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Archive for the ‘cine’ Category

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Título.: Frances Ha

Director.: Noah Baumbach

Género.: Comedia

Guión.: Noah Baumbach, Greta Gerwig

Fotografía.: Sam Levy

Montaje.: Jennifer Lame

Música.: Fabrice Absil, George Drakoulias, Sara Matarazzo, Britta Phillips

Productor.: Noah Baumbach, Oscar Boyson, Eli Bush, Fernando Loureiro

Reparto.: Greta Gerwig, Mickey Sumner, Michael Esper, Adam Driver, Michael Zegen, Grace Gummer

Año.: 2012

Calificación.: ****

Lo mejor.: Su frescura y naturalidad, imposible no caer rendido a los pies de Frances Ha

Lo peor.: …?

 

Crítica

Frances es una joven de 27 años que ha decidido, a pesar de su edad, cumplir su sueño de ser bailarina en una compañía de danza de Nueva York … nada más ni nada menos.

Vive con una amiga, no consigue mantener ninguna relación amorosa estable, pero aún así, disfruta de la vida con alegría y despreocupación, a pesar de que desea mucho más de lo que tiene, pero… ¿y quién no?

Frances Ha es una fábula moderna sobre la juventud, la amistad, la ambición, la lealtad y el optimismo; un auténtico soplo de veracidad. Dirigida por Noah Baumbach, autor de Una historia de Brooklyn, Margot y la boda, y la más reciente Mientras seamos jóvenes, cuenta con una gran maestría para describir las emociones; es una carta de amor de un cineasta a su musa, con su cámara abierta y con una calmada adoración, canalizando la búsqueda de la verdad.

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Su apariencia es sencilla pero espectacularmente emocional. La protagonista es encantadora, inteligente… y con un aire innegable en toda la factura del film a la Nouvelle Vague. Estamos ante una antiheroína en construcción, un desastre adorable que emociona.

Greta Gerwig interpreta a Frances de una manera inteligente y radiante. Recrea un ingenioso retrato sobre el paso a la vida adulta. Es una chica maravillosamente descentrada, amorosamente torpe, fundamentalmente excéntrica, ni guapa ni fea sino todo lo contrario, de la que te acabas enamorando sin remedio.

Su tono de comedia con tintes complejos e incluso dramáticos, armados sobre las excentricidades de su joven protagonista, constituyen un universo cómico con un afilado matiz dramático alrededor del doloroso devenir de una joven bailarina sin la suficiente brillantez para dejar de ser una suplente; de una chica que a veces ni siquiera sabe controlar su simpatía, de una persona con aspiraciones de primera, siempre relegada al segundo plano, de un ser que ambiciona la independencia mientras quiere estar rodeada de amistad, que busca y busca la cúspide y es una contradicción constante… quizá como todos nosotros.

La película está repleta de conversaciones de apariencia intrascendente que esconden una gran complejidad. Todo el éxito de la empresa depende de que el espectador acepte a la protagonista, Frances: sus tics y manías, su orgullosa forma de no solicitar la simpatía de los demás personajes pero sí la complicidad del espectador, sus peculiares bailecitos de elegante patosa (demasiado alta para ser la «Tiny Dancer» de Elton John), todo lo que la convierte en entrañable.

Esa Frances es inseparable de la actriz que la encarna, Greta Gerwig, musa de cierto cine indie del momento y del llamado cine mumblecore, además de pareja del director de la película con el que coescribió el guión.

Gracias a este papel se convierte en una de las actrices más interesantes del panorama actual de Estados Unidos saliendo de los cánones marcados por el gran Hollywood por su naturalidad, frescura y su forma tan desgarvada.

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Puede que este retrato del paso de la adolescencia a la adultez sea algo que se haya contado miles de veces en el cine, pero algo tiene Frances Ha que la hace especial. Está claro que la energía inagotable de su protagonista hace que desde el minuto cero el espectador se encariñe e identifique con ella.

Con una impecable factura en blanco y negro, el recorrido vital de la protagonista se nos muestra de una manera muy rítmica y especial, casi con despreocupación, descuido, con ese toque de frescura, naturalidad y espontaneidad tan característico del cine francés. Encontramos referencias también al Woody Allen más clásico pasando por el estilo más noventero de Kevin Smith.

Frances es una artista cuyo estilo de vida es la vida misma, es una historia sobre los retos personales, la decepción, la liberación, la lealtad, el cariño y la persecución de los sueños.

Nominaciones.:

2013: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz (Greta Gerwig)

2013: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película y montaje

Trailer.:

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Título.: Sunset Boulevard

Director.: Billy Wilder

Género.: Drama

Guión.: Charles Brackett, Billy Wilder, D.M. Marshman Jr.

Fotografía.: John F. Seitz

Montaje.: Arthur P. Schmidt

Música.: Franz Waxman

Productor.: Charles Brackett

Reparto.: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Jack Webb, Cecile B. DeMille, Buster Keaton

Año.: 1950

Calificación.: *****

Lo mejor.: La impresionante y violenta mirada de Norma Desmond.

Lo peor.: La auténtica crueldad del star system.

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Crítica

Un cadáver flota en la piscina de una casi abandonada mansión de Hollywood. Varios periodistas y agentes de policía se agolpan junto a ella, sacan fotos, investigan… y de pronto una voz en off …. la del mismo muerto, se dirige al espectador y habla con él para contarle cómo y porqué acabó de esta manera.

A partir de este momento, con un flashback continuo, se nos narra de manera magistral y poco convencional para la época (que un muerto hable al espectador lo era), las desventuras de Joe Gillis, un guionista de Hollywood venido a menos.

Acosado por las deudas e intentando huir de varios acreedores, Gillis termina de manera fortuita ocultándose en una vieja mansión propiedad de una antigua diva del cine mudo de Hollywood, Norma Desmond.

Dicha mansión al igual que la presentación de Norma, evocan sin duda alguna a la señorita Havisham de la novela Grandes Esperanzas de Charles Dickens, por su aspecto ruinoso pero enmascarado con gran cantidad de maquillaje, ropas, joyas de otra época y un gran atisbo de locura.

Norma, relegada y olvidada por la llegada del cine sonoro, desea volver a la gran pantalla con un guión escrito por ella misma, y ve en Gillis la gran oportunidad que estaba esperando. Ofrece a éste la corrección del guión por una cantidad bastante decente de dinero. Gillis por su puesto acepta, pero el dinero no será suficiente ya que Norma espera mucho más de él.

El supuesto trabajo fácil termina convirtiéndose en una pesadilla. El ambicioso Gillis se verá recluido en la mansión de la vieja gloria y deberá lidiar con una Norma Desmond excéntrica y neurótica que le necesita desesperadamente. Todo empeora cuando durante las breves escapadas de Gillis, comienza un affaire con una joven aspirante a guionista, y su supuesto romance con Norma, pronto tornará en amor/odio – dependencia/desprecio.

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Norma Desmond, papel encarnado por una grandiosa Gloria Swanson, fue una gran estrella del cine de Hollywood, pero ahora tan solo es un recuerdo del que se ha apoderado la locura. Su única compañía es su fiel mayordomo, Max, un hombre bajito y siniestro que la idolatra.

La interpretación de Swanson es tan magistral, que otra grande del cine clásico, Barbara Stanwyck, se arrodilló y besó su vestido en honor a su interpretación tras la primera proyección de la película realizada por la Paramount.

Swanson es una gran dama que extiende su magia sobre otra década. Su interpretación es brillante e inolvidable, como ella misma cita en la película:

“Soy grande, son las películas las que se han hecho pequeñas”

El olvido de muchas grandes estrellas del cine mudo fue la cruel realidad del Hollywood de los años 30, donde grandes figuras del cine no encontraron cabida ante el progreso, algunas de ellas tan grandes como Buster Keaton, aparecen en este film interpretando a viejos amigos de Norma.

Recientemente esta misma temática la vimos reflejada de manera magistral en la película de Michel Hazanavizius, The Artist , con la inolvidable interpretación de Jean Dujardin que les hizo merecedores del Oscar al mejor actor principal y del Oscar a la mejor película en 2011.

William Holden es el encargado de dar vida a Joe Gillis, con una interpretación sobria y creíble, cuando Montgomery Clift rechazó el papel.

Como es habitual en el cine clásico, el secundario Erich Von Stroheim es un lujo en su encarnación de Max, el devoto mayordomo de Norma. Paradojas buscadas en esta película, Stroheim fue un destacado director de cine mudo que dirigió a Swanson en más de una ocasión, de hecho la película que ven en el salón de la mansión es una película real inacabada, “La reina Kelly” (1928), interpretada por Gloria Swanson y dirigida por el propio Erich von Stroheim. Es el hoy en día olvidado realizador de la magistral ‘Avaricia’, película por la que se desvivió y que le costó su carrera a causa de sus desavenencias con los productores.

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Y es que nada es coincidencia en la creación de Sunset Boulevard, esta célebre avenida que atraviesa Los Ángeles y Beverly Hills, fue un lugar que en tiempos del cine mudo albergaba las mansiones de muchas estrellas de cine. Sin embargo en España el título fue traducido a El Crepúsculo de los Dioses y no sin doble significado, pues sunset en inglés significa ocaso, crepúsculo … decadencia.

Estamos ante una magnífica película dirigida y escrita por el gran maestro de la comedia, por el genio de Perdición, El Apartamento, Con faldas y a lo loco, La Tentación Vive Arriba… el gran Billy Wilder.

A su espléndido guión sin una sola fisura gracias al virtuosismo narrativo de Wilder en su última colaboración con el productor Charles Brackett tras 13 películas juntos, se suma la majestuosa fotografía en blanco y negro de John F. Seitz recreando un continuo homenaje al séptimo arte: proyectores, salas de cine, platos de la Paramount donde aparece el mismísimo Cecile B. DeMille (quién en la vida real también dirigió en más de una ocasión a Gloria Swanson y al que se considera su descubridor), planos con luces a través de cerraduras que nos recuerdan al obturador de las cámaras de cine o fotográficas…

Sunset Boulevard es una historia perfectamente contada y rodada, con interpretaciones asombrosas. Obra maestra de Billy Wilder, retrata con venenosa ironía los excesos del mundo de Hollywood: el paso del tiempo, los egos inmensos y el desesperado intento de recuperar el esplendor perdido… Esta crítica al mundo del cine le valió un enfrentamiento con el jefazo de la Metro Goldwyn Mayer, Louis B. Mayer, llegando ambos caballeros a profesarse insultos.

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Catalogada como la mejor película jamás hecha en Hollywood sobre Hollywood, su tono es majestuoso y mortuorio, con inflexiones entre la ironía y la crueldad, ofreciendo una incisiva mirada sobre el cine en particular y la vida en general. Una película negra y desoladora, donde tiene cabida el humor, pero un humor que cae a gotas, gotas de ácido sulfúrico, que más que provocar una sonrisa, la congelan.

Se juega con la delimitación de las fronteras de la realidad con la ficción, con el cine dentro del cine… un juego de espejos entre realidad y ficción donde las fronteras se difuminan.

La secuencia-epílogo es inmejorable, con ese desenfoque final de la faz de la desempolvada actriz que la convierte en un fantasma que atraviesa la pantalla. Un momento tan satisfactorio como escalofriante.:

“… porque mi vida es solo esto… las luces, las cámaras… y la gente que mira en la oscuridad”

A pesar de contar con once nominaciones, Sunset Boulevard ganó sólo tres Premios Óscar, en las siguientes categorías:

El resto de las categorías a las que la película fue nominada son las siguientes:

Premios.:

1950: 3 Oscar: Mejor guión, dirección artística B/N, BSO drama. 11 nominaciones

1950: 4 Globos de Oro, incluyendo Mejor película – Drama. 7 nominaciones

1950: National Board of Review: Mejor película

1950: Círculo de Críticos de Nueva York: 2 Nominaciones

1950: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director

Trailer

https://www.youtube.com/watch?v=_n28nrklSLs

 

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Título.: CELEBRACIÓN (Festen)

Director.: Thomas Vinterberg

Género.: Dogma

Guión.: Thomas Vinterberg, Mogens Rukov

Fotografía.: Anthony Dod Mantle

Montaje.: Valdis Óskarsdóttir

Música.: Lars Bo Jensen

Productor.: Brigitte Hald, Morten Kaufmann

Reparto.: Ulrich Thomsen, Henning Moritzen, Thomas Bo Larsen, Paprika Steen, Birthe Neumann, Trine Dyrholm, Lars Brygmann, Therese Glahn

Año.: 1998

Calificación.: ****

Lo mejor.: Asistir a la primera muestra del cine Dogma

Lo peor.: …

Crítica

Un padre cumple 60 años e invita a toda su familia para celebrarlo. Lo que se supone que va a ser una gran celebración rodeado de familiares y amigos que han venido desde muy lejos, termina abruptamente cuando la porquería de la familia comienza a aflorar.

Durante la fiesta una revelación del hijo mayor, Christian, de lo más grotesca, mostrará una familia burguesa absolutamente disfuncional, cuyos pilares son la hipocresía, el racismo, el incesto y los abusos. Nos encontramos así ante un funesto tratado sobre la distorsión imperante en las relaciones sociales de la clase alta frente a un brutal mazazo que atenta contra la conciencia.

A partir del shock de la revelación nace un atrevido y violento juego psicológico frente a la ausencia de las normas y los formalismos cinematográficos.

Lo más impactante, duro y difícil de soportar en la cinta, es que el acusado de dicha revelación, ese padre que celebra su cumpleaños, actúa como si la cosa no fuera con él, y no solo sale indemne, sino que además es aplaudido por su circulo cercano… Christian no da crédito, si el adversario rechaza la lucha, uno está perdido desde el principio. No basta con hacer público el problema, para ser escuchado, para que la denuncia tenga efecto. La verdad es un proceso y a eso mismo es a lo que asistimos. Christian ha revelado la verdad, pero no ha modificado el entorno. Necesita que una parte sustancial de su familia se una a su denuncia. Toda la familia debe estar dispuesta a aceptar el cambio en las relaciones y en la posición del padre, y más allá de eso, aceptar el cuestionamiento del sistema sociofamiliar al que pertenecen.

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Al mismo tiempo que se denuncia el dominio del padre, se denuncia el dominio de la alta burguesía sobre la clase obrera (representada por el servicio de la mansión) y la marginación a las minorías étnicas (representada por el novio de color de una de las hijas)

Toda la historia transcurre en la gran casa/hotel familiar, en la que también convive el servicio, que a su vez mantiene unas intrigantes relaciones con la familia. Ellos representan al pueblo llano y la verdadera lucha de clases ante una burguesía podrida.

Ya lo dijo hace siglos William Shakespeare en la primera frase de su insuperable Hamlet, “Algo huele a podrido en Dinamarca”, y parece que esta afirmación ha viajado en el tiempo alcanzando el final de los 90.

Celebración, es la primera y multipremiada película del revolucionario movimiento cinematográfico Dogma que surgió en Dinamarca allá por 1995. Un manual de reglas creado por los directores Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, a partir de un manifiesto en el que se comprometen a filmar sus películas sin utilizar música, ni decorados, iluminación artificial, y rodando cámara en mano. Dogma 95 es un intento por mostrar la realidad tal como se presenta ante la lente; rechaza ponerse al servicio de la técnica la cual se utiliza para servir la idea, no para seducir, al contrario de cualquier producción de Hollywood.

Manifiesto Dogma 95.:

  1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
  2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
  3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
  4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
  5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
  6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
  7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
  8. Las películas de género no son válidas.
  9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
  10. El director no debe aparecer en los créditos.

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Siendo fieles a dicho manifiesto, lo que vemos en pantalla será una verdad cruda, sin máscaras distractoras.

Encontramos así un sin fin de planos borrosos, distorsionados y sucios, imágenes inestables… lo más real que el visor pueda captar, ofreciéndonos planos, por ejemplo, a través de una ventana, enfrentando lente con cristal y viceversa, aunque también da lugar a planos brillantes o imaginativos, como el de un mensaje oculto dentro de un bote de pastillas magistralmente creado para la secuencia. La idea, la historia manda ante la estética visual.

La estructura narrativa sin embargo es equilibrada y precisa. La Celebración del cumpleaños tras la revelación no cesa, la incomodidad crece y crece según avanza la historia, entre descubrimiento y descubrimiento.

Se avanza más en los perfiles de los protagonistas, adentrándose en unos personajes a cual más deplorable (por ejemplo el hijo menor, Michael, a mitad de camino entre la nada y la casa familiar a la que se dirigen, echa a su mujer e hijos del coche para irse de copas con su hermano mayor) y en un pasado sucio y malsano como la propia dirección de la película llegando al espectador con toda su crudeza y corrosión.

Quizá pueda resultar hiriente, incluso angustiosa recordándonos sin duda alguna a EL ANGEL EXTERMINADOR de Buñuel por esa reunión en un espacio cerrado, claustrofóbico y ese perpetuo retorno resignado de los invitados a sus asientos, por el puñetazo al estómago de la alta alcurnia, su cínico mutismo y el planteamiento de mostrar conflictos en ambientes contrarios emocionalmente.

Celebración es un magnífico y atrevido tratado sobre la hipocresía, las malas costumbres y la naturaleza humana.

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Premios.:

1998: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado

1998: Nominada al Globo de Oro: Mejor Película extranjera

1999: Nominada Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa

1998: Premios del Cine Europeo: Premio Discovery (mejor ópera prima)

1998: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor Película

1998: Círculo de críticos de Los Ángeles: Mejor Película

1998: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera

1998: Premios Cesar: Nominada a Mejor película extranjera

1998.: Mejor Director, Festival de Gijón

Trailer

https://www.youtube.com/watch?v=rSaq3lEU86k

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Título.: UN MONSTRUO VIENE A VERME

Director.: Juan Antonio Bayona

Género.: Drama Fantástico

Guión.: Patrick Ness, Siobhan Dowd

Fotografía.: Oscar Faura

Montaje.: Jaume Martí, Bernat Vilaplana

Música.: Fernando Velázquez

Productor.: Belén Atienza, Patrick Ness, Álvaro Augustín, Ghislain Barrois…

Reparto.: Lewis MacDougall, Felicity Jones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Toby Kebbell, James Melville, Geraldine Chaplin

Año.: 2016

Calificación.: **

Lo mejor.: La música de Fernando Velázquez.

Lo peor.: Su obviedad de principio a fin, obviedad plagada de historias moralistas sin sentido en la trama personal del protagonista.

 

Crítica

Esperadísima, alabadísima y de un gran éxito en taquilla (3,6 millones de espectadores), Un Monstruo Viene A Verme es última película de J.A. Bayona tras cuatro años de espera.

Nos cuenta la historia de Conor, un niño de 12 años que vive solo con su madre y que debe enfrentarse a la inminente muerte de ésta debido a un cáncer terminal.

Conor se encarga de la casa, de su madre, y de aliviar su dolor creando un mundo propio para evadirse de la dura realidad.

Sufre acoso escolar, su padre se marchó hace años con otra familia, su abuela materna es una especie de nazi con la que no se entiende, no tiene amigos y una pesadilla recurrente le acompaña cada noche, ¿bonito eh?

En dicha pesadilla Conor agarra a su madre con todas sus fuerzas para que la tierra no se la lleve… pero nunca llega al final de ese sueño, siempre despierta antes, sin saber si consigue retener a su madre o la pierde… ¿o… si sabe lo que ocurre?

La ventana de la habitación de Conor tiene unas preciosas vistas a un cementerio (ideal para el niño en esta situación) donde un milenario y majestuoso árbol tejo preside el recinto. Una noche, unos minutos después de las 12, el gran tejo cobra vida, convirtiéndose en un monstruo gigantesco que acude a ayudar a Conor. Le propone contarle 3 historias y al final de la tercera, deberá ser Conor quién cuente una última historia, la cuarta, LA VERDAD.

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Podemos considerar esta película como el fin de la trilogía sobre la maternidad y la muerte que Bayona inició con El Orfanato y continuó con Lo Imposible.

La gran sensibilidad que Bayona posee para plasmar la maternidad ante la perdida es exquisita y conmovedora, la confrontación de las dificultades y horrores del mundo real, quedan plasmadas a través de una yincana fantástica con los cuentos de hadas como hilo conductor o juegos infantiles. Sucedía en El Orfanato con los juegos de los niños moviendo objetos de sitio, en Lo Imposible enfrentándose a las dificultades y aquí en cada una de las historias contadas por el monstruo.

Pero a diferencia de sus dos trabajos anteriores, ambos superiores a éste, en esta ocasión, LA VERDAD de Conor, no conmueve.

La obviedad dirige la historia de principio a fin, no hay giros, no hay sorpresas… y el tiempo se rellena con lecciones morales que poco tienen que ver con la realidad y la angustia del protagonista.

Si decidimos obviar esos giros, que quizá muchos consideren innecesarios (la historia es lo que es, enfrentarse al mundo real), entonces, es una historia que ya hemos visto en numerosas ocasiones y bastante mejor contada.

Conor se enfrenta a su monstruo, con el cual, inicia un viaje de aprendizaje por la verdadera naturaleza humana, pero dichas historias, como ya hemos comentado son irrelevantes y de forzada relación con los conflictos de Conor, lo que hace que el niño se enfade, y con toda la razón.

A pesar de ello, estas fabulas nos ofrecen lo mejor del film visualmente. Bayona emplea la animación con acuarela plasmada con una gran belleza empleando técnicas ya utilizadas por Spielberg o Peter Jackson.

Nos planteamos que quizá no se llegue a sentir el auténtico drama de la historia distraídos por la gran belleza de las imágenes, pero según avanzamos en la historia, vemos que no es así.

Fotograma de Un monstruo viene a verme  de J  A  Bayona

Gracias a una fotografía sobresaliente y la gran música de Fernando Velázquez, Un Monstruo Viene a Verme es un cuento dentro de otro cuento, manteniendo un buen equilibrio entre la fantasía y el drama del cáncer, pero repleto de momentos forzados.

La película se esfuerza por ser emocionante, emotiva, mágica… pero este triple efecto no siempre se cumple, e intenta buscar “El Momento” imponiéndolo al espectador aún cuando no da lugar. El enfrentamiento de Conor al niño que abusa de él en el colegio, por ejemplo, es absurdo, no tiene suficiente argumento, cualquiera de los abusos anteriores en los que el niño es golpeado hubiera tenido mucha más razón y emotividad que ante una despedida o ante que le digan que es invisible…. Pero había que meterlo con calzador dando lugar a una secuencia impactante visualmente y vacía emocionalmente.

Ver cómo las ansiedades de Conor se manifiestan en una criatura tan impresionante constituyen sin duda el leitmotiv de la cinta, pero finalmente la creación de Bayona es mucho ruido y pocas nueces.

La fantasía como evasión de la terrible realidad, de la muerte, no solo de su madre sino también de su niñez, son temas que con mucha mejor mano y magia ya plasmo Guillermo del Toro en su maravillosa El Laberinto del Fauno (Del Toro produjo El Orfanato de Bayona por lo que es inevitable la referencia).

La pérdida de esa inocencia, el paso de niño a adulto y el enfrentamiento a la soledad que ello conlleva, fue también mucho mejor plasmado por Robert Mulligan en Matar a un Ruiseñor (cuyo poster podemos ver en la habitación de la madre de Conor, otro guiño).

Y referencias a ese cine de iniciación lo vemos durante el visionado de King Kong de Conor junto a su madre, sin poder evitar pensar en los enormes ojos negros de Ana Torrent en El Espíritu de la Colmena la primera vez que la niña ve al monstruo de Frankenstein, que Víctor Erice nos mostró hace ya muchos años.

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La intención de Bayona es hacernos caer en lo lacrimógeno con todo su empeño. En Lo Imposible dijeron que su lenguaje sentimental era obsceno, quizá en El Orfanato lo apreciamos de manera más leve…. Pero ambos trabajos anteriores de Bayona tienen mucha más historia que contarnos que esta, que bien hubiera servido para un cortometraje sin necesidad de prolongar la angustia.

Las interpretaciones de todos los actores son estupendas, destacando sobre todo a Lewis MacDougall, quién ya pasó desapercibido con su Peter Pan en la reciente Pan, y que esperemos que gane más notoriedad tras este papel.

Felicity Jones hace tiempo que es digna de admiración en todo lo que hace, y lo de Sigourney Weaver siempre serán palabras mayores (merecidísimo premio Donosti este año).

En resumen, la novela homónima de Patrick Ness (quién también firma el guión), y la adaptación al cine por el denominado “Spielberg español” (aún te queda mucho querido Bayona) es bastante decepcionante, bonita, pero no lo suficientemente redonda y que no debería, en ningún caso, cerrar con la frase textual y completa del final de E.T…. (Estaré aquí mismo)… no gracias Bayona, aún no eres Spielberg.

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Trailer

http://www.focusfeatures.com/amonstercalls/video/trailer-the-first-look

http://www.universalpictures.es/es/peliculas/un-monstruo-viene-a-verme-59/

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Título: En Otro País

Director: Sang-soo Hong

Género: Comedia

Guión: Sang-soo Hong

Reparto: Isabelle Huppert, Kwon Hye Hyo, Yu-mi Jeong, So-ri Moon, Moon Sung Keun, Yeo-jeong Yoon, Jun-Sang Yu.

Año: 2012

Calificación: *

Lo mejor: Que por fín Sang-soo Hong pueda verse en nuestros cines.

Lo peor: Es completamente olvidable.

Hong Sang-soo llega a la cartelera española tras casi veinte años de espera.

Lo ha hecho con En Otro País, donde convierte a Isabelle Huppert  en tres personajes distintos – una directora francesa, una esposa infiel y una mujer abandonada – que visitarán un mismo hotel en la playa de Mohang en el curso de tres historias que jugarán con la repetición, la confluencia de un mismo repertorio de secundarios y los ecos de diálogos idénticos en situaciones ligeramente divergentes.

Rodada en 8 tardes de julio, con un guión escrito pocas horas antes de empezar a rodar cada uno de esos días, e l director se interesa por esos encuentros casuales de extranjeros, en este caso una europea con los coreanos, destacando que en occidente no estamos acostumbrados a ser nosotros el elemento exótico.

 La habilidad del director para filmar dichos encuentros lo observamos en el uso de la repetición como un dispositivo en las historias, en recurrentes líneas de dialogo compuestas por pequeñas charlas genéricas que los coreanos tienden a hacer en situaciones sociales incómodas, no solo por como tratan a los extranjeros sino también por cómo se comportan entre ellos.

Gestos excesivamente ansiosos, los caracteres coreanos de la hospitalidad, en particular, revelan cómo cambia un paisaje social en respuesta a la presencia de un extranjero. Ella lo repite constantemente en toda la película: “me tratáis muy bien” al igual que cada personaje repite sin cesar lo guapa que es ella, llegando a ser serviciales hasta límites insospechados.

En cada una de estas repetitivas situaciones vemos actores forzados, tensos, incómodos… consiguiendo que te sientas extranjero ante tanta frialdad en esa desconocída y hermosa Corea como consiguió en su momento con Tokyo Sofia Coppola en Lost in Traslation.

También los mismos elementos componen las historias –Huppert, un faro, un socorrista, una tienda de campaña, una localidad costera, una barbacoa – que tras ligeras alteraciones nos ofrecen sutiles variaciones sobre su punto de vista. Pero nuestro trabajo no consiste en interpretar estar repeticiones, sino más bien es un juego de artificio que nos hacen notar que simplemente están ahí.

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Quizá el punto en común de todas estas historias sean las reflexiones efímeras y narcisistas sobre el amor, las derrotas de la madurez, las negociaciones entre lo masculino y lo femenino, la infidelidad y la melancolía cotidiana, todos ellos elementos que recorren la filmografía del director bajo el prisma de estructuras narrativas que se bifurcan y retuercen sobre sí mismas.

En Otro País concentra la esencia estilística de uno de los considerados maestros del cine contemporáneo. El llamado Rohmer coreano por la naturalidad de su cine sin atisbo de ambición intelectual, presenta una acusada identidad de un creador con discurso propio.

Junto a estas señas de identidad, se encuentran también los poco elegantes reencuadres que Sang-soo realiza con su cámara con aparente desdén por el acabado formal, más de un incómodo zoom, algún movimiento de cámara brusco, frente a la quietud posterior. Este supuesto error, ya cometido con anterioridad por la Nouvelle Vage francesa,contrasta sobre manera frente a la sutileza de su mirada sobre lo humano y la capacidad del autor para construir laberintos narrativos con los mínimos recursos que su misma productora le ofrece.

La maravillosa Isabelle Huppert interpreta a las tres mujeres con el mismo nombre que conforman las historias. Todas ellas extraviadas lejos de casa y diferenciadas por el vestuario (azul, rojo, verde; serenidad, pasión, esperanza), algún ligero cambio en su pelo y sutiles cambios de temperamento que tan solo Isabelle Huppert podría resolver.

Estos caprichos del proceso creativo nos ofrecen la sensación de que cada Anne es una mujer solitaria, en constante espera y búsqueda de un faro difícil de alcanzar.

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 Huppert ha llegado a ese punto mágico donde da un escalofrío de placer con sólo aparecer, sus décadas de grandes actuaciones así lo merecen. Podríamos incluso pensar que este tren ligero en una especie de línea circular que compone esta película simplemente la ha dado la oportunidad de hacer algo diferente y que con ello ha sido suficiente.

Cada narración es sencilla y liviana, de apenas treinta minutos de duración que se degustan como caramelos, pero, que desgraciadamente, al igual que estos, se esfuman en la memoria con la misma rapidez.

En otro país resulta simple y relajada, frívola en ocasiones, insulsa con tanta levedad.

Interesante al observar como se cristalizan las barreras culturales y lingüísticas entre el personaje de Anne y Corea, cuando este personaje entra en la sociedad coreana como una intrusa que acaba por provocar diferentes reacciones en los personajes nativos, sobre todo desde el punto de vista sentimental y físico, pero estos laberintos sentimentales por los que deambulan sus protagonistas se convierten en un bucle febril y exasperante.

La ridiculización del hombre coreano loco por las mujeres extranjeras, tachándole de peligroso y lujurioso constantemente es repetido en unos bosquejos de guión que se escriben antes de llegar a un resultado satisfactorio y que parece que aquí dicho resultado no ha tenido lugar.

Es una película olvidable, tres formas de contar una historia representando las posibilidades con la icónica imagen de una carretera con dos caminos como alternativa, de personajes estereotipados y  situaciones con poco sentido, de interpretaciones artificiales incluso la de Huppert por mucho que nos duela, realizada aparentemente sin esfuerzo en un ambiente de tranquilidad logrado por los hermosos paisajes y la calmante música de fondo.

El mundo de Hong Sang-soo es muy poético y bastante esotérico, pero también ligero y burlesco, por eso quizá no la hemos apreciado, no compartimos el humor ni la visión poética tan propia del cine oriental. Supongo que estas son las desventajas de vivir en otro país.

 http://www.golem.es/enotropais/

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Título: Una Pistola en Cada Mano

Director: Cesc Gay

Género: Comedia

Guión: Tomás Aragay, Cesc Gay

Música: Jordi Prats

Reparto: Eduard Fernández, Leonardo Sbaraglia, Javier Cámara, Eduardo Noriega, Candela Peña, Luis Tosar, Ricardo Darín, Alberto San Juan, Jordi Mollá, Leonor Watling, Cayetana Guillén Cuervo, Clara Segura.

Año: 2012

Calificación: ***

Lo mejor: Ese gran reparto repleto de estrellazas. Un lujo.

Lo peor: No admite revisión posible, con una vez basta.

Tras la grandiosa En La Ciudad, Cesc Gay vuelve ante nosotros con una radiografía de la vida amorosa de ocho hombres de hoy. Una serie de historias cruzadas, cinco en concreto, que componen uno de los mejores retratos posibles de la triste generación masculina que nos rodea.

Escrita con mimo, inteligencia y conocimiento de lo que es llegar a los 40 siendo un hombre, cuenta con un inmejorable reparto de intérpretes para hacer verosímil, sutil, inquietante y atractivo lo que nos pretende contar, sugerir y revelar.

Lo mejor sin duda es ir avanzando por cada una de las historias a la espera de qué magnificas estrellas compondrán la siguiente, que aunque ya lo sepas porque obviamente conoces el reparto antes de comenzar a verla, cuando cada uno de ellos aparece en pantalla con tales interpretaciones, es imposible no sonreír y disfrutar enormemente. Están todos fabulosos, extraordinarios e inolvidables, en un extremo ejercicio de perfección y entrega.

Cada una de las historias está llena de profundidad y gracia,  sus actores hacen de ella una película vivida más que interpretada, ya que son tan naturales que provocan pasmo. De nuevo Cesc Gay logra uno de sus habituales milagros, que todo suene verosímil

Los duelos interpretativos son de altísimo nivel, quizá el más memorable sea el de Ricardo Darín y Luis Tosar en ese parque, simplemente magnífico. Canela Peña obtuvo el Goya este año por su interpretación, realmente estupenda como lo es ella en sí misma.

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Cada uno de ellos es lo que hace grande esta película que comienza en Barcelona. Seis hombres que superan la treintena en cinco encuentros necesarios, fortuitos o no, que funcionan como un espejo en el que reflejar sus miserias.

Seis pálidas miradas, tan patéticas como cercanas. Identificables, sinceras, destinadas a sonrojar a los de su especie contando por su puesto con una gran predisposición por parte de su público a dejarse intimidar, eso sí, con una copa de vino para que entre broma y broma el hachazo duela menos. Sin escudos, con una pudorosa sonrisa que en ocasiones se disfraza de carcajada.

Quizás el guión de Gay y Aragay ridiculice a los hombres en exceso contraponiéndoles ante unas mujeres estupendas y muy muy seguras de sí mismas, pero en ningún momento la imagen del hombre es irreal o exagerada., ¿por qué será?

Cesc Gay vuelve a repetir fórmula tras En La Ciudad al presentarnos varias historias a la vez y a pesar de ello no resulta agotador. Comparten la misma estructura narrativa a diferencia de que aquí los diferentes episodios cuentan con un final.

Cada jugada con la que el cineasta quiere demostrar la diferencia de sexos en términos sociológicos está bien estudiada. No ha sido necesario adaptar ningún texto sino poner en boca de ese soberbio elenco las vivencias de cualquier viandante de cualquier país desarrollado en los tiempos que corren y centrarse en el existencialismo del macho de a pie.

El cineasta catalán logra aunar en esto cinco episodios verdades como puños. Que el sexo masculino difiere en un alto grado del femenino ya lo sabíamos y Gay no viene a crear cátedra sino a sentenciar que la idiotez masculina se puede escribir con mayúsculas en cuanto el hombre no quiere etiquetar su conducta.

Quizá, como algunas películas de varios personajes se resiente que la arriesgada apuesta no centre la trama en una historia concreta, con la consiguiente indefinición que ello supone, pero ese es el cine de Cesc Gay y nos encanta. Nadie le puede negar a su realizador el mérito de haber construido un acertado retrato de las neuras masculinas.

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Cesc Gay se ha convertido por lo tanto, en el más implacable cronista de su generación (urbanitas, en la cuarentena, profesionales liberales, traumas para dar y regalar; bloqueos afectivos que a veces se confunden con indiferencia).

Cesc Gay está construyendo una filmografía sencillamente impagable, que tanto contribuye a reconocer al hombre español en actitudes que tantas veces vemos, o sufrimos, en los otros, pero raramente en nosotros mismos.

Lo mínimo que se puede decir del film es que sabe transmitir con certeza comportamientos (casi) siempre lejanos al heroísmo, pero nunca chabacanamente cotidianos. ¿Le extraña a alguien que ellas sean mucho más coherentes que ellos, que sepan poner con precisión los adjetivos a sus sentimientos, que se comporten siempre con una gota más de humanidad? Insistimos de nuevo… por algo será, ¿no?

2012: Premios Goya: mejor actriz de reparto (Candela Peña)

2012: 4 Premios Gaudí, incluyendo mejor filme en otra lengua y guión

http://www.unapistolaencadamano.com/

 

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Título: Moonrise Kingdom

Director: Wes Anderson

Género: Comedia

Guión: Wes Anderson, Roman Coppola

Música: Alexandre Desplat

Reparto: Bruce Willis, Edward Norton, Francesc McDormandTilda Swinton, Bill Murray, Jared Gilman, Kara Hayward, Jason Schwartzman, Bob Balaban, Harvey Keitel.

Fotografía: Robert D. Yeoman

Año: 2012

Calificación: *****

Lo mejor: La perfecta combinación de un maravilloso trabajo artístico, una sinfonía simplemente mágica y  unos personajes infantiles inolvidables.

Lo peor: Que no la haya prestado atención antes. Y quizá también no ver un poquito más de Harvey Keitel.

Sam y Suzy son dos niños, quizá ya dos preadolescentes,  totalmente diferentes,  pero a la vez iguales.

Sus problemas para relacionarse con otros son más que evidentes, se abstraen en ellos mismos, sus sueños son lejanos, tienen sus propios mundos y una personalidad completamente definida… Pero un día Sam y Suzy se conocen.

Sam y Suzy se escriben, se apoyan el uno en el otro, se cuentan trivialidades, esperan con ansiedad noticias del otro. Un día Sam dice “¿Cuándo?”. Un día Suzy dice “¿Dónde? Y entonces deciden fugarse juntos.

El reino de Sam y Suzy es una playa virgen. Unas coordenadas cartográficas donde ni el egoísmo ni la maldad han asomado aún. Su aventura se extiende más allá de los últimos rayos de sol, con la luz tenue y cómplice de la luna, junto a una fogata y un libro abierto de par en par, que encharca de historias de heroínas sus mentes sin remedio.

Sam y Suzy son dos mitades de un solo ser. Dos niños que se han imaginado cientos de veces, detrás de cada charco, de cada colina, dándose la mano para cruzar las aguas. Dos almas escapando del mundanal ruido, de las vanas costumbres, saltado de piedra en piedra para no tropezar con la irremediable verdad.

Esa verdad que ven en los adultos que les rodean. Torpes, acomplejados, perdidos, solos. La verdad a la que dan la espalda y gritan “piérdete” tan fuerte como pueden.

Sabemos que vamos a contemplar algo diferente cuando les encontramos en el prado. Sam es muy “especial”, y Suzy… cuando ves a Suzy por primera vez en aquel prado, vestida de rosa puro… sencillamente sus ojos te apuñalan.

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Wes Anderson lo ha vuelto a hacer. Sin que le tiemble el pulso ha desempolvado esa vieja caja de zapatos donde guardabas tus posesiones antaño, más preciadas y las ha colocado encima de la mesa, obligándote a jugar.

Moonrise Kingdom representa una especie de no-mágica Nunca Jamás – ese fugaz instante cuando el mundo puede ser tan pequeño que un ingenuo enamoramiento puede consumirlo todo.

Su visión es un placer constante que evoca alegrías, los terrores de la infancia y nos recuerda como volver a sentirnos vivos.

Su factura es estilizada, la película es perfecta de principio a fin, tan inteligente como emotiva. Calculadamente cerebral, conmovedora. Tan real como soñada. Tan cautivadora como precisa hablándonos de los misterios del primer amor derritiéndonos el corazón.

Anderson no deja de expandirse. Aquí perfecciona aún más su talento para la puesta en escena, la acompaña de una sinfonía íntima y a la vez majestuosa creada por Alexandre Desplat en un ejercicio de libertad creativa total y conmovedora intensidad emocional. Quizá su trabajo más delicioso y completo hasta el momento.

La narración de la historia se nos presenta entre bellas imágenes y una estética inmortal. Un cuento sobre el amor adolescente: imposible, loco e indivisible.

El estilo de Anderson es siempre inconfundible. Estamos ante una comedia afligida, una drama jubiloso de un director con una capacidad innata para dirigir repartos corales: Bruce Willis, Francesc McDormand, Edward Norton, Harvey Keitel, Bill Murray, Tilda Swinton… y ninguno ensombrece al otro, todos tienen su destacable lugar y su momento de gloria… que difícil conseguir esa coordinación actoral, sobre todo a nivel de guión, simplemente sorprendente y magistral.

Todo ese reparto coral es imprescindible en esta obra, pero está completamente diferenciado de nuestros protagonistas infantiles, un Jared Giman que asume su papel increíblemente bien… su personaje de Sam están diferente e innovador… al igual que la interpretación de Kara Hayward en el papel de Suzy… pocas veces vemos dos personajes infantiles tan carismáticos y especiales… es un trabajo brillante.

Podríamos pensar que Moonrise Kingdom es como si Peter Pan se vistiera de boy scout nerd con gafas de pasta gruesa para ligarse a una depresiva y solitaria Wendy y no estaríamos desencaminados.

Desde la presentación de la heroína, viviendo atrapada en una casa de muñecas con una familia disfuncional, esperando que su príncipe por correspondencia la lleve al País de Nunca Jamás, comienzan a llover numerosas referencias, detalles…  y nos introducen en el mundo de los libros, de la fantasía, de los boy scouts tan absurdos como entrañables, todo ello acompañado de una ironía constante y un grandioso sentido del humor.

El inicio de la película, su cabecera por decirlo de algún modo, nos guía en un tour a través de la casa de Suzy y de la mágica isla que iremos descubriendo en Moonrise Kingdom. Una voz en off nos acompaña emergiendo de un vinilo clásico, a su vez en un tocadiscos kitsch, que llega a ser otro personaje más en la película, informándonos sobre que instrumento oímos en cada nota de la majestuosa melodía creada por Desplat para la película, conformando una de las mejores secuencias de la historia del cine.

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Wes Anderson es cool, es vintage. El director de Academia Rushmore, de Los Tenenbaums, de Viaje a Darjeeling, mantiene en esta última obra ese humor surrealista revestido de look demodé, hoy más de moda que nunca, imprescindible para los “putos” modernos o los indies de mierda que diría Mario Vaquerizo

Es, sin duda, un estilo particular, muy meritorio, en el que cada fotograma destila comedia por sí mismo. La imagen requiere de pocas palabras para provocar ese efecto mágico y diferente junto a un esfuerzo de la fotografía sorprendente e impresionante.

Pero Moonrise Kingdom no es solo un estimulo visual. Anderson demuestra una enorme habilidad, no sólo en el uso de la luz y del color, sino también en el manejo de la cámara, con esos desplazamientos laterales, arriba y abajo, que lo convierten en el rey del travelling. Pero además, nos ofrece los suficientes guiños nostálgicos como para satisfacer nuestra mirada puesta en el pasado.

Vibraremos con el tocadiscos portátil de Suzy, con el baile de guateque que se marca Sam en la playa antes de su primer beso, simplemente genial, o con esa partida de boy scouts en busca de dos adolescentes fugados… inolvidable.

El cine de Wes Anderson demuestra estar compuesto de la materia que puebla la mente de un niño. Excentricidad, imaginación y aventura se mezclan dando lugar a un cine extravagante, diferente, que alcanza un tono arrebatadamente singular.

Es una fábula que retrata la pre adolescencia como perfecto paraíso perdido. Una isla que es a la vez casa de muñecas y teatro de títeres en una espiral neobarroca de colores y decorados al servicio de una historia de amor, en la que la fijación por los fetiches de la infancia – de nuevo el tocadiscos a pilas, una carta escrita con letra temblorosa, unos prismáticos que todo lo ven– incendia una relación tierna y extravagante.

Es hermoso el modo en que la pureza de ese amor ensombrece el fracaso sentimental de los adultos, tiñendo de melancolía un relato que, en esencia, quiere captar el escalofrío de un primer beso a orillas del mar.

Tan ligera como una canción de Françoise Hardy, tan cristalina como una pieza de Henry Purcell, Moonrise Kingdom es lo más cerca que Anderson ha estado de la perfección.

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 2012: Oscars: nominada a mejor guión original

2012: Globos de Oro: nominada a mejor película comedia

2012: Premios BAFTA: nominada a mejor guión original

2012: Critics Choice Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película

2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes

2012: Premios Gotham: Mejor película. Nominada a mejor reparto

2012: Independent Spirit Awards: 5 nominaciones, incluyendo mejor película y director

2012: Satellite Awards: Nominada a Mejor película y Mejor guión original

2012: American Film Institute: Top 10 – Mejores películas del año

2012: Premios Guldbagge: Nominada a mejor película extranjera

http://www.moonrisekingdom.com/

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