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Archive for the ‘cine’ Category

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Título.: Nocturnal Animals

Director.: Tom Ford

Género.: Thriller

Guión.: Tom Ford, Austin Wright (novela)

Fotografía.: Seamus McGarvey

Montaje.: Joan Sobel

Música.: Abel Korzeniowski

Productor.: Tom Ford, Mark Harris, Alexandra Nourafchan, Diane L. Sabatini

Reparto.: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Aaron Taylor-Johnson, Michael Shannon, Laura Linney, Isla Fisher, Armie Hammer, Michael Sheen, Jena Malone

Año.: 2016

Calificación.: *****

Lo mejor.: Su brillantez y sutileza en la venganza

Lo peor.: Los recortes del montaje

 Crítica

Cuando se es joven y soñador, pesa mucho más un gran amor romántico y dulce que puede aportarte toda la felicidad que crees posible. Pero como todo, el tiempo pasa, las prioridades cambian, y todo lo que fue amor sincero cede paso a la seguridad, la posición económica y el estatus social.

Pero nada es eterno, y con nada solemos conformarnos. Una vez que hemos alcanzado todo aquello que ambicionábamos, solemos encontrarnos solos en la cima de nuestro éxito, y es entonces cuando a nuestra mente vienen las consecuencias de nuestros actos y de las decisiones que tomamos, de cómo las tomamos y cómo han afectado a nuestra vida, nuestra conciencia y la vida de aquellos que dejamos atrás.

Todo esto es lo que pasa por la mente de Susan, una hermosa mujer, galerista de éxito, casada con el hombre perfecto, que vive en la casa perfecta, rodeada de amigos frívolos y de una vida completamente vacía.

Un día, recibe la primera novela de su ex marido, Edward, con el que no habla hace 20 años y al que abandonó de manera brutal y trágica. La novela lleva por título algo que él solía llamarla en la intimidad, Animal Nocturno. La lectura de esta novela y el recuerdo de Edward se pegan al cuerpo de Susan al igual que las sábanas de su cama, recuerda quién y cómo era cuando le amaba y removerá  todo su pasado hasta hacerla comprender su presente.

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Arthur Miller dijo sobre Marilyn Monroe, que la mejor manera de desenamorarte de una mujer era escribir sobre ella. La maravillosa novela de Alejandro Dumas, El Conde de Montecristo, es el gran ejemplo de la venganza por antonomasia y el paradigma de que ésta se sirve fría. Y es que Nocturnal Animals, la segunda película del diseñador Tom Ford tras A Single Man, es una brillante historia de venganza, sobrecogedora, sutil y que hiela la sangre.

Su vibrante atmosfera gracias a una fotografía soberbia, un gran ejercicio de estilo y una detallista concepción de la puesta en escena como es habitual en el diseñador, refleja los oscuros caminos de la mente hacia caminos nocturnos y polvorientos del Oeste de Texas (cierto toque a David Lynch) donde lo peor puede ocurrir y dónde por mucho que grites, nadie puede escucharte.

Ford nos muestra la desesperación de aquel que lo ha perdido todo con una extraordinaria habilidad combinando sordidez y romanticismo. Una historia dotada de una gran dureza que revela las consecuencias de lo que una persona puede hacerle a otra. Una historia de venganza salvajemente fascinante.

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Con un gran magnetismo debido a su embriagante banda sonora (de nuevo encontramos el toque Lynch), a esas miradas profundas que traspasan la pantalla…a la quietud en la soledad, a las palpitaciones del corazón, a la respiración entrecortada de una conciencia culpable… transitamos lugares inesperados impregnados de una melancolía tan perversa como dolorosa.

Las interpretaciones son absolutamente impecables, de lujo… destacando a un Aaron Taylor-Johnson imponente, cruel, malvado y despreciable… simplemente magnífico.

La protagonista, Amy Adams borda a una mujer cínica y caprichosa que ha preferido instalarse en la comodidad del lujo y la frivolidad, antes que enfrentarse a sus propias inseguridades para terminar evidenciando su profundo fracaso emocional hasta que los demonios del pasado se presentan en forma de libro. Un libro que destila bilis, ira y dolor. Un libro que es una trampa, un recuerdo venenoso, un débil que enmascara a un lobo.

El ex marido de Susan interpretado por Jake Gyllenhaal es un hombre común al límite en un doloroso trabajo físico, emocional y sensitivo, que como es habitual en él, Gyllenhaal realiza con una maestría asombrosa.

También encontramos a un Michael Shannon a su mismo nivel, jamás le vemos en una mala interpretación, dando aquí el tono ocre a la historia.

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Nocturnal Animals es un relato dentro de un relato (excelente manejo del tempo secuencial) que nos lleva a un laberinto magnético y turbio, ante un paseo por el lado más placentero de la humillación, el del ex amante.

Dos escenarios contrapuestos en uno solo: el relato salvaje, violento y muy cruento del relato ficcionado; y el real, donde Susan sufre una total introspección en plena lectura ante una vida muy del estilo de Ford: sofisticada, elegante y falsamente feliz, la crítica del director al mundo de la moda en el que se formó.

En esa mezcolanza de los dos mundos, el real y el de ficción, Ford elabora un film compacto y brillante, de blancos y negros muy acusados, desierto y polvo, joyas y glamour, pero en el que con mucha sutileza la trama se mueve hacia un lado muy dramático. Según avanza deja una sensación de grandeza, calidad y talento hacia una venganza soterrada e intelectual, mientras que página tras página el personaje del ex marido va cubriendo con un manto de culpa, casi invisible, al objeto de su desamor escrito con una pluma y un mazo.

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Tom Ford, como extraordinario director y escritor de cine, como contador de historias personales y con personalidad. Ford como creador de atmósferas y sensible demiurgo de todos estos animales nocturnos, los reales y los imaginarios, nos ofrece una película habilidosa en algunos tramos, inquietante en todos.

La huida y la venganza, la cobardía y la debilidad con un aire fatalista de cine negro, una película sobre la imposibilidad de caminar hacia delante cuando el remordimiento hace que tropieces a cada paso.

Marcel Proust dijo que “no se puede leer una novela sin poner en la heroína los rasgos de la mujer amada”, así vemos a esas mujeres pelirrojas como arquetipo de la crueldad, por hacer y por recibir, por mostrarnos lo que pudo ser y lo que fue realmente para un alma destrozada que crea una historia que nos hiela la sangre y nos deja en ese estado de duermevela de un animal nocturno cansado de serlo.

Impera un final mayúsculo, lleno de desesperanza y desasosiego. Un deleite para el ojo y un trago amargo para el alma a partes iguales.

Tráiler

http://focusfeatures.com/nocturnalanimals/video/trailer_2 – inglés

 

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Título.: Que Dios nos perdone

Director.: Rodrigo Sorogoyen

Género.: Policiaca

Guión.: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen

Fotografía.: Alejandro de Pablo

Montaje.: Alberto del Campo, Fernando Franco

Música.: Olivier Arson

Productor.: Mercedes Gamero, Gerardo Herrero, Mikel Lejarza, Pepe Torrescusa

Reparto.: Roberto Álamo, Antonio de la Torre, José Luis García Pérez, Fran Nortes, Javier Pereira, Luis Zahera, Raúl Prieto, Mónica López, Rocío Muñoz Cobo

Año.: 2016

Calificación.: *****

Lo mejor.: Roberto Álamo y su Alfaro… sin duda

Lo peor.: su realismo asusta

Crítica

Javier Alfaro, un policía de homicidios con problemas de conducta acaba de incorporarse a su trabajo tras un periodo de suspensión por agresión.

José Velarde es su compañero y además su antítesis… callado, retraído, tartamudo y absolutamente minucioso en sus investigaciones.

Ambos deben enfrentarse a un asesino en serie de ancianas que actúa en el centro de Madrid y cuyas pautas son.: ganarse la confianza de las ancianas hasta conseguir entrar en sus casas donde las viola y las mata a golpes.

Todo esto enmarcado en el verano de 2011 en Madrid.: Crisis económica, Movimiento 15-M y millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa.

Todos conviven en un Madrid caluroso, violento y más caótico que nunca.

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Que Dios nos perdone es la tercera película dirigida por Rodrigo Sorogoyen tras 8 Citas y la impactante Stockholm, y si dicen que a la tercera va a la vencida en el caso de Sorogoyen se cumple y culmina con esta tercera obra que fue sin duda la película española del año pasado a pesar de competir con otros grandes títulos como Tarde para la Ira que recogió todos los premios de la industria del cine español.

El estupendo casting realizado por Juana Martínez y mi querida Natalia Rodríguez (a la que mando un beso enorme por guapa y por ser cada día mejor profesional) está encabezado por la gran revelación actoral también del año pasado, un Roberto Álamo insuperable.

Álamo se dio a conocer en teatro con su interpretación del boxeador Urtain que quedó grabada en la memoria de todos. Tras verle en innumerables títulos que abarcan desde Días de Fútbol pasando por doctor de la televisiva Águila Roja, consiguió su primer premio Goya en 2013 como mejor actor secundario por su papel de disminuido mental en La Gran Familia Española dirigida por Daniel Sánchez Arévalo. Pero fue el año pasado dónde su presencia en cada gala de premios fue innegable. Ganó el Goya al mejor actor principal por su interpretación de Javier Alfaro en la película que nos ocupa y lo hizo de una manera aplastante.

Roberto Álamo es una bestia actoral física e interpretativamente. Un monstruo de la interpretación algo salvaje, visceral y con una fuerza interpretativa que te remueve en tu butaca, ya le veas en pantalla grande o en teatro como ocurrió también el pasado año con la obra “Lluvia Constante” donde pudimos disfrutarle y hasta sentirle diría yo, con un personaje algo similar a el Alfaro de Sorogoyen eso sí.

Pero en Que Dios Nos Perdone, Álamo debe enfrentarse a otro grande… no solo grande, grandísimo genio de la interpretación como es Antonio de la Torre, que interpreta a su compañero José Velarde. Todos los adjetivos y palabras que podamos dedicar a Antonio de la Torre en este post serían insuficientes, ya que aborda y domina todos los registros con el mismo nivel de calidad. Su Velarde en esta película es conmovedor, riguroso, contenido (como sus últimas interpretaciones en pantalla) y hace un tándem perfecto con su compañero, no se podría entender el papel del uno sin el contrapunto del otro.

Muy destacable es también la interpretación y cambio físico (asombroso) de Javier Pereira, actor no muy santo de mi devoción pero que aquí sin duda consigue introducir el contrapunto sádico y ensordecedor de la película. Su asesino de ancianas da miedo… por su rictus, su agresividad y su calma ante la muerte y la violencia mostrándonos una mente completamente enferma y violenta.

Nos ha alegrado mucho poder ver también a Fran Nortes en esta película. Acostumbrados a verle en teatro o bien haciendo de padre Alejandro en La Que Se Avecina, este fantástico actor, dotado de una vis cómica especial, parece ir haciéndose un hueco en el cine y nos encanta porque sabemos que es uno de los mejores.

Otro secundario destacable es Luis Zahera, que aglutina como nadie la intensidad con el control demostrando que la mirada, y la calma del director para posar su cámara en ella, es tan esencial como el texto. Que Dios nos perdone confirma que Sorogoyen no solo sabe dónde poner las cámaras sino que tiene algo que contar.

Que Dios nos perdone PELICULA

Nos encontramos con un análisis entre la delgada línea que separa la agresividad (rasgo común que el ser humano tiene con el resto de mamíferos) de la violencia (para esta otra ya es necesario tener imaginación). Y lo hace a través de la angustia, el sudor, la bilis y, finalmente, el vacío de unos tipos que están condenados a cada paso que dan.

La película nos muestra el perfil de tres personajes psicóticos.:

  1. Un inspector asocial cuyo oficio le ofrece la oportunidad de evadirse de todo lo que le rodea.
  2. Otro inspector violento y salvaje.
  3. Y un personaje oculto que se mueve por la película como una sombra.

Todo el trabajo de dirección se mantiene atento a la temperatura de los cuerpos, la historia pretende ser simplemente fiebre y la más gráfica expresión de lo turbiamente imaginativos que podemos llegar a ser cuando de lo que se trata es de hacer daño, aunque muy sabiamente su director no poetiza lo sórdido.

El retrato que Rodrigo Sorogoyen ha compuesto de la capital es descorazonador a nivel social. Los grandes thrillers y el mejor cine negro siempre dicen más sobre la sociedad en la que se desenvuelven que sobre el caso en sí.

Su complejidad y su genio residen en los subtextos y su radiografía social, nunca en la trama o la intriga. Los asesinos en serie, son productos de una época y un ambiente, y acaban conformando un retrato ético de un colectivo; aquí, de un tiempo de soledad y amargura, de violencia y cochambre, de inmundicia física y decrepitud moral. Que el criminal de la película mate y viole viejas solitarias en el centro de Madrid no es baladí, es un estado de la cuestión.

Un Madrid de desconchones y humedades, de papel pintado roído y persianas rotas, de mugre en las calles y en las entrañas, un universo de pecado que pulula desde el título hasta el interior de buena parte de los personajes.

Con un trabajadísimo guion de Isabel Peña y el propio Sorogoyen, la película te agarra y no te suelta gracias a un soberbio trabajo de dirección artística y puesta en escena (vibrante, incluso frenética y angustiosamente desasosegante), con una cámara vehemente y muy atractiva de su director, ágil y elegante, utilizando el gran angular con descaro y exactitud. Lo que pretende, y consigue la película es ponernos a todos, a través de esos personajes atormentados, ante un valleinclanesco espejo cóncavo que nos devuelve una figura deformada que, tristemente, está mucho más cerca de la realidad de lo que nos gustaría.

Una realidad en la que la violencia (física, intelectual, oral…) parece ser el único estímulo, la única razón de ser, el único oxígeno.

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La película, efectivamente, es mucho más que un ‘thriller’ policíaco. Es una película que habla de política, del enfado de la gente de la calle, de la religión, de cómo un país aconfesional se vuelve religioso por la visita del Papa.

Cine español de gran calidad, de factura perfecta y más que correcta en sus localizaciones y persecuciones en el centro de Madrid (uno de los lugares más complejos para poder grabar), con insistimos, un fantástico guión que no da puntada sin hilo y en el que no hay cabos sueltos, por su dirección, interpretaciones, fotografía y montaje… no vemos ningún defecto y es que Sorogoyen como dice Álamo, “es el mejor director de cine de este país”…

Nosotros no podemos afirmar que sea el mejor, pero desde luego con su tercera película se confirman las buenísimas vibraciones que nos regaló en Stockholm y nos ha demostrado que es capaz de dirigir a la perfección grandes y complejas producciones con una destreza asombrosa.

El resultado, un ‘thriller brillante que acaba por convertirse en síntoma de un tiempo (éste que vivimos) esencialmente violento, que no sólo agresivo. Un angustioso e irrespirable retrato de la crueldad que nos asiste.

“Que Dios nos perdone por esta realidad sombría, entre contenedores atestados de basura y almas ennegrecidas por nuestros errores.”

 Trailer

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Título.: Frances Ha

Director.: Noah Baumbach

Género.: Comedia

Guión.: Noah Baumbach, Greta Gerwig

Fotografía.: Sam Levy

Montaje.: Jennifer Lame

Música.: Fabrice Absil, George Drakoulias, Sara Matarazzo, Britta Phillips

Productor.: Noah Baumbach, Oscar Boyson, Eli Bush, Fernando Loureiro

Reparto.: Greta Gerwig, Mickey Sumner, Michael Esper, Adam Driver, Michael Zegen, Grace Gummer

Año.: 2012

Calificación.: ****

Lo mejor.: Su frescura y naturalidad, imposible no caer rendido a los pies de Frances Ha

Lo peor.: …?

 

Crítica

Frances es una joven de 27 años que ha decidido, a pesar de su edad, cumplir su sueño de ser bailarina en una compañía de danza de Nueva York … nada más ni nada menos.

Vive con una amiga, no consigue mantener ninguna relación amorosa estable, pero aún así, disfruta de la vida con alegría y despreocupación, a pesar de que desea mucho más de lo que tiene, pero… ¿y quién no?

Frances Ha es una fábula moderna sobre la juventud, la amistad, la ambición, la lealtad y el optimismo; un auténtico soplo de veracidad. Dirigida por Noah Baumbach, autor de Una historia de Brooklyn, Margot y la boda, y la más reciente Mientras seamos jóvenes, cuenta con una gran maestría para describir las emociones; es una carta de amor de un cineasta a su musa, con su cámara abierta y con una calmada adoración, canalizando la búsqueda de la verdad.

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Su apariencia es sencilla pero espectacularmente emocional. La protagonista es encantadora, inteligente… y con un aire innegable en toda la factura del film a la Nouvelle Vague. Estamos ante una antiheroína en construcción, un desastre adorable que emociona.

Greta Gerwig interpreta a Frances de una manera inteligente y radiante. Recrea un ingenioso retrato sobre el paso a la vida adulta. Es una chica maravillosamente descentrada, amorosamente torpe, fundamentalmente excéntrica, ni guapa ni fea sino todo lo contrario, de la que te acabas enamorando sin remedio.

Su tono de comedia con tintes complejos e incluso dramáticos, armados sobre las excentricidades de su joven protagonista, constituyen un universo cómico con un afilado matiz dramático alrededor del doloroso devenir de una joven bailarina sin la suficiente brillantez para dejar de ser una suplente; de una chica que a veces ni siquiera sabe controlar su simpatía, de una persona con aspiraciones de primera, siempre relegada al segundo plano, de un ser que ambiciona la independencia mientras quiere estar rodeada de amistad, que busca y busca la cúspide y es una contradicción constante… quizá como todos nosotros.

La película está repleta de conversaciones de apariencia intrascendente que esconden una gran complejidad. Todo el éxito de la empresa depende de que el espectador acepte a la protagonista, Frances: sus tics y manías, su orgullosa forma de no solicitar la simpatía de los demás personajes pero sí la complicidad del espectador, sus peculiares bailecitos de elegante patosa (demasiado alta para ser la «Tiny Dancer» de Elton John), todo lo que la convierte en entrañable.

Esa Frances es inseparable de la actriz que la encarna, Greta Gerwig, musa de cierto cine indie del momento y del llamado cine mumblecore, además de pareja del director de la película con el que coescribió el guión.

Gracias a este papel se convierte en una de las actrices más interesantes del panorama actual de Estados Unidos saliendo de los cánones marcados por el gran Hollywood por su naturalidad, frescura y su forma tan desgarvada.

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Puede que este retrato del paso de la adolescencia a la adultez sea algo que se haya contado miles de veces en el cine, pero algo tiene Frances Ha que la hace especial. Está claro que la energía inagotable de su protagonista hace que desde el minuto cero el espectador se encariñe e identifique con ella.

Con una impecable factura en blanco y negro, el recorrido vital de la protagonista se nos muestra de una manera muy rítmica y especial, casi con despreocupación, descuido, con ese toque de frescura, naturalidad y espontaneidad tan característico del cine francés. Encontramos referencias también al Woody Allen más clásico pasando por el estilo más noventero de Kevin Smith.

Frances es una artista cuyo estilo de vida es la vida misma, es una historia sobre los retos personales, la decepción, la liberación, la lealtad, el cariño y la persecución de los sueños.

Nominaciones.:

2013: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz (Greta Gerwig)

2013: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película y montaje

Trailer.:

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Título.: Sunset Boulevard

Director.: Billy Wilder

Género.: Drama

Guión.: Charles Brackett, Billy Wilder, D.M. Marshman Jr.

Fotografía.: John F. Seitz

Montaje.: Arthur P. Schmidt

Música.: Franz Waxman

Productor.: Charles Brackett

Reparto.: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Jack Webb, Cecile B. DeMille, Buster Keaton

Año.: 1950

Calificación.: *****

Lo mejor.: La impresionante y violenta mirada de Norma Desmond.

Lo peor.: La auténtica crueldad del star system.

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Crítica

Un cadáver flota en la piscina de una casi abandonada mansión de Hollywood. Varios periodistas y agentes de policía se agolpan junto a ella, sacan fotos, investigan… y de pronto una voz en off …. la del mismo muerto, se dirige al espectador y habla con él para contarle cómo y porqué acabó de esta manera.

A partir de este momento, con un flashback continuo, se nos narra de manera magistral y poco convencional para la época (que un muerto hable al espectador lo era), las desventuras de Joe Gillis, un guionista de Hollywood venido a menos.

Acosado por las deudas e intentando huir de varios acreedores, Gillis termina de manera fortuita ocultándose en una vieja mansión propiedad de una antigua diva del cine mudo de Hollywood, Norma Desmond.

Dicha mansión al igual que la presentación de Norma, evocan sin duda alguna a la señorita Havisham de la novela Grandes Esperanzas de Charles Dickens, por su aspecto ruinoso pero enmascarado con gran cantidad de maquillaje, ropas, joyas de otra época y un gran atisbo de locura.

Norma, relegada y olvidada por la llegada del cine sonoro, desea volver a la gran pantalla con un guión escrito por ella misma, y ve en Gillis la gran oportunidad que estaba esperando. Ofrece a éste la corrección del guión por una cantidad bastante decente de dinero. Gillis por su puesto acepta, pero el dinero no será suficiente ya que Norma espera mucho más de él.

El supuesto trabajo fácil termina convirtiéndose en una pesadilla. El ambicioso Gillis se verá recluido en la mansión de la vieja gloria y deberá lidiar con una Norma Desmond excéntrica y neurótica que le necesita desesperadamente. Todo empeora cuando durante las breves escapadas de Gillis, comienza un affaire con una joven aspirante a guionista, y su supuesto romance con Norma, pronto tornará en amor/odio – dependencia/desprecio.

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Norma Desmond, papel encarnado por una grandiosa Gloria Swanson, fue una gran estrella del cine de Hollywood, pero ahora tan solo es un recuerdo del que se ha apoderado la locura. Su única compañía es su fiel mayordomo, Max, un hombre bajito y siniestro que la idolatra.

La interpretación de Swanson es tan magistral, que otra grande del cine clásico, Barbara Stanwyck, se arrodilló y besó su vestido en honor a su interpretación tras la primera proyección de la película realizada por la Paramount.

Swanson es una gran dama que extiende su magia sobre otra década. Su interpretación es brillante e inolvidable, como ella misma cita en la película:

“Soy grande, son las películas las que se han hecho pequeñas”

El olvido de muchas grandes estrellas del cine mudo fue la cruel realidad del Hollywood de los años 30, donde grandes figuras del cine no encontraron cabida ante el progreso, algunas de ellas tan grandes como Buster Keaton, aparecen en este film interpretando a viejos amigos de Norma.

Recientemente esta misma temática la vimos reflejada de manera magistral en la película de Michel Hazanavizius, The Artist , con la inolvidable interpretación de Jean Dujardin que les hizo merecedores del Oscar al mejor actor principal y del Oscar a la mejor película en 2011.

William Holden es el encargado de dar vida a Joe Gillis, con una interpretación sobria y creíble, cuando Montgomery Clift rechazó el papel.

Como es habitual en el cine clásico, el secundario Erich Von Stroheim es un lujo en su encarnación de Max, el devoto mayordomo de Norma. Paradojas buscadas en esta película, Stroheim fue un destacado director de cine mudo que dirigió a Swanson en más de una ocasión, de hecho la película que ven en el salón de la mansión es una película real inacabada, “La reina Kelly” (1928), interpretada por Gloria Swanson y dirigida por el propio Erich von Stroheim. Es el hoy en día olvidado realizador de la magistral ‘Avaricia’, película por la que se desvivió y que le costó su carrera a causa de sus desavenencias con los productores.

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Y es que nada es coincidencia en la creación de Sunset Boulevard, esta célebre avenida que atraviesa Los Ángeles y Beverly Hills, fue un lugar que en tiempos del cine mudo albergaba las mansiones de muchas estrellas de cine. Sin embargo en España el título fue traducido a El Crepúsculo de los Dioses y no sin doble significado, pues sunset en inglés significa ocaso, crepúsculo … decadencia.

Estamos ante una magnífica película dirigida y escrita por el gran maestro de la comedia, por el genio de Perdición, El Apartamento, Con faldas y a lo loco, La Tentación Vive Arriba… el gran Billy Wilder.

A su espléndido guión sin una sola fisura gracias al virtuosismo narrativo de Wilder en su última colaboración con el productor Charles Brackett tras 13 películas juntos, se suma la majestuosa fotografía en blanco y negro de John F. Seitz recreando un continuo homenaje al séptimo arte: proyectores, salas de cine, platos de la Paramount donde aparece el mismísimo Cecile B. DeMille (quién en la vida real también dirigió en más de una ocasión a Gloria Swanson y al que se considera su descubridor), planos con luces a través de cerraduras que nos recuerdan al obturador de las cámaras de cine o fotográficas…

Sunset Boulevard es una historia perfectamente contada y rodada, con interpretaciones asombrosas. Obra maestra de Billy Wilder, retrata con venenosa ironía los excesos del mundo de Hollywood: el paso del tiempo, los egos inmensos y el desesperado intento de recuperar el esplendor perdido… Esta crítica al mundo del cine le valió un enfrentamiento con el jefazo de la Metro Goldwyn Mayer, Louis B. Mayer, llegando ambos caballeros a profesarse insultos.

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Catalogada como la mejor película jamás hecha en Hollywood sobre Hollywood, su tono es majestuoso y mortuorio, con inflexiones entre la ironía y la crueldad, ofreciendo una incisiva mirada sobre el cine en particular y la vida en general. Una película negra y desoladora, donde tiene cabida el humor, pero un humor que cae a gotas, gotas de ácido sulfúrico, que más que provocar una sonrisa, la congelan.

Se juega con la delimitación de las fronteras de la realidad con la ficción, con el cine dentro del cine… un juego de espejos entre realidad y ficción donde las fronteras se difuminan.

La secuencia-epílogo es inmejorable, con ese desenfoque final de la faz de la desempolvada actriz que la convierte en un fantasma que atraviesa la pantalla. Un momento tan satisfactorio como escalofriante.:

“… porque mi vida es solo esto… las luces, las cámaras… y la gente que mira en la oscuridad”

A pesar de contar con once nominaciones, Sunset Boulevard ganó sólo tres Premios Óscar, en las siguientes categorías:

El resto de las categorías a las que la película fue nominada son las siguientes:

Premios.:

1950: 3 Oscar: Mejor guión, dirección artística B/N, BSO drama. 11 nominaciones

1950: 4 Globos de Oro, incluyendo Mejor película – Drama. 7 nominaciones

1950: National Board of Review: Mejor película

1950: Círculo de Críticos de Nueva York: 2 Nominaciones

1950: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director

Trailer

https://www.youtube.com/watch?v=_n28nrklSLs

 

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Título.: CELEBRACIÓN (Festen)

Director.: Thomas Vinterberg

Género.: Dogma

Guión.: Thomas Vinterberg, Mogens Rukov

Fotografía.: Anthony Dod Mantle

Montaje.: Valdis Óskarsdóttir

Música.: Lars Bo Jensen

Productor.: Brigitte Hald, Morten Kaufmann

Reparto.: Ulrich Thomsen, Henning Moritzen, Thomas Bo Larsen, Paprika Steen, Birthe Neumann, Trine Dyrholm, Lars Brygmann, Therese Glahn

Año.: 1998

Calificación.: ****

Lo mejor.: Asistir a la primera muestra del cine Dogma

Lo peor.: …

Crítica

Un padre cumple 60 años e invita a toda su familia para celebrarlo. Lo que se supone que va a ser una gran celebración rodeado de familiares y amigos que han venido desde muy lejos, termina abruptamente cuando la porquería de la familia comienza a aflorar.

Durante la fiesta una revelación del hijo mayor, Christian, de lo más grotesca, mostrará una familia burguesa absolutamente disfuncional, cuyos pilares son la hipocresía, el racismo, el incesto y los abusos. Nos encontramos así ante un funesto tratado sobre la distorsión imperante en las relaciones sociales de la clase alta frente a un brutal mazazo que atenta contra la conciencia.

A partir del shock de la revelación nace un atrevido y violento juego psicológico frente a la ausencia de las normas y los formalismos cinematográficos.

Lo más impactante, duro y difícil de soportar en la cinta, es que el acusado de dicha revelación, ese padre que celebra su cumpleaños, actúa como si la cosa no fuera con él, y no solo sale indemne, sino que además es aplaudido por su circulo cercano… Christian no da crédito, si el adversario rechaza la lucha, uno está perdido desde el principio. No basta con hacer público el problema, para ser escuchado, para que la denuncia tenga efecto. La verdad es un proceso y a eso mismo es a lo que asistimos. Christian ha revelado la verdad, pero no ha modificado el entorno. Necesita que una parte sustancial de su familia se una a su denuncia. Toda la familia debe estar dispuesta a aceptar el cambio en las relaciones y en la posición del padre, y más allá de eso, aceptar el cuestionamiento del sistema sociofamiliar al que pertenecen.

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Al mismo tiempo que se denuncia el dominio del padre, se denuncia el dominio de la alta burguesía sobre la clase obrera (representada por el servicio de la mansión) y la marginación a las minorías étnicas (representada por el novio de color de una de las hijas)

Toda la historia transcurre en la gran casa/hotel familiar, en la que también convive el servicio, que a su vez mantiene unas intrigantes relaciones con la familia. Ellos representan al pueblo llano y la verdadera lucha de clases ante una burguesía podrida.

Ya lo dijo hace siglos William Shakespeare en la primera frase de su insuperable Hamlet, “Algo huele a podrido en Dinamarca”, y parece que esta afirmación ha viajado en el tiempo alcanzando el final de los 90.

Celebración, es la primera y multipremiada película del revolucionario movimiento cinematográfico Dogma que surgió en Dinamarca allá por 1995. Un manual de reglas creado por los directores Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, a partir de un manifiesto en el que se comprometen a filmar sus películas sin utilizar música, ni decorados, iluminación artificial, y rodando cámara en mano. Dogma 95 es un intento por mostrar la realidad tal como se presenta ante la lente; rechaza ponerse al servicio de la técnica la cual se utiliza para servir la idea, no para seducir, al contrario de cualquier producción de Hollywood.

Manifiesto Dogma 95.:

  1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
  2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
  3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
  4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
  5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
  6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
  7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
  8. Las películas de género no son válidas.
  9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
  10. El director no debe aparecer en los créditos.

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Siendo fieles a dicho manifiesto, lo que vemos en pantalla será una verdad cruda, sin máscaras distractoras.

Encontramos así un sin fin de planos borrosos, distorsionados y sucios, imágenes inestables… lo más real que el visor pueda captar, ofreciéndonos planos, por ejemplo, a través de una ventana, enfrentando lente con cristal y viceversa, aunque también da lugar a planos brillantes o imaginativos, como el de un mensaje oculto dentro de un bote de pastillas magistralmente creado para la secuencia. La idea, la historia manda ante la estética visual.

La estructura narrativa sin embargo es equilibrada y precisa. La Celebración del cumpleaños tras la revelación no cesa, la incomodidad crece y crece según avanza la historia, entre descubrimiento y descubrimiento.

Se avanza más en los perfiles de los protagonistas, adentrándose en unos personajes a cual más deplorable (por ejemplo el hijo menor, Michael, a mitad de camino entre la nada y la casa familiar a la que se dirigen, echa a su mujer e hijos del coche para irse de copas con su hermano mayor) y en un pasado sucio y malsano como la propia dirección de la película llegando al espectador con toda su crudeza y corrosión.

Quizá pueda resultar hiriente, incluso angustiosa recordándonos sin duda alguna a EL ANGEL EXTERMINADOR de Buñuel por esa reunión en un espacio cerrado, claustrofóbico y ese perpetuo retorno resignado de los invitados a sus asientos, por el puñetazo al estómago de la alta alcurnia, su cínico mutismo y el planteamiento de mostrar conflictos en ambientes contrarios emocionalmente.

Celebración es un magnífico y atrevido tratado sobre la hipocresía, las malas costumbres y la naturaleza humana.

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Premios.:

1998: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado

1998: Nominada al Globo de Oro: Mejor Película extranjera

1999: Nominada Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa

1998: Premios del Cine Europeo: Premio Discovery (mejor ópera prima)

1998: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor Película

1998: Círculo de críticos de Los Ángeles: Mejor Película

1998: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera

1998: Premios Cesar: Nominada a Mejor película extranjera

1998.: Mejor Director, Festival de Gijón

Trailer

https://www.youtube.com/watch?v=rSaq3lEU86k

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Título.: UN MONSTRUO VIENE A VERME

Director.: Juan Antonio Bayona

Género.: Drama Fantástico

Guión.: Patrick Ness, Siobhan Dowd

Fotografía.: Oscar Faura

Montaje.: Jaume Martí, Bernat Vilaplana

Música.: Fernando Velázquez

Productor.: Belén Atienza, Patrick Ness, Álvaro Augustín, Ghislain Barrois…

Reparto.: Lewis MacDougall, Felicity Jones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Toby Kebbell, James Melville, Geraldine Chaplin

Año.: 2016

Calificación.: **

Lo mejor.: La música de Fernando Velázquez.

Lo peor.: Su obviedad de principio a fin, obviedad plagada de historias moralistas sin sentido en la trama personal del protagonista.

 

Crítica

Esperadísima, alabadísima y de un gran éxito en taquilla (3,6 millones de espectadores), Un Monstruo Viene A Verme es última película de J.A. Bayona tras cuatro años de espera.

Nos cuenta la historia de Conor, un niño de 12 años que vive solo con su madre y que debe enfrentarse a la inminente muerte de ésta debido a un cáncer terminal.

Conor se encarga de la casa, de su madre, y de aliviar su dolor creando un mundo propio para evadirse de la dura realidad.

Sufre acoso escolar, su padre se marchó hace años con otra familia, su abuela materna es una especie de nazi con la que no se entiende, no tiene amigos y una pesadilla recurrente le acompaña cada noche, ¿bonito eh?

En dicha pesadilla Conor agarra a su madre con todas sus fuerzas para que la tierra no se la lleve… pero nunca llega al final de ese sueño, siempre despierta antes, sin saber si consigue retener a su madre o la pierde… ¿o… si sabe lo que ocurre?

La ventana de la habitación de Conor tiene unas preciosas vistas a un cementerio (ideal para el niño en esta situación) donde un milenario y majestuoso árbol tejo preside el recinto. Una noche, unos minutos después de las 12, el gran tejo cobra vida, convirtiéndose en un monstruo gigantesco que acude a ayudar a Conor. Le propone contarle 3 historias y al final de la tercera, deberá ser Conor quién cuente una última historia, la cuarta, LA VERDAD.

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Podemos considerar esta película como el fin de la trilogía sobre la maternidad y la muerte que Bayona inició con El Orfanato y continuó con Lo Imposible.

La gran sensibilidad que Bayona posee para plasmar la maternidad ante la perdida es exquisita y conmovedora, la confrontación de las dificultades y horrores del mundo real, quedan plasmadas a través de una yincana fantástica con los cuentos de hadas como hilo conductor o juegos infantiles. Sucedía en El Orfanato con los juegos de los niños moviendo objetos de sitio, en Lo Imposible enfrentándose a las dificultades y aquí en cada una de las historias contadas por el monstruo.

Pero a diferencia de sus dos trabajos anteriores, ambos superiores a éste, en esta ocasión, LA VERDAD de Conor, no conmueve.

La obviedad dirige la historia de principio a fin, no hay giros, no hay sorpresas… y el tiempo se rellena con lecciones morales que poco tienen que ver con la realidad y la angustia del protagonista.

Si decidimos obviar esos giros, que quizá muchos consideren innecesarios (la historia es lo que es, enfrentarse al mundo real), entonces, es una historia que ya hemos visto en numerosas ocasiones y bastante mejor contada.

Conor se enfrenta a su monstruo, con el cual, inicia un viaje de aprendizaje por la verdadera naturaleza humana, pero dichas historias, como ya hemos comentado son irrelevantes y de forzada relación con los conflictos de Conor, lo que hace que el niño se enfade, y con toda la razón.

A pesar de ello, estas fabulas nos ofrecen lo mejor del film visualmente. Bayona emplea la animación con acuarela plasmada con una gran belleza empleando técnicas ya utilizadas por Spielberg o Peter Jackson.

Nos planteamos que quizá no se llegue a sentir el auténtico drama de la historia distraídos por la gran belleza de las imágenes, pero según avanzamos en la historia, vemos que no es así.

Fotograma de Un monstruo viene a verme  de J  A  Bayona

Gracias a una fotografía sobresaliente y la gran música de Fernando Velázquez, Un Monstruo Viene a Verme es un cuento dentro de otro cuento, manteniendo un buen equilibrio entre la fantasía y el drama del cáncer, pero repleto de momentos forzados.

La película se esfuerza por ser emocionante, emotiva, mágica… pero este triple efecto no siempre se cumple, e intenta buscar “El Momento” imponiéndolo al espectador aún cuando no da lugar. El enfrentamiento de Conor al niño que abusa de él en el colegio, por ejemplo, es absurdo, no tiene suficiente argumento, cualquiera de los abusos anteriores en los que el niño es golpeado hubiera tenido mucha más razón y emotividad que ante una despedida o ante que le digan que es invisible…. Pero había que meterlo con calzador dando lugar a una secuencia impactante visualmente y vacía emocionalmente.

Ver cómo las ansiedades de Conor se manifiestan en una criatura tan impresionante constituyen sin duda el leitmotiv de la cinta, pero finalmente la creación de Bayona es mucho ruido y pocas nueces.

La fantasía como evasión de la terrible realidad, de la muerte, no solo de su madre sino también de su niñez, son temas que con mucha mejor mano y magia ya plasmo Guillermo del Toro en su maravillosa El Laberinto del Fauno (Del Toro produjo El Orfanato de Bayona por lo que es inevitable la referencia).

La pérdida de esa inocencia, el paso de niño a adulto y el enfrentamiento a la soledad que ello conlleva, fue también mucho mejor plasmado por Robert Mulligan en Matar a un Ruiseñor (cuyo poster podemos ver en la habitación de la madre de Conor, otro guiño).

Y referencias a ese cine de iniciación lo vemos durante el visionado de King Kong de Conor junto a su madre, sin poder evitar pensar en los enormes ojos negros de Ana Torrent en El Espíritu de la Colmena la primera vez que la niña ve al monstruo de Frankenstein, que Víctor Erice nos mostró hace ya muchos años.

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La intención de Bayona es hacernos caer en lo lacrimógeno con todo su empeño. En Lo Imposible dijeron que su lenguaje sentimental era obsceno, quizá en El Orfanato lo apreciamos de manera más leve…. Pero ambos trabajos anteriores de Bayona tienen mucha más historia que contarnos que esta, que bien hubiera servido para un cortometraje sin necesidad de prolongar la angustia.

Las interpretaciones de todos los actores son estupendas, destacando sobre todo a Lewis MacDougall, quién ya pasó desapercibido con su Peter Pan en la reciente Pan, y que esperemos que gane más notoriedad tras este papel.

Felicity Jones hace tiempo que es digna de admiración en todo lo que hace, y lo de Sigourney Weaver siempre serán palabras mayores (merecidísimo premio Donosti este año).

En resumen, la novela homónima de Patrick Ness (quién también firma el guión), y la adaptación al cine por el denominado “Spielberg español” (aún te queda mucho querido Bayona) es bastante decepcionante, bonita, pero no lo suficientemente redonda y que no debería, en ningún caso, cerrar con la frase textual y completa del final de E.T…. (Estaré aquí mismo)… no gracias Bayona, aún no eres Spielberg.

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Trailer

http://www.focusfeatures.com/amonstercalls/video/trailer-the-first-look

http://www.universalpictures.es/es/peliculas/un-monstruo-viene-a-verme-59/

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Título: En Otro País

Director: Sang-soo Hong

Género: Comedia

Guión: Sang-soo Hong

Reparto: Isabelle Huppert, Kwon Hye Hyo, Yu-mi Jeong, So-ri Moon, Moon Sung Keun, Yeo-jeong Yoon, Jun-Sang Yu.

Año: 2012

Calificación: *

Lo mejor: Que por fín Sang-soo Hong pueda verse en nuestros cines.

Lo peor: Es completamente olvidable.

Hong Sang-soo llega a la cartelera española tras casi veinte años de espera.

Lo ha hecho con En Otro País, donde convierte a Isabelle Huppert  en tres personajes distintos – una directora francesa, una esposa infiel y una mujer abandonada – que visitarán un mismo hotel en la playa de Mohang en el curso de tres historias que jugarán con la repetición, la confluencia de un mismo repertorio de secundarios y los ecos de diálogos idénticos en situaciones ligeramente divergentes.

Rodada en 8 tardes de julio, con un guión escrito pocas horas antes de empezar a rodar cada uno de esos días, e l director se interesa por esos encuentros casuales de extranjeros, en este caso una europea con los coreanos, destacando que en occidente no estamos acostumbrados a ser nosotros el elemento exótico.

 La habilidad del director para filmar dichos encuentros lo observamos en el uso de la repetición como un dispositivo en las historias, en recurrentes líneas de dialogo compuestas por pequeñas charlas genéricas que los coreanos tienden a hacer en situaciones sociales incómodas, no solo por como tratan a los extranjeros sino también por cómo se comportan entre ellos.

Gestos excesivamente ansiosos, los caracteres coreanos de la hospitalidad, en particular, revelan cómo cambia un paisaje social en respuesta a la presencia de un extranjero. Ella lo repite constantemente en toda la película: “me tratáis muy bien” al igual que cada personaje repite sin cesar lo guapa que es ella, llegando a ser serviciales hasta límites insospechados.

En cada una de estas repetitivas situaciones vemos actores forzados, tensos, incómodos… consiguiendo que te sientas extranjero ante tanta frialdad en esa desconocída y hermosa Corea como consiguió en su momento con Tokyo Sofia Coppola en Lost in Traslation.

También los mismos elementos componen las historias –Huppert, un faro, un socorrista, una tienda de campaña, una localidad costera, una barbacoa – que tras ligeras alteraciones nos ofrecen sutiles variaciones sobre su punto de vista. Pero nuestro trabajo no consiste en interpretar estar repeticiones, sino más bien es un juego de artificio que nos hacen notar que simplemente están ahí.

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Quizá el punto en común de todas estas historias sean las reflexiones efímeras y narcisistas sobre el amor, las derrotas de la madurez, las negociaciones entre lo masculino y lo femenino, la infidelidad y la melancolía cotidiana, todos ellos elementos que recorren la filmografía del director bajo el prisma de estructuras narrativas que se bifurcan y retuercen sobre sí mismas.

En Otro País concentra la esencia estilística de uno de los considerados maestros del cine contemporáneo. El llamado Rohmer coreano por la naturalidad de su cine sin atisbo de ambición intelectual, presenta una acusada identidad de un creador con discurso propio.

Junto a estas señas de identidad, se encuentran también los poco elegantes reencuadres que Sang-soo realiza con su cámara con aparente desdén por el acabado formal, más de un incómodo zoom, algún movimiento de cámara brusco, frente a la quietud posterior. Este supuesto error, ya cometido con anterioridad por la Nouvelle Vage francesa,contrasta sobre manera frente a la sutileza de su mirada sobre lo humano y la capacidad del autor para construir laberintos narrativos con los mínimos recursos que su misma productora le ofrece.

La maravillosa Isabelle Huppert interpreta a las tres mujeres con el mismo nombre que conforman las historias. Todas ellas extraviadas lejos de casa y diferenciadas por el vestuario (azul, rojo, verde; serenidad, pasión, esperanza), algún ligero cambio en su pelo y sutiles cambios de temperamento que tan solo Isabelle Huppert podría resolver.

Estos caprichos del proceso creativo nos ofrecen la sensación de que cada Anne es una mujer solitaria, en constante espera y búsqueda de un faro difícil de alcanzar.

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 Huppert ha llegado a ese punto mágico donde da un escalofrío de placer con sólo aparecer, sus décadas de grandes actuaciones así lo merecen. Podríamos incluso pensar que este tren ligero en una especie de línea circular que compone esta película simplemente la ha dado la oportunidad de hacer algo diferente y que con ello ha sido suficiente.

Cada narración es sencilla y liviana, de apenas treinta minutos de duración que se degustan como caramelos, pero, que desgraciadamente, al igual que estos, se esfuman en la memoria con la misma rapidez.

En otro país resulta simple y relajada, frívola en ocasiones, insulsa con tanta levedad.

Interesante al observar como se cristalizan las barreras culturales y lingüísticas entre el personaje de Anne y Corea, cuando este personaje entra en la sociedad coreana como una intrusa que acaba por provocar diferentes reacciones en los personajes nativos, sobre todo desde el punto de vista sentimental y físico, pero estos laberintos sentimentales por los que deambulan sus protagonistas se convierten en un bucle febril y exasperante.

La ridiculización del hombre coreano loco por las mujeres extranjeras, tachándole de peligroso y lujurioso constantemente es repetido en unos bosquejos de guión que se escriben antes de llegar a un resultado satisfactorio y que parece que aquí dicho resultado no ha tenido lugar.

Es una película olvidable, tres formas de contar una historia representando las posibilidades con la icónica imagen de una carretera con dos caminos como alternativa, de personajes estereotipados y  situaciones con poco sentido, de interpretaciones artificiales incluso la de Huppert por mucho que nos duela, realizada aparentemente sin esfuerzo en un ambiente de tranquilidad logrado por los hermosos paisajes y la calmante música de fondo.

El mundo de Hong Sang-soo es muy poético y bastante esotérico, pero también ligero y burlesco, por eso quizá no la hemos apreciado, no compartimos el humor ni la visión poética tan propia del cine oriental. Supongo que estas son las desventajas de vivir en otro país.

 http://www.golem.es/enotropais/

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