo verá impulsada su carrera a lo más alto.
Esta historia no es desconocida, el cambio en la industria del cine ya fue llevado a la gran pantalla en “Sunset Boulevard” (1950) y “Singin´ in the Rain” (1952). Entonces ¿merece la pena una historia cien veces explorada? Sin duda sí, ya que está contada como solo un artista podría hacerlo.
The Artist contiene todo lo que se espera de una gran película: acción, una buena historia, risas, lágrimas… y funciona a todos los niveles. Rodada con una clase inconmensurable, es un maravilloso homenaje al cine clásico y a sus glorias, por la pantalla desfilan referencias a Douglas Fairbanks y su “The Mark of the Zorro”, Gene Kelly, Astaire y Rogers, Valentino…
Arriesgarse con una cinta muda y en riguroso blanco y negro, demuestra el valor de su director Michel Hazanavicius. Su soberbio trabajo nos devuelve la magia del cine clásico ofreciéndonos cosas que el cine sonoro no logra. Prescindir del diálogo sin echarlo en absoluto de menos es brillante, rezuma pasión y amor por el CINE en mayúsculas desprendiendo nostalgia en cada fotograma.
Los recursos cinematográficos de esta película son innumerables: fundidos y transiciones en una extraordinaria fotografía en blanco y negro, fantásticas labores de vestuario y ambientación, una banda sonora que toma piezas de otros clásicos (ahí tenemos el Vértigo de Hitchcock), un sorprendente juego con los efectos sonoros… el resultado es fascinante emanando aroma a obra maestra, poesía en lenguaje cinematográfico.
Mención aparte merece el dúo protagonista, unos impagables Jean Dujardin y Bérénice Bejo. Dujardin parece salido de ese mundo. Sus miradas, carcajadas y tropiezos tan solo emanan talento. Su interpretación de gloria de Hollywood que observa como su mundo avanza sin él es una verdadera lección de cine premiada con la Palma de Oro en Cannes. Bérénice Bejo, está perfecta, es una auténtica actriz de los años 20 llena de frescura y naturalidad que llena la pantalla.
Les acompañan unos secundarios de lujo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller y un perro maravilloso que consigue que nos riamos a carcajadas en cada aparición.
Algunas de sus secuencias serán ya inolvidables: la pesadilla del protagonista, la chica y el abrigo, ese baile sin verse, el plano del espejo y la botella de whisky… hasta llegar a un final brillante que nos corta la respiración, despidiéndose con jadeos y suspiros, porque así también queda el espectador, sin aliento.
The Artist es un hermoso canto al cine, un viaje mágico a otra época. Hace reír, emociona, está llena de inteligencia y buen gusto. Resulta fresca, divertida y sobre todo sorprendente.
La prensa quedó maravillada con ella en Cannes y fue la más aplaudida en el festival de San Sebastián, The Artist es sin duda es una joya.
Una de las mejores películas del año, cine enamorado del cine.
TOWER HEIST (UN GOLPE DE ALTURA)
26 octubre 2011
Título: Tower Heist
Director: Brett Ratner
Género: Comedia
Fotografía: Dante Spinotti
Reparto: Ben Stiller, Eddie Murphy, Matthew Broderick, Casey Affleck, Alan Alda, Téa Leoni, Gabourey Sidibe, Michael Peña.
Año: 2011
Calificación: *
Lo mejor: Un casting plagado de actores de primera línea.
Lo peor: Los personajes, todos y cada uno de ellos es un cliché.
Desde hace una década Josh Kovacs (Ben Stiller), oriundo de Queens, es el encargado de un edificio de apartamentos de lujo y alta seguridad situado en Central Park. Entregado en cuerpo y alma a su trabajo, nada ocurre en el edificio sin que él se dé cuenta. Venera a los huéspedes, como él siempre dice: “La gente vive aquí porque quiere que les cuidemos y les atendamos las 24 horas al día”.
A su cargo, un grupo de honrados empleados de lo más variopinto, intentará complacer cualquier capricho de sus inquilinos. Pero en el piso más ostentoso de todo el edificio, el Penthouse del ático, Arthur Shaw (Alan Alda), uno de los titanes de Wall Street, queda bajo arresto domiciliario y vigilado por el FBI por haber robado dos mil millones de dólares a los inversores.
Tras unos momentos en los que Kovacs y el resto de los trabajadores quieren creer que todo es un error y el señor Shaw es inocente todo da un giro para descubrir que Shaw encargado de sus planes de pensiones, es un estafador y han perdido todo su dinero, están arruinados.
Es entonces cuando Kovacs con la ayuda de varios trabajadores: Chase Fitzhugh ( Mathew Broderick por el que si pasan los años) inversor arruinado q vive en el edificio a punto de ser deshauciado por impago, Odessa Montero (Gabourey Sidibe a la que no predecíamos vida después de Precious y nos alegramos mucho de encontrar) en su papel de emigrante jamaicana ilegal y criada del el edificio experta en cerraduras, Cole Howard (el cada vez más consagrado Casey Affleck) y Rick Malloy (Michael Peña) deciden contactar con un ladrón de poca monta llamado Slide.
Slide interpretado por Eddie Murphy (que por desgracia para mi parece que vuelve a resurgir: nuevas películas, presentador en la próxima gala de los Oscar… pfff) es un conocido del barrio de Kovacs a quien siempre increpaba cuando se lo cruzaba por la calle.
Con la ayuda de Slide tratan de organizar lo imposible, robar 20 millones que están convencidos que Shaw esconde en la caja fuerte de su lujoso apartamento y así recuperar su dinero ya que a pesar de no ser ladrones, conocen el edificio mejor que nadie. Traman un plan de venganza, un golpe perfecto en el que básicamente, tratarán de recuperar aquello que les ha sido robado.
Sobre estos cimientos se construye esta comedia liderada por Ben Stiller, en su eterno papel de perdedor con una moral intachable, que le hará meterse en la boca del lobo con tal de no traicionar su código ético.
Nos encanta Stiller, creemos que es un maestro de la comedia pero… ¿no es hora de que varíe algo sus interpretaciones? ¿Nunca le veremos en otros papeles?
El director Brett Ratner, quién dirigiera X-Men decisión final, Family Man o la estupenda precuela de El Silencio de los Corderos, El Dragón Rojo, confiesa ser un aficionado a las películas de robos de los 70 y vio así la oportunidad de una comedia de acción con actores de primera línea.
Además del director y el elenco, nos sorprende encontrarnos en esta película a un maravilloso director de fotografía como es Dante Spinotti, nominado al oscar en dos ocasiones por L.A Confidential y The Insider (El Dilema) respectivamente.
Referente al impresionante edificio que aparece en la película debemos comentar que fue el inmenso ático del Trump International Hotel and Tower, en Columbus Circle, el que sirvió como modelo para la vivienda de Shaw. Gracias a la cooperación del multimillonario Donald Trump, la torre incluso fue usada para filmar varios exteriores y fue concedido acceso al equipo a algunas de sus propiedades más suntuosas.
Por otra parte, para dotar a Shaw de un coche a la altura de su riqueza, se realizaron dos réplicas del Ferrari 250 GT, un deportivo valorado en 1 millón de dólares que antaño condujo Steve McQueen.
Con un montón de caras conocidas y la siempre efectiva fórmula de comedia+acción, “Un golpe de altura” es una comedia de ladrones incompetentes decididos a dar el golpe del siglo: la máxima seguridad, todas las complicaciones y una buena dosis de
despropósitos hacen del robo a un multimillonario custodiado por federales algo más que una mala idea.
Podremos verla a partir del 4 de noviembre con la intención de asaltar la taquilla española y convertirse en una de las sorpresas de la semana.
BAJO LAS ESTRELLAS
21 octubre 2011
Título: Bajo Las Estrellas
Director: Félix Viscarret
Guión: Felix Viscarret y Fernando Aramburu
Música: Mikel Salas
Fotografía: Álvaro Gutierrez
Género: Drama
Reparto: Alberto San Juan, Emma Suárez, Julián Villagrán, Violeta Rodríguez, Amparo Valle.
Año: 2007
Calificación: ****
Lo mejor: Alberto San Juan
Lo peor: Su hermano Lalo que no es un buenazo… es un colgado clavadito a Albert Pla y que cansa bastante.
Bajo las Estrellas es una excelente comedia con tintes dramáticos dotada de una insólita poesía visual, novedosa ambientación y música penetrante.
Esta adaptación de la novela de Fernando Aramburu, El trompetista del Utopía, llevada al cine de la mano de Felix Viscarret, es una fábula moderna con forma de comedia agridulce que nos cuenta la historia de Benny Lacun, un antihéroe enternecedor.
Conociendo la noticia de que su padre está a punto de morir, Benito Lacunza o Benny Lacun, su nombre artístico, debe volver a su pueblo natal, Estella, un pueblecito de Navarra el cual abandonó hace años para convertirse en un trompetista de prestigio en Madrid.
La vida que Benny lleva en Madrid es muy diferente a lo que ha hecho creer a todo el mundo. Vive con su insoportable y mandona novia Paula, toca en diferentes clubs para animar a los turistas, se une posteriormente a sus juergas y llega a casa una noche borracho y otra también. Pero ahora Benny debe enfrentarse al pasado y seguir defendiendo la identidad de un trompetista de éxito en Madrid que se ha creado.
Al regresar a Estella encuentra antiguos amores, locuras de juventud, lo que le queda de familia y amigos, y sobre todo a su hermano Lalo, un ex alcohólico rehabilitado.
Lalo ha rehecho su vida junto a Nines, un antiguo ligue de Benny que no pasó a mayores pero que él no ha olvidado. Lalo vive con Nines y con la hija de esta, Ainara, una niña muy especial con la que Benny entabla una peculiar relación.
Bajo las Estrellas es una magnífica película, sencilla, con pocos e intensos personajes que además aborda una serie de temas complejos con una gran facilidad como son la política y el terrorismo (en general y el de ETA en particular) por lo que tiene de inútil, irracional y absurdo, la cerrazón de los pueblos (habladurías, críticas), las relaciones familiares y la aceptación de uno mismo.
Bajo las Estrellas te atrapa desde el principio con su poesía fílmica, la estupenda anda sonora de Mikel Salas y la excelente fotografía de Álvaro Gutiérrez, ofreciéndonos escenas muy cuidadas que la catalogan como cine independiente.
El montaje y la manera de rodar, llena de continuos saltos, cambios de plano y fragmentos que te sacan en ocasiones de un guión repleto de soberbios diálogos, también te ayuda a comprender el aislamiento interior de los personajes, su soledad.
Como puntos negativos debemos apuntar que la relación que se establece entre Benny y Nines es insuficiente e incoherente al menos en intensidad dramática. Vuelven a verse después de años, ella a penas le recuerda, él no la ha olvidado, pero más adelante, cuando la relación se estrecha le falta fuerza y termina siendo de lo más previsible.
El secundario más importante es difícil de elegir, ya que Julián Villagrán en su personaje de Lalo convence… pero su dilema interior, la lástima de sí mismo, el peso de la conciencia… terminan quizá dando un sermón moral que no todos compartimos.
Para compensar estos puntos, tenemos otros dos muy favorables. El indiscutible es Alberto San Juan. Goya al mejor actor por su papel de Benny Lacun.
San Juan está espléndido, divertido, atractivo, interesante, locuaz, dulce, tierno y canalla a la vez. Parece que el papel se escribió para él y realmente se sumerge en su piel sin dejar nada por construir.
El contrapeso de San Juan lo encontramos en Violeta Rodríguez, Ainara Esparza o como ya la llamaremos siempre, “Puerqui” o “Puerquita”. La relación y la química entre Benny y Puerqui que sentimos en la película se dio también durante el rodaje, detrás de las cámaras. San Juan y la pequeña Violeta conectaron desde el principio y eso se nota sin duda.
Bajo las Estrellas triunfó además en el Festival de Málaga de aquel año consiguiendo cuatro Biznagas y de las importantes: película, director, actor y guión novel.
Una prometedora carrera comienza para Félix Viscarret. Se afianza Alberto San Juan como uno de los grandes actores españoles, ya conocíamos su gran faceta de actor cómico, ahora además, se nos revela como un gran intérprete dramático.
Bajo las Estrellas es una apreciable ópera prima, con un tono extraño, desde la comedia a la tragedia más radical.
Es una intención y una ilusión por hacer buen cine español.
Una crónica de perdedores simpáticos con sabor a cine de antes.
THE THING
18 octubre 2011
Título: La Cosa
Director: Matthijs Van Heijningen
Guión: Eric Heisserer basado en una historia de John W. Campbell Jr.
Género: Terror
Música: Marco Beltrami
Reparto: Mary Elizabeth Winstead, Joel Edgerton, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Ulrich Thomsen, Eric Christian Olsen, Trond Espen Seim.
Año: 2011
Calificación: **
Lo mejor: La premisa de un trabajo hecho hacia atrás, ¿cómo llegamos a ese punto dónde Carpenter comenzó su original?
Lo peor: Los efectos digitales no casan, una vez más, con la película inicial.
El respeto y la admiración de un grupo de cinéfilos hacia la mítica obra de John Carpenter, The Thing (1982), ha dado lugar a esta
precuela que recupera, no solo parte del equipo original de la misma, sino también la esencia, la paranoia, la desconfianza y el terror.
Partiendo de la inmensidad blanca de una base abandonada en Noruega, The Thing nos traslada y muestra una serie de hechos que no pudimos presenciar en 1982… hasta dejarnos en esa misma base arrasada… tal y como se inicia la película de Carpenter.
Esta nueva película no aporta nada nuevo al género de terror ni a la idea original del mítico relato, tan solo nos muestra que pasó previamente a la situación que ya conocíamos. Las secuencias finales encajan perfectamente con el argumento anterior y además lo hace manteniéndonos pegados a la butaca durante todo el metraje, por lo que el trabajo argumental y de montaje es realmente estupendo.
Esta veneración y cariño a la obra de John Carpenter ha sido tal que incluso han llegado a incorporar la banda sonora original de Ennio Morricone (conocida como “Humanity, Part II”) de la película de 1982 a las composiciones actuales de Marco Beltrami, mucho más sutiles, tanto que en ocasiones pasan casi inadvertidas durante el metraje. “Esa música tenía algo inolvidable” confiesa Marc Abraham (uno de los productores), “Es pura tensión y paranoia… Teníamos que homenajear la composición de Morricone”.
Como siempre que nos enfrentamos a remakes, secuelas, o precuelas… debemos enfrentarnos a las mismas de la manera más objetiva que podamos, evitar comparaciones, referencias… pero yo me pregunto, ¿es eso posible?
Quizá no sea imposible, pero casi… sobre todo para aquellos que almacenamos datos, y datos cinematográficos en la cabeza y que aquí como nos pasó no hace mucho, nos vuelven a chocar los efectos especiales. Imagino que sabéis de lo que estoy hablando ¿verdad?
Hace no tanto que Lucas estrenó sus precuelas de Star Wars (ojalá se las hubiera ahorrado) … y a parte de las evidentes decepciones, de lo que más nos quejamos los fanáticos de la saga ORIGINAL Y ÚNICA (jajajaja) es de ¿ cómo era posible que los Clones fueran mucho más avanzados que por ejemplo los guardias de asalto imperiales que se crearon posteriormente para el ejército de Darth Vader? … y un sinfín de ejemplos más… en resumen, porqué todo lo que se supone que es anterior, mucho más viejo, siempre es más avanzado y novedoso que lo actual? ¿Es qué de verdad no pueden cuidar esos detalles?
Pues en The Thing nos ocurre lo mismo. Cierto es que esta precuela posee detalles muy bien integrados que mantienen la esencia de la película original, pero estos mismos quedan aniquilados cuando aparecen los primeros efectos digitales para recrear a “La Cosa”.
En la anterior éramos los espectadores los que creábamos al monstruo, el terror psicológico era imprescindible y nuestras mentes no tuvieron un minuto de descanso mientras duraba la película, pero aquí nos lo muestran como si fuera un nuevo Alien.
Otro cambio, no sabemos si calificarlo de positivo o negativo, es que en detrimento de Kurt Russell, la protagonista es una mujer. The Thing fue una experiencia totalmente masculina, pero no es así en esta ocasión. Esto no debería resultarnos extraño si recordamos grandes películas del género como Alien, La Semilla del Diablo o El Exorcista, todas ellas protagonizadas por mujeres.
Mary Elizabeth Winstead, la elegida para el proyecto es aún poco conocida al igual que la mayor parte del reparto, donde vemos varias caras televisivas como la de Joel Edgerton o la de nuestro querido Señor Eko de Lost, Adewale Akinnuoye-Agbaje.
Como anécdota también contaremos que gran parte del reparto es originario de Noruega y actuaron manteniendo su propia lengua. Este hecho en escenas de alta tensión en la base, aumenta aún más la desconfianza y el miedo entre unos y otros al no poder entenderse completamente y no saber que dicen en cada momento.
El elegido para dirigir es también un debutante, en esta ocasión del largometraje, Matthijs Van Heijningen, publicista y del que dicen que puede ser el nuevo Verhoeven.
Heijningen junto con el guionista de la también mítica “Pesadilla en Elm Street,” los productores de “El Amanecer de los Muertos” y la producción ejecutiva de la anterior “The Thing”… nos ofrecen un resultado que como mínimo, asusta…
“Una inmensidad blanca
Un parasito capaz de imitar a la perfección cualquier ser vivo que toca… conseguirá que florezca la desconfianza y el terror mientras intenta SOBREVIVIR Y … FLORECER”
INTRUDERS
5 octubre 2011
Título: Intruders
Director: Juan Carlos Fresnadillo
Guión: Nicolás Casariego, Jaime Marqués
Género: Thriller
Música: Roque Baños
Reparto: Clive Owen, Pilar López de Ayala, Daniel Brühl, Héctor Alterio, Carice Van Houten, Ella Purnell, Izán Corchero, Kerry Fox.
Año: 2011
Calificación: ***
Lo mejor: Su hermosa moraleja: las pesadillas y los monstruos que en ellas aparecen no son más que la proyección del miedo de nuestros mayores sobre sus hijos.
Lo peor: Últimamente todos los monstruos son similares: Carahueca, un Nazgull de The Lord of The Rings, Un Dementor de Harry Potter, El asesino de Sé Lo que Hicisteis El Último Verano…
Como anuncian en los trailers de promoción, el visionario director Juan Carlos Fresnadillo, tras los éxitos cosechados con su corto Esposados (nominado a los Oscar), Intacto (ganadora de 8 premios Goya, incluyendo el de mejor Director Novel) y 28 Semanas Después, nos presenta una inquietante historia, Intruders.
Dos familias, cada una en localizaciones del mundo completamente diferentes, se encuentran conectadas por una pesadilla recurrente que padecen los hijos pequeños de ambas.
Esta pesadilla comienza en Juan, un niño español que vive con su madre y sueña con un monstruo sin cara que le ataca de noche en su habitación.
Más tarde Mia que vive en Londres, descubre jugando en casa de su abuela una cajita de madera oculta en el tronco de un árbol en el jardín. Esta cajita esconde un pedazo de papel con una historia de terror sin terminar, la historia de Carahueca, un ser sin cara, que ansiando una propia, persigue a los niños con el fin de robársela.
A raíz de encontrar ese pedazo de papel, Mía comienza a hacer suya la historia, decide escribir el final de la misma… y así comienza su propia pesadilla.
El vínculo de ambos niños con sus padres es fuerte y muy estrecho, llegando a involucrarles de tal manera en sus pesadillas, que sin querer, terminan siendo participes de ellas.
Pero, si estas familias no tienen ninguna relación… ¿porqué la pesadilla es común para ambas?
Intruders no es un film de terror, su director Juan Carlos Fresnadillo con el que tuvimos la gran oportunidad de poder hablar tras la proyección de la película, nos explicó que él prefiere definirla como un thriller.
Podemos considerar varios puntos a la hora de analizar Intruders, la visión del director en este caso, gracias a un estupendo montaje y una narración realmente intrigante y nos ayuda a entender que el origen de cualquier pesadilla se debe a un trauma. Así, entendemos según avanza el film, que todo lo que vemos es la proyección del miedo de nuestros mayores en sus propios hijos.
Una secuencia muy clarificadora de este hecho es cuando la pequeña Mia confiesa a su psicóloga que ella sabe que Carahueca no existe, pero él (su padre interpretado por Clive Owen) no.
La primera vez que la pequeña Mia tiene una pesadilla acude a su padre en busca de consuelo. Éste, para ayudarla crea un monstruo para ella: toma un chubasquero, unas botas, un balón de basket… y crea una figura para más tarde prenderla fuego y así deshacerse de la pesadilla… pero lo que no sabe es que en ese mismo momento está creando al monstruo que perseguirá a su hija. Sin querer se lo transmite, le da vida, tal y como nos dice la pequeña fabula de la película: “Carahueca estaba dormido hasta que alguien pronunció su nombre….”
El personaje de Carahueca podría asimilarse psicológicamente al personaje que creo Wes Craven en los 80, Freddy Krueger, alguien que invadía tus sueños hasta hacerse real y ya no ser capaces de distinguir entre realidad o pesadilla. Pero Krueger era un deforme, Carahueca puede ser quien nosotros queramos que sea.
El hecho de encontrarnos de nuevo con un monstruo sin cara, sin identidad, nos hace tanto en la película, como a nivel personal si buscamos en nuestros propios miedos y pesadillas, preguntarnos continuamente ¿quién es? ¿Porqué me persigue?
En varias secuencias vemos que el monstruo envuelve a uno de niños, se coloca a su espalda, le rodea pero no le hace frente ¿quién no ha tenido alguna vez una pesadilla así? Alguien detrás de nosotros al que no conseguimos ver, sabemos que está ahí, notamos su presencia, pero no conseguimos verle.
Así comienza nuestro miedo, el monstruo se convierte en tu sombra, forma parte de tu sangre que no deja de palpitar…
Con el tiempo y con todas las historias de terror que ya conocemos, sobre todo aquellas en las que aparece un fantasma, encontramos en todas ellas un punto en común: algo pendiente, eso que ese alguien no ha llegado a conseguir en vida y sigue esperando terminar tras su muerte.
Fresnadillo nos confiesa que Intruders es la película más ardua que jamás ha realizado, aunque no sea la más cara (12 semanas de rodaje y 10 millones de €uros). La labor de montaje fue la más complicada de todas. Había que conectar las dos historias: en el tiempo, con dos idiomas… además los niveles en los que debían trabajar eran 3, presente, pasado, pesadilla…
Todo ello se acompaña de la estupenda música de Roque Baños, un muy acertado guión y una muy buena fotografía.
Cuando preguntamos a Fresnadillo sobre Clive Owen, en seguida nos confiesa que para él es uno de los grandes, fue su primera opción. El papel de padre realmente unido a su hija, le hace compartir esa pesadilla con ella, vincularse de una manera muy especial.
Su implicación a nivel emocional se nota a través de la cámara, pero aunque veamos toda esa visceralidad, no es un actor de los que ensayan, de hecho no le gusta mucho. Tal y como nos cuenta el director, estuvo encerrado con el actor dos semanas en un hotel, repasando palabra por palabra su interpretación, cambiando opiniones y puntos de vista, pero sin ensayos.
Fresnadillo: “Sí Hitchcock viviera hoy en día sus películas estarían protagonizadas por Clive Owen, es el prototipo de hombre normal, cotidiano y cercano que el genio solía escoger (James Stewart, Cary Grant)”.
La contrapuesta femenina es Pilar López de Ayala en el papel de la atormentada madre del pequeño Juan, que cree que el problema de su hijo es algo que puede solucionarse con la ayuda de la iglesia… quizá pueda ayudarle algún tipo de exorcismo.
Para ello recurre al padre Antonio interpretado por Daniel Brühl al que vemos actuando en su perfecto español (no es la primera vez, ya pudimos verle en su gran interpretación en Salvador, ya que su madre es de Barcelona). Un joven cura que quiere ayudarla como sea.
Junto a él en una breve aparición, tenemos a Héctor Alterio como sacerdote mayor y sabio, que intenta aconsejar al joven padre.
En esta relación de ambos, no se puede evitar en una de las secuencias cuando ambos caminan por la calle hablando del pequeño Juan y sus problemas, acordarse de El Exorcista y ver en una de sus charlas al padre Merrin y al padre Karras, jejeje.
Recomendamos a todos los que podáis, que la veáis en versión original ya que el papel de los idiomas en la película será una de las claves principales en la historia y que se perderá con el doblaje.
Para finalizar, tan solo contaros que Intruders es una bonita historia, un estupendo thriller sin cabos sueltos y que de nuevo nos alegra y satisface ver que nos encontramos ante una nueva generación de directores españoles.
Creadores de lo fantástico como Fresnadillo, Vigalondo, Bayona o Rodrigo Cortés (gracias a este último y su éxito Buried la proyección internacional ha crecido muchísimo).
Todos ellos nos ofrecen unas historias muy peculiares contadas de una manera muy personal, y aquí Fresnadillo nos da una lección de cómo contar y realizar una preciosa historia en nuestro país, nosotros también podemos!!!
Intruders se estrena hoy en Sitges, y te deseamos la mejor de las suertes Juan Carlos.
http://www.intruders-lapelicula.es/
Gracias!!
ONE DAY
29 septiembre 2011
Título: One Day
Director: Lone Scherfig
Guión: David Nicholls basado en su best seller SIEMPRE EL MISMO DÍA
Género: Drama
Música: Rachel Portman
Reparto: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Rafe Spall, Romola Garai, Tom Mison, Ken Stott
Año: 2011
Calificación: **
Lo mejor: La química entre Hathaway y Sturgess. Ambos tienen gran frescura.
Lo peor: Una de las partes cruciales de la historia está omitida!!! Y además, es muy predecible.
La realizadora de la fantástica An Education, Italiano para Principiantes y Wilbur se quiere suicidar nos trae la que sin duda será la película romántica de este otoño.
One Day nos cuenta la historia de Emma y Dexter desde el día que se conocieron, un 15 de julio de 1988, repitiendo ese mismo día a lo largo de los años hasta llegar a 2011.
Así podemos ver como están y como son cada uno de ellos, que sienten, a que aspiran y en lo que se han convertido cada 15 de julio desde aquel año hasta veinte años después.
Es un recorrido por la vida sin duda, por los cambios que sufrimos, por como crecemos como personas, y sobre todo nos enseña también que el tiempo pasa, pero el amor jamás.
El 15 de Julio en Gran Bretaña es el día de San Swithin. El folclore británico tiene una rima acerca de ese santo:
Si llueve el día de San Swithin,
durante 40 días lloverá.
Si luce el sol el día de San Swithin,
durante 40 días la lluvia no aparecerá.
Para conocer la respuesta a esta rima, es necesario ver que les ocurre a nuestros protagonistas aquel primer 15 de julio, el primer momento que pasaron juntos, la primera mirada, el primer beso… ¿llovió ese primer 15 de julio?
Ambientada en su mayoría en Londres, también vemos parajes preciosos de Edimburgo y Paris que nos envuelven gracias a una preciosa música de la siempre como mínimo agradable Rachel Portman y a varias secuencias rodadas en la hora bruja que nos empapan de la fría estética inglesa.
El ritmo en la película es realmente estupendo, pasando de una época a otra de una manera muy dinámica y nada tediosa. El montaje acompaña muy bien esta función, hay encadenados realmente buenos, junto con la ambientación, vestuario, caracterización, la música y las películas de moda en las diferentes épocas que acompaña muy bien a los personajes y su evolución, sin llegar a verlos ridículos en ningún caso.
Emma, a la que con un estupendo acento británico del norte interpreta Anne Hathaway, es una luchadora que busca su sitio en el mundo, que quiere llegar a alcanzar su sueño como escritora, pero que debe trabajar muy duro para lograrlo. Ella como nos dicen en la película consigue que Dexter sea mejor persona, es su mejor amiga, y ella es fiel incondicionalmente a esa amistad, aunque a la vez sea su gran amor.
Dexter, interpretado por un fresquísimo Jim Sturgess, sin embargo, es un niño rico que ha hecho toda su vida lo que le da la gana, que todo lo tiene fácil (o eso parece al menos al inicio de la historia) y que es un gran amigo de Emma… la quiere y la necesita, pero no sabe cuánto hasta que llega el momento. Tal y como nos dicen también en la película, el la hace brillar y la hace inmensamente feliz.
Tan solo su madre, interpretada por la maravillosa Patricia Clarkson, parece entenderle o al menos acercarse a él, ya que su padre considera que es un degenerado.
No es hasta que pasa el tiempo y la vida te golpea, cuando el acercamiento a su padre se produce ofreciéndonos una de las mejores escenas de la película, al menos la que tiene un sentido más duro y real.
Son veinte años, dos personas… y todo lo que la vida te puede ofrecer, te puede dar y quitar en ese periodo.
Basada en el best seller de David Nicholls Siempre el mismo día, desde luego nos encontramos con una bonita historia, pero que me temo que en su adaptación cinematográfica, aunque los personajes y la esencia de cada uno de ellos está muy bien plasmada, no llega a ser del todo conmovedora. El momento más dramático de la película lo estás viendo venir desde hace casi diez minutos, es total y absolutamente predecible.
Además una de las escenas que más ganas tienes de ver, nos lo cuentan los protagonistas, no lo ves… solo sucede… pero, si sucede… por qué no podemos verlo si llevamos esperando eso justamente desde el minuto uno de la película???
SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER SPOILER
He visto finales similares en por ejemplo City of Angels de Brad Silberling, y es algo que intenta imponernos una moraleja, para que vivamos cada día de nuestra vida como si fuera el último. Y es tal y como dice Emma en la película:
¿Qué importa que pase mañana si tenemos el día de hoy?
http://www.youtube.com/watch?v=HPHlo41yeY0&feature=player_embedded
ACANTILADO ROJO
22 septiembre 2011
Título: Red Cliff
Director: John Woo
Género: Bélica
Reparto: Tony Leung, Takeshi Kaneshiro, Wei Zhao, Shidô Nakamura, Fengyi Zhang
Año: 2008
Calificación: **
Lo mejor: Como siempre toda la belleza de la cultura china
Lo peor: El personaje de Takeshi Kaneshiro… un héroe que además es el hombre del tiempo???? Una lástima dado el actor.
En China, hacia el final de la Dinastía Han (208 d.C.) Cao Cao, el temible Primer Ministro (y gobernante de facto) convence al veleidoso Emperador Han de que declare la guerra a los reinos de Xu, al oeste y al este, y al reino de Wu, al sur. Su objetivo, según
dice, es unificar China por el bien del país, pero, en realidad, sus motivos son bastante más egoístas. Tras convencer al Emperador, Cao Cao lleva a su ejército de casi un millón de soldados a la guerra, pero los reinos que van a ser atacados también se unen entre sí.
La película está basada en el romance legendario de Los Tres Reinos, relato ancestral desconocido en occidente e inmortalizado en la novela histórica escrita en el siglo XIV por Luo Guanzhong.
Como introducción además debemos decir que Red Cliff es un díptico formado por dos películas en su versión original, Chi Bi (2008) y Chi bi xia: Jue zhan tian xia (2009), sumando entre ambas aproximadamente 280 minutos, y conformando el proyecto cinematográfico de mayor presupuesto jamás realizado en China.
Para su comercialización en occidente, se ha optado por realizar un montaje alternativo y crear una única película de 148 minutos de duración, una “edición internacional” que añade una descripción mediante voz en off para situar al espectador en el conflicto (omitiendo las escenas de los films originales) a lo largo de diez minutos. Se han eliminado además detalles sobre algunos personajes, como las motivaciones de Zhuge Liang para robar las 100.000 flechas, partes de la infiltración de Sung Shangxiang o todas las secuencias de la caza del tigre.
Esta versión es la que se emitió en los cines de todos los territorios occidentales, si bien el díptico original se encuentra editado en China en dos partes en DVD.
Pues bien, con esta presentación nos encontramos ante la película más cara jamás hecha en China. Se trata de una obra realmente inmensa y espectacular en cuanto a su composición coral, su visualidad y su fotografía, es sin duda un gran fresco bélico que no carece de belleza visual.
Pero también encontramos un contenido muy irregular. Quizá esto se deba a la condensada versión internacional que ya hemos comentado, porque da la sensación de estar contemplando las ruinas de una obra maestra, afeadas por una narración en off y por un exceso de encadenados en sus secuencias que termina por hacerse interminables.
Algo muy parecido me ocurrió visionando en su momento Gangs of New York. Dicen que el metraje original de Scorsese alcanzaba las 9 horas pero a nosotros tan solo nos llego la versión comercial de 167 interminables minutos de los que solo obtuvimos la sensación de inmensidad vacía (obviando al gran Daniel Day Lewis) al igual que nos ocurre aquí. Prometieron que al menos en DVD obtendríamos el montaje del director, pero eso a día de hoy, aún no ha ocurrido.
En Acantilado Rojo nada acaba de alcanzar su pleno potencial. Hay personajes interesantes que no se desarrollan, exuberantes efectos especiales, un rico tapiz político y aparentemente una potente estrategia bélica (yo no conseguí apreciarla a excepción de algunas secuencias); lo que falla es que falta trasfondo en esos personajes, el tapiz se reduce a una simple historia de amor no correspondido y la estrategia abusa del golpe de efecto hasta el agotamiento, sin mencionar ya que tras tanta batalla y belicosidad el final es de chiste.
A pesar de que se intenta dar cierto corazón a lo que se está narrando, es imposible conseguirlo si a las dos horas de metraje no conoces a penas nada de cada protagonista a excepción de lo que van a hacer y cómo. Lo que tenemos ante nuestros ojos no es tanto una película como una partida gigantesca y dramatizada, eso sí, la partida más cara que se haya jugado nunca.
Por supuesto con tanto metraje también encontramos momentos que no están mal, como varias secuencias de multitudes donde se muestra cómo evolucionan los ejércitos, un enfrentamiento de inteligencias donde las flechas, la dirección del viento, una paloma, el sol, o incluso el secreto de una taza de té pueden ser vitales para el desenlace… aunque a algunos como yo, y sobre todo lo del té nos suene ridículo.
Se echan de menos más instantes de calma, tantos minutos de deslumbramiento pueden terminar saturando, pero como ya hemos comentado, puede que la culpa esté en que el metraje sustraído para esta versión hubiese dado precisamente las pausas necesarias para desarrollar más el interior de los personajes y menos lo que hacen.
La película resulta vistosa, tiene un impacto visual notable pero podría haber ofrecido el doble porque aunque pretendía dar cabida a todos los acontecimientos posibles esta meta no la logra en absoluto, adaptaciones como El Señor de los Anillos si lo han conseguido y también han tenido una versión comercial.
Por tanto, Acantilado rojo se reduce a un sinfín de piruetas artísticas que carecen del margen necesario para realizar una síntesis adecuada de los acontecimientos que se trasladan ante nuestros ojos. ¿Las batallas? Pasables tan solo, encontramos planos que son muy hermosos pero también echamos de menos algo de organización, planos aéreos que nos permitan comprender el fragor de la batalla… y sobre todo como en toda guerra, un héroe que no nos resulte ridículo, y aquí ninguno de los personajes alcanza ese cometido.
http://www.youtube.com/watch?v=0RaF8uNM-NI
