Feeds:
Entradas
Comentarios

Archive for the ‘film’ Category

POSTER 1

Título.: The Fault In Our Stars (Bajo la misma Estrella)

Director.: Josh Boone

Género.: Drama

Guión.: Scott Neustadter, Michael H. Webber basado en la novela de John Green

Fotografía.: Ben Richardson

Montaje.: Robb Sullivan

Música.: Mike Mogis, Nate Walcott

Productor.: Marty Bowen, Wyck Godfrey, Michele Imperato

Reparto.: Shailene Woodley, Ansel Elgort, Nat Wolff, Laura Dern, Sam Trammell, Willem Dafoe, Lotte Verbeek

Año.: 2014

Calificación.: ****

Lo mejor.: La valentía ante el cáncer

Lo peor.: La cruda realidad

 

Crítica

Hazel Grace tiene metástasis en los pulmones desde los 13 años. En varias ocasiones ha visto llegar su final… pero gracias a una medicación experimental ha conseguido alcanzar la adolescencia, sus médicos la llaman “el milagro”.

A pesar de todo, Hazel, totalmente madura para sus 18 años, asume y afronta su cáncer con valentía y naturalidad de una manera sorprendente aunque viva llevando a rastras una mochila con una bombona de oxigeno.

Pero Hazel no es tonta, sabe que su final puede llegar en cualquier momento, que es “una granada a punto de explotar”.

Por petición de sus padres acude a un grupo de apoyo para así relacionarse con chicos y chicas con su mismo problema. Rodeada de un sinfín de tipos de cáncer, conoce a Agustus Waters, un joven que padeció cáncer en su momento, pero que se encuentra totalmente curado.

Hazel, sumida en el desaliento y Augustus, exultantemente eufórico, se enamoran, sin pensar en un futuro feliz y próspero, tan solo porque ocurre, tan solo porque sí… y deciden esperar juntos a que el cáncer juegue sus cartas.

POSTER 2.jpg

La relación entre la joven pareja protagonista remite en su alegría de vivir lo efímero de la vida. El idilio de estos dos enfermos adolescentes es tan puro, tan de descubrimiento y disfrute de lo que significa un primer amor que les arrastra, y a nosotros con ellos.

Esa maravillosa y dolorosa experiencia que te sube a los altares pero también te desciende al infierno, que te hace volar al cielo, soñar con la infinidad eterna de los días contados y llorar de amargura y desesperación, de impotencia y rabia por la pérdida de tu alma, de ese ser que te permitía respirar sin pulmones, de esa persona que era alegría y sonrisa segura en tu vida.

Conmovedora, pero sobre todo valiente historia sobre el primer amor, pero con una visión completamente diferente del mismo. Un amor nunca planteado como eterno o para siempre, sino desde el principio enfocado con fecha de caducidad.

Y ante la pérdida, el sufrimiento no será tan solo algo, digamos emocional, también será físico por las secuelas que el cáncer deja en el cuerpo, en la mente, y en todos aquellos que te rodean.

The Fault In Our Stars no es una historia de sufrimiento aislada. Cierto es que tenemos una pareja protagonista, pero a la vez amigos, familia, ídolos… van desapareciendo o sufriendo de manera progresiva según avanza la historia.

Quizá el aplomo de ambos protagonistas, quizá su juventud, quizá su resignación, crea más de un escalofrío… la valentía es innegable, pero todo tiene un límite… el miedo y el dolor terminan apareciendo y siendo un personaje más.

Basada en la novela adolescente de John Green que ha vendido miles de ejemplares en todo el mundo, esta película de amor y dolor adolescente, posee una gran crudeza y realismo difíciles de asumir en situaciones tan trágicas.

POSTER 3.jpg

Shailene Woodley interpreta a Hazel Grace, nuestra protagonista. Descubierta en la serie Vida secreta de una adolescente, la carrera de Shailene Woodley no va sino en ascenso… obtuvo su primer papel serio en Los Descendientes junto a George Clooney, ha protagonizado la saga Divergente, realizado trabajos independientes como The Spectacular Now, y más recientemente Snowden y la nueva serie de HBO Big Little Lies.

Shailene enamora a la cámara por su solidez interpretativa, es un prodigio en plano corto, en la contención, la simpatía, los matices… nos muestra esa valentía de tener ya la fecha de caducidad y encontrar motivos para levantarse y continuar, ese desesperante no desesperar que la envuelve en cada escena. Su belleza increíblemente natural, su frescura, su normalidad…

A su compañero de reparto, Ansel Elgort, le conocimos en la saga Divergente. Una nueva y preciosa cara, dotado de una dulzura innata en una interpretación conmovedora.

Actores más veteranos acompañan a nuestros jóvenes amigos en esta historia de amor y cáncer (que no de lucha contra el cáncer): Laura Dern como la resignada madre de Hazel cuya misión en la vida es cuidar a su hija, concederle todos los deseos posibles y sobre todo no dejar de ser madre….

Willem Defoe encarna al autor del libro favorito de Hazel, es su ídolo e inspiración, pero resulta ser una persona muy diferente cuando le conoce: alcohólico y roto por la pérdida del cáncer una vez más.

Sam Trammell el cambiapieles de True Blood es el padre de Hazel.

La factura de The Fault in Our Stars es joven y dinámica, luminosa, optimista y emocionante. Su historia está dotada de una gran delicadeza gracias a su director, Josh Boone, que nunca hurga en la herida, y por su texto original con unas cuantas frases que calan por su contundencia, dando por resultado un cocktail entre lo emocional y lo inteligente.

POSTER 4

El éxito y el encanto de esta película (como de la novela de John Green en que se basa) tal vez se debe al modo en que acopla mundos discrepantes, muy hostiles, como la juventud y el cáncer, la vitalidad y la agonía, la pasión y el desahucio, el beso y el tubo de oxígeno, el sentido del humor y el dolor.

Se levanta un retrato de adolescentes alejados del egoísmo y con un trazo de madurez e inteligencia que le permite un aire grato a lo ingrato. Un dibujo sublimado por el dolor, la paciencia, la familia y las circunstancias.

The Fault in Ours Stars huye de la lágrima fácil pero sin dejar de abrazar la realidad, es una batalla donde la meta es no perder nunca el aliento explorando la felicidad, la emoción y la tragedia que supone estar vivo y enamorado.

La muerte nunca tuvo tan poca importancia, el dolor físico del cuerpo humano nunca fue tan olvidado ni relegado a un segundo plano.

 Trailer

Read Full Post »

poster-1

Título.: Frances Ha

Director.: Noah Baumbach

Género.: Comedia

Guión.: Noah Baumbach, Greta Gerwig

Fotografía.: Sam Levy

Montaje.: Jennifer Lame

Música.: Fabrice Absil, George Drakoulias, Sara Matarazzo, Britta Phillips

Productor.: Noah Baumbach, Oscar Boyson, Eli Bush, Fernando Loureiro

Reparto.: Greta Gerwig, Mickey Sumner, Michael Esper, Adam Driver, Michael Zegen, Grace Gummer

Año.: 2012

Calificación.: ****

Lo mejor.: Su frescura y naturalidad, imposible no caer rendido a los pies de Frances Ha

Lo peor.: …?

 

Crítica

Frances es una joven de 27 años que ha decidido, a pesar de su edad, cumplir su sueño de ser bailarina en una compañía de danza de Nueva York … nada más ni nada menos.

Vive con una amiga, no consigue mantener ninguna relación amorosa estable, pero aún así, disfruta de la vida con alegría y despreocupación, a pesar de que desea mucho más de lo que tiene, pero… ¿y quién no?

Frances Ha es una fábula moderna sobre la juventud, la amistad, la ambición, la lealtad y el optimismo; un auténtico soplo de veracidad. Dirigida por Noah Baumbach, autor de Una historia de Brooklyn, Margot y la boda, y la más reciente Mientras seamos jóvenes, cuenta con una gran maestría para describir las emociones; es una carta de amor de un cineasta a su musa, con su cámara abierta y con una calmada adoración, canalizando la búsqueda de la verdad.

poster-2

Su apariencia es sencilla pero espectacularmente emocional. La protagonista es encantadora, inteligente… y con un aire innegable en toda la factura del film a la Nouvelle Vague. Estamos ante una antiheroína en construcción, un desastre adorable que emociona.

Greta Gerwig interpreta a Frances de una manera inteligente y radiante. Recrea un ingenioso retrato sobre el paso a la vida adulta. Es una chica maravillosamente descentrada, amorosamente torpe, fundamentalmente excéntrica, ni guapa ni fea sino todo lo contrario, de la que te acabas enamorando sin remedio.

Su tono de comedia con tintes complejos e incluso dramáticos, armados sobre las excentricidades de su joven protagonista, constituyen un universo cómico con un afilado matiz dramático alrededor del doloroso devenir de una joven bailarina sin la suficiente brillantez para dejar de ser una suplente; de una chica que a veces ni siquiera sabe controlar su simpatía, de una persona con aspiraciones de primera, siempre relegada al segundo plano, de un ser que ambiciona la independencia mientras quiere estar rodeada de amistad, que busca y busca la cúspide y es una contradicción constante… quizá como todos nosotros.

La película está repleta de conversaciones de apariencia intrascendente que esconden una gran complejidad. Todo el éxito de la empresa depende de que el espectador acepte a la protagonista, Frances: sus tics y manías, su orgullosa forma de no solicitar la simpatía de los demás personajes pero sí la complicidad del espectador, sus peculiares bailecitos de elegante patosa (demasiado alta para ser la «Tiny Dancer» de Elton John), todo lo que la convierte en entrañable.

Esa Frances es inseparable de la actriz que la encarna, Greta Gerwig, musa de cierto cine indie del momento y del llamado cine mumblecore, además de pareja del director de la película con el que coescribió el guión.

Gracias a este papel se convierte en una de las actrices más interesantes del panorama actual de Estados Unidos saliendo de los cánones marcados por el gran Hollywood por su naturalidad, frescura y su forma tan desgarvada.

3.jpg

Puede que este retrato del paso de la adolescencia a la adultez sea algo que se haya contado miles de veces en el cine, pero algo tiene Frances Ha que la hace especial. Está claro que la energía inagotable de su protagonista hace que desde el minuto cero el espectador se encariñe e identifique con ella.

Con una impecable factura en blanco y negro, el recorrido vital de la protagonista se nos muestra de una manera muy rítmica y especial, casi con despreocupación, descuido, con ese toque de frescura, naturalidad y espontaneidad tan característico del cine francés. Encontramos referencias también al Woody Allen más clásico pasando por el estilo más noventero de Kevin Smith.

Frances es una artista cuyo estilo de vida es la vida misma, es una historia sobre los retos personales, la decepción, la liberación, la lealtad, el cariño y la persecución de los sueños.

Nominaciones.:

2013: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz (Greta Gerwig)

2013: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película y montaje

Trailer.:

Read Full Post »

poster-1

Título.: FRANK

Director.: Lenny Abrahamson

Género.: Drama

Guión.: Jon Ronson, Peter Straughan

Fotografía.: James Mather

Montaje.: Nathan Nugent

Música.: Stephen Rennicks

Productor.: David Barron, Noëlette Buckley, Katherine Butler

Reparto.: Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Scoot McNairy, François Civil, Carla Azar

Año.: 2014

Nacionalidad.: Británica – Irlandesa

Calificación.: ***

Lo mejor.: Fassbender con o sin cabeza de cartón.

Lo peor.: Cada look de Maggie Gyllenhaal es peor película tras película.

Crítica

Jon, un joven aspirante a músico, sin mucho talento, busca desesperadamente convertirse en un músico profesional. Gracias a un golpe fortuito del destino, pasa a formar parte de una excéntrica banda tras un primer concierto. Esa noche, conoce a Frank, el líder de la banda, un misterioso hombre que lleva una enorme cabeza de papel maché, con los ojos, nariz, pelo y orejas pintados.

La banda decide retirarse a una cabaña perdida en medio del bosque irlandés, donde transcurre esta historia, para componer su nuevo álbum, y arrastran a Jon con ellos, cuyo escaso talento no tiene nada de excéntrico.

El encierro en la cabaña se alarga, en ocasiones parece recordar a La Matanza de Texas por el entorno que les rodea y por la incapacidad de escapar de allí… los miembros de la banda, a cada cual más tarado, conviven, pelean e intentan, siguiendo la gran inspiración de Frank, reinventar la música desde sus orígenes basándose en todo aquello que les ofrece la naturaleza.: ruidos, texturas, olores… las divagaciones son continuas y el estilo musical, difícil de digerir.

Queda patente desde el inicio, que Frank no es solo su líder, es también su mesías, su guía espiritual, una especie de loco encantador amante entusiasta de la vida y capaz no solo de crear música a partir de todo aquello que encuentra a su paso, sino también de extraer todo tipo de sentimientos de las personas que se acercan a él. Por este motivo, toda la banda se cierra para adorarle y protegerle, a excepción de Jon, cuya obsesión por saber quién se esconde bajo esa enorme cabeza no para de crecer.

poster2

Sin consultar al resto, Jon decide lanzar a la banda a través de Twitter y Youtube mostrando esa larga convivencia, y dando como resultado un gran éxito en las redes sociales, además, intenta llevar a Frank a un lado digamos, más comercial musicalmente, lo que crea un gran enfrentamiento con el resto de los componentes… ¿están preparados para afrontar esa gran repercusión mediática?, es más, ¿están preparados para afrontar el mundo real?.

Frank es una película delirante y probablemente única (lo que no significa que sea buena, ni tampoco mala). Está llena de momentos locos pero a la vez, rodeada de un innegable aire de melancolía. Es un cine alternativo y probablemente inclasificable.

Inspirada en Chris Sievey, músico y cómico inglés que formo parte de la escena musical new wave de Manchester como cantante del grupo The Freshies, luego fue conocido por su personaje de Frank Sidebottom (parece un personaje de Harry Potter) en la escena cómica inglesa, su alter ego, que portaba una gran cabeza de cartón con la que cosechó un gran éxito.

Esa fina línea que a veces separa en la música el triunfo del fracaso, la gloria del ridículo y la genialidad de la bazofia, fue representada a la perfección por Chris Sievey y otras figuras de culto como Daniel Johnston, representantes al mismo tiempo de la experimentación vanguardista y de la espontánea sencillez, del universo propio y del mundo aparte, de la mente que todo artista desearía poseer y la mente que ningún ser humano quisiera tener.

Entre la lucidez y la pura enfermedad, con algún otro eco a The Doors de Oliver Stone en cuanto a excentricidad y desorden mental, Lenny Abrahamson (Room) dirige Frank y reflexiona sobre el proceso de creación de una banda de rock alternativo. Sabe moverse a la perfección entre excéntricos, ofreciéndonos una alegoría del malditismo artístico y deambulando entre la crítica de la tontería que a veces acompaña a ciertos grupos pedantes que creen hacer arte y sólo hacen mierda.

Lo que más cautiva de Frank, es que Michael Fassbender con una cabeza de cartón la mayor parte del metraje, consigue cautivarnos igualmente. Y es que Fassbender aunque no se ve… se nota.

Sirva como ejemplo la arriesgada decisión tomada por Spike Jonze en Her con Scarlett Johansson, la apuesta de Fassbender dentro de una enorme cabeza de cartón, también funciona. Fassbender no había estado nunca tan vulnerable, ni siquiera en Shame… ya sea cuando se libera de la cabeza o cuando tiene que enfrentarse a un concierto plagado de fans… y es que no todos los genios están preparados para el aplauso.

poster3

Estamos ante una película sobre la locura como impedimento para desarrollar una carrera profesional normal o… una vida normal, cuyo motor, cuando todo ha sido ya desenmascarado, es y sigue siendo, Frank.

La percepción alterada, por la pura disfuncionalidad mental es lo que se impone ante su sentido del humor mostrando la desolación absoluta.

Los temas musicales de la película fueron interpretados por todos los miembros del reparto ofreciéndonos un curioso repertorio de letras y sonidos absurdas y sin sentido que definen a la perfección que estamos viendo y escuchando algo, que muchos de nosotros no llegaremos a comprender y mucho menos a apreciar.

Trailer

http://www.magpictures.com/frank/

Read Full Post »

1

Título.: UN MONSTRUO VIENE A VERME

Director.: Juan Antonio Bayona

Género.: Drama Fantástico

Guión.: Patrick Ness, Siobhan Dowd

Fotografía.: Oscar Faura

Montaje.: Jaume Martí, Bernat Vilaplana

Música.: Fernando Velázquez

Productor.: Belén Atienza, Patrick Ness, Álvaro Augustín, Ghislain Barrois…

Reparto.: Lewis MacDougall, Felicity Jones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Toby Kebbell, James Melville, Geraldine Chaplin

Año.: 2016

Calificación.: **

Lo mejor.: La música de Fernando Velázquez.

Lo peor.: Su obviedad de principio a fin, obviedad plagada de historias moralistas sin sentido en la trama personal del protagonista.

 

Crítica

Esperadísima, alabadísima y de un gran éxito en taquilla (3,6 millones de espectadores), Un Monstruo Viene A Verme es última película de J.A. Bayona tras cuatro años de espera.

Nos cuenta la historia de Conor, un niño de 12 años que vive solo con su madre y que debe enfrentarse a la inminente muerte de ésta debido a un cáncer terminal.

Conor se encarga de la casa, de su madre, y de aliviar su dolor creando un mundo propio para evadirse de la dura realidad.

Sufre acoso escolar, su padre se marchó hace años con otra familia, su abuela materna es una especie de nazi con la que no se entiende, no tiene amigos y una pesadilla recurrente le acompaña cada noche, ¿bonito eh?

En dicha pesadilla Conor agarra a su madre con todas sus fuerzas para que la tierra no se la lleve… pero nunca llega al final de ese sueño, siempre despierta antes, sin saber si consigue retener a su madre o la pierde… ¿o… si sabe lo que ocurre?

La ventana de la habitación de Conor tiene unas preciosas vistas a un cementerio (ideal para el niño en esta situación) donde un milenario y majestuoso árbol tejo preside el recinto. Una noche, unos minutos después de las 12, el gran tejo cobra vida, convirtiéndose en un monstruo gigantesco que acude a ayudar a Conor. Le propone contarle 3 historias y al final de la tercera, deberá ser Conor quién cuente una última historia, la cuarta, LA VERDAD.

2

Podemos considerar esta película como el fin de la trilogía sobre la maternidad y la muerte que Bayona inició con El Orfanato y continuó con Lo Imposible.

La gran sensibilidad que Bayona posee para plasmar la maternidad ante la perdida es exquisita y conmovedora, la confrontación de las dificultades y horrores del mundo real, quedan plasmadas a través de una yincana fantástica con los cuentos de hadas como hilo conductor o juegos infantiles. Sucedía en El Orfanato con los juegos de los niños moviendo objetos de sitio, en Lo Imposible enfrentándose a las dificultades y aquí en cada una de las historias contadas por el monstruo.

Pero a diferencia de sus dos trabajos anteriores, ambos superiores a éste, en esta ocasión, LA VERDAD de Conor, no conmueve.

La obviedad dirige la historia de principio a fin, no hay giros, no hay sorpresas… y el tiempo se rellena con lecciones morales que poco tienen que ver con la realidad y la angustia del protagonista.

Si decidimos obviar esos giros, que quizá muchos consideren innecesarios (la historia es lo que es, enfrentarse al mundo real), entonces, es una historia que ya hemos visto en numerosas ocasiones y bastante mejor contada.

Conor se enfrenta a su monstruo, con el cual, inicia un viaje de aprendizaje por la verdadera naturaleza humana, pero dichas historias, como ya hemos comentado son irrelevantes y de forzada relación con los conflictos de Conor, lo que hace que el niño se enfade, y con toda la razón.

A pesar de ello, estas fabulas nos ofrecen lo mejor del film visualmente. Bayona emplea la animación con acuarela plasmada con una gran belleza empleando técnicas ya utilizadas por Spielberg o Peter Jackson.

Nos planteamos que quizá no se llegue a sentir el auténtico drama de la historia distraídos por la gran belleza de las imágenes, pero según avanzamos en la historia, vemos que no es así.

Fotograma de Un monstruo viene a verme  de J  A  Bayona

Gracias a una fotografía sobresaliente y la gran música de Fernando Velázquez, Un Monstruo Viene a Verme es un cuento dentro de otro cuento, manteniendo un buen equilibrio entre la fantasía y el drama del cáncer, pero repleto de momentos forzados.

La película se esfuerza por ser emocionante, emotiva, mágica… pero este triple efecto no siempre se cumple, e intenta buscar “El Momento” imponiéndolo al espectador aún cuando no da lugar. El enfrentamiento de Conor al niño que abusa de él en el colegio, por ejemplo, es absurdo, no tiene suficiente argumento, cualquiera de los abusos anteriores en los que el niño es golpeado hubiera tenido mucha más razón y emotividad que ante una despedida o ante que le digan que es invisible…. Pero había que meterlo con calzador dando lugar a una secuencia impactante visualmente y vacía emocionalmente.

Ver cómo las ansiedades de Conor se manifiestan en una criatura tan impresionante constituyen sin duda el leitmotiv de la cinta, pero finalmente la creación de Bayona es mucho ruido y pocas nueces.

La fantasía como evasión de la terrible realidad, de la muerte, no solo de su madre sino también de su niñez, son temas que con mucha mejor mano y magia ya plasmo Guillermo del Toro en su maravillosa El Laberinto del Fauno (Del Toro produjo El Orfanato de Bayona por lo que es inevitable la referencia).

La pérdida de esa inocencia, el paso de niño a adulto y el enfrentamiento a la soledad que ello conlleva, fue también mucho mejor plasmado por Robert Mulligan en Matar a un Ruiseñor (cuyo poster podemos ver en la habitación de la madre de Conor, otro guiño).

Y referencias a ese cine de iniciación lo vemos durante el visionado de King Kong de Conor junto a su madre, sin poder evitar pensar en los enormes ojos negros de Ana Torrent en El Espíritu de la Colmena la primera vez que la niña ve al monstruo de Frankenstein, que Víctor Erice nos mostró hace ya muchos años.

3

La intención de Bayona es hacernos caer en lo lacrimógeno con todo su empeño. En Lo Imposible dijeron que su lenguaje sentimental era obsceno, quizá en El Orfanato lo apreciamos de manera más leve…. Pero ambos trabajos anteriores de Bayona tienen mucha más historia que contarnos que esta, que bien hubiera servido para un cortometraje sin necesidad de prolongar la angustia.

Las interpretaciones de todos los actores son estupendas, destacando sobre todo a Lewis MacDougall, quién ya pasó desapercibido con su Peter Pan en la reciente Pan, y que esperemos que gane más notoriedad tras este papel.

Felicity Jones hace tiempo que es digna de admiración en todo lo que hace, y lo de Sigourney Weaver siempre serán palabras mayores (merecidísimo premio Donosti este año).

En resumen, la novela homónima de Patrick Ness (quién también firma el guión), y la adaptación al cine por el denominado “Spielberg español” (aún te queda mucho querido Bayona) es bastante decepcionante, bonita, pero no lo suficientemente redonda y que no debería, en ningún caso, cerrar con la frase textual y completa del final de E.T…. (Estaré aquí mismo)… no gracias Bayona, aún no eres Spielberg.

4

 

Trailer

http://www.focusfeatures.com/amonstercalls/video/trailer-the-first-look

http://www.universalpictures.es/es/peliculas/un-monstruo-viene-a-verme-59/

Read Full Post »

POSTER

 

 

Título: Una Pistola en Cada Mano

Director: Cesc Gay

Género: Comedia

Guión: Tomás Aragay, Cesc Gay

Música: Jordi Prats

Reparto: Eduard Fernández, Leonardo Sbaraglia, Javier Cámara, Eduardo Noriega, Candela Peña, Luis Tosar, Ricardo Darín, Alberto San Juan, Jordi Mollá, Leonor Watling, Cayetana Guillén Cuervo, Clara Segura.

Año: 2012

Calificación: ***

Lo mejor: Ese gran reparto repleto de estrellazas. Un lujo.

Lo peor: No admite revisión posible, con una vez basta.

Tras la grandiosa En La Ciudad, Cesc Gay vuelve ante nosotros con una radiografía de la vida amorosa de ocho hombres de hoy. Una serie de historias cruzadas, cinco en concreto, que componen uno de los mejores retratos posibles de la triste generación masculina que nos rodea.

Escrita con mimo, inteligencia y conocimiento de lo que es llegar a los 40 siendo un hombre, cuenta con un inmejorable reparto de intérpretes para hacer verosímil, sutil, inquietante y atractivo lo que nos pretende contar, sugerir y revelar.

Lo mejor sin duda es ir avanzando por cada una de las historias a la espera de qué magnificas estrellas compondrán la siguiente, que aunque ya lo sepas porque obviamente conoces el reparto antes de comenzar a verla, cuando cada uno de ellos aparece en pantalla con tales interpretaciones, es imposible no sonreír y disfrutar enormemente. Están todos fabulosos, extraordinarios e inolvidables, en un extremo ejercicio de perfección y entrega.

Cada una de las historias está llena de profundidad y gracia,  sus actores hacen de ella una película vivida más que interpretada, ya que son tan naturales que provocan pasmo. De nuevo Cesc Gay logra uno de sus habituales milagros, que todo suene verosímil

Los duelos interpretativos son de altísimo nivel, quizá el más memorable sea el de Ricardo Darín y Luis Tosar en ese parque, simplemente magnífico. Canela Peña obtuvo el Goya este año por su interpretación, realmente estupenda como lo es ella en sí misma.

poster2

Cada uno de ellos es lo que hace grande esta película que comienza en Barcelona. Seis hombres que superan la treintena en cinco encuentros necesarios, fortuitos o no, que funcionan como un espejo en el que reflejar sus miserias.

Seis pálidas miradas, tan patéticas como cercanas. Identificables, sinceras, destinadas a sonrojar a los de su especie contando por su puesto con una gran predisposición por parte de su público a dejarse intimidar, eso sí, con una copa de vino para que entre broma y broma el hachazo duela menos. Sin escudos, con una pudorosa sonrisa que en ocasiones se disfraza de carcajada.

Quizás el guión de Gay y Aragay ridiculice a los hombres en exceso contraponiéndoles ante unas mujeres estupendas y muy muy seguras de sí mismas, pero en ningún momento la imagen del hombre es irreal o exagerada., ¿por qué será?

Cesc Gay vuelve a repetir fórmula tras En La Ciudad al presentarnos varias historias a la vez y a pesar de ello no resulta agotador. Comparten la misma estructura narrativa a diferencia de que aquí los diferentes episodios cuentan con un final.

Cada jugada con la que el cineasta quiere demostrar la diferencia de sexos en términos sociológicos está bien estudiada. No ha sido necesario adaptar ningún texto sino poner en boca de ese soberbio elenco las vivencias de cualquier viandante de cualquier país desarrollado en los tiempos que corren y centrarse en el existencialismo del macho de a pie.

El cineasta catalán logra aunar en esto cinco episodios verdades como puños. Que el sexo masculino difiere en un alto grado del femenino ya lo sabíamos y Gay no viene a crear cátedra sino a sentenciar que la idiotez masculina se puede escribir con mayúsculas en cuanto el hombre no quiere etiquetar su conducta.

Quizá, como algunas películas de varios personajes se resiente que la arriesgada apuesta no centre la trama en una historia concreta, con la consiguiente indefinición que ello supone, pero ese es el cine de Cesc Gay y nos encanta. Nadie le puede negar a su realizador el mérito de haber construido un acertado retrato de las neuras masculinas.

poster3

Cesc Gay se ha convertido por lo tanto, en el más implacable cronista de su generación (urbanitas, en la cuarentena, profesionales liberales, traumas para dar y regalar; bloqueos afectivos que a veces se confunden con indiferencia).

Cesc Gay está construyendo una filmografía sencillamente impagable, que tanto contribuye a reconocer al hombre español en actitudes que tantas veces vemos, o sufrimos, en los otros, pero raramente en nosotros mismos.

Lo mínimo que se puede decir del film es que sabe transmitir con certeza comportamientos (casi) siempre lejanos al heroísmo, pero nunca chabacanamente cotidianos. ¿Le extraña a alguien que ellas sean mucho más coherentes que ellos, que sepan poner con precisión los adjetivos a sus sentimientos, que se comporten siempre con una gota más de humanidad? Insistimos de nuevo… por algo será, ¿no?

2012: Premios Goya: mejor actriz de reparto (Candela Peña)

2012: 4 Premios Gaudí, incluyendo mejor filme en otra lengua y guión

http://www.unapistolaencadamano.com/

 

Read Full Post »

POSTER

Título: Moonrise Kingdom

Director: Wes Anderson

Género: Comedia

Guión: Wes Anderson, Roman Coppola

Música: Alexandre Desplat

Reparto: Bruce Willis, Edward Norton, Francesc McDormandTilda Swinton, Bill Murray, Jared Gilman, Kara Hayward, Jason Schwartzman, Bob Balaban, Harvey Keitel.

Fotografía: Robert D. Yeoman

Año: 2012

Calificación: *****

Lo mejor: La perfecta combinación de un maravilloso trabajo artístico, una sinfonía simplemente mágica y  unos personajes infantiles inolvidables.

Lo peor: Que no la haya prestado atención antes. Y quizá también no ver un poquito más de Harvey Keitel.

Sam y Suzy son dos niños, quizá ya dos preadolescentes,  totalmente diferentes,  pero a la vez iguales.

Sus problemas para relacionarse con otros son más que evidentes, se abstraen en ellos mismos, sus sueños son lejanos, tienen sus propios mundos y una personalidad completamente definida… Pero un día Sam y Suzy se conocen.

Sam y Suzy se escriben, se apoyan el uno en el otro, se cuentan trivialidades, esperan con ansiedad noticias del otro. Un día Sam dice “¿Cuándo?”. Un día Suzy dice “¿Dónde? Y entonces deciden fugarse juntos.

El reino de Sam y Suzy es una playa virgen. Unas coordenadas cartográficas donde ni el egoísmo ni la maldad han asomado aún. Su aventura se extiende más allá de los últimos rayos de sol, con la luz tenue y cómplice de la luna, junto a una fogata y un libro abierto de par en par, que encharca de historias de heroínas sus mentes sin remedio.

Sam y Suzy son dos mitades de un solo ser. Dos niños que se han imaginado cientos de veces, detrás de cada charco, de cada colina, dándose la mano para cruzar las aguas. Dos almas escapando del mundanal ruido, de las vanas costumbres, saltado de piedra en piedra para no tropezar con la irremediable verdad.

Esa verdad que ven en los adultos que les rodean. Torpes, acomplejados, perdidos, solos. La verdad a la que dan la espalda y gritan “piérdete” tan fuerte como pueden.

Sabemos que vamos a contemplar algo diferente cuando les encontramos en el prado. Sam es muy “especial”, y Suzy… cuando ves a Suzy por primera vez en aquel prado, vestida de rosa puro… sencillamente sus ojos te apuñalan.

poster2

Wes Anderson lo ha vuelto a hacer. Sin que le tiemble el pulso ha desempolvado esa vieja caja de zapatos donde guardabas tus posesiones antaño, más preciadas y las ha colocado encima de la mesa, obligándote a jugar.

Moonrise Kingdom representa una especie de no-mágica Nunca Jamás – ese fugaz instante cuando el mundo puede ser tan pequeño que un ingenuo enamoramiento puede consumirlo todo.

Su visión es un placer constante que evoca alegrías, los terrores de la infancia y nos recuerda como volver a sentirnos vivos.

Su factura es estilizada, la película es perfecta de principio a fin, tan inteligente como emotiva. Calculadamente cerebral, conmovedora. Tan real como soñada. Tan cautivadora como precisa hablándonos de los misterios del primer amor derritiéndonos el corazón.

Anderson no deja de expandirse. Aquí perfecciona aún más su talento para la puesta en escena, la acompaña de una sinfonía íntima y a la vez majestuosa creada por Alexandre Desplat en un ejercicio de libertad creativa total y conmovedora intensidad emocional. Quizá su trabajo más delicioso y completo hasta el momento.

La narración de la historia se nos presenta entre bellas imágenes y una estética inmortal. Un cuento sobre el amor adolescente: imposible, loco e indivisible.

El estilo de Anderson es siempre inconfundible. Estamos ante una comedia afligida, una drama jubiloso de un director con una capacidad innata para dirigir repartos corales: Bruce Willis, Francesc McDormand, Edward Norton, Harvey Keitel, Bill Murray, Tilda Swinton… y ninguno ensombrece al otro, todos tienen su destacable lugar y su momento de gloria… que difícil conseguir esa coordinación actoral, sobre todo a nivel de guión, simplemente sorprendente y magistral.

Todo ese reparto coral es imprescindible en esta obra, pero está completamente diferenciado de nuestros protagonistas infantiles, un Jared Giman que asume su papel increíblemente bien… su personaje de Sam están diferente e innovador… al igual que la interpretación de Kara Hayward en el papel de Suzy… pocas veces vemos dos personajes infantiles tan carismáticos y especiales… es un trabajo brillante.

Podríamos pensar que Moonrise Kingdom es como si Peter Pan se vistiera de boy scout nerd con gafas de pasta gruesa para ligarse a una depresiva y solitaria Wendy y no estaríamos desencaminados.

Desde la presentación de la heroína, viviendo atrapada en una casa de muñecas con una familia disfuncional, esperando que su príncipe por correspondencia la lleve al País de Nunca Jamás, comienzan a llover numerosas referencias, detalles…  y nos introducen en el mundo de los libros, de la fantasía, de los boy scouts tan absurdos como entrañables, todo ello acompañado de una ironía constante y un grandioso sentido del humor.

El inicio de la película, su cabecera por decirlo de algún modo, nos guía en un tour a través de la casa de Suzy y de la mágica isla que iremos descubriendo en Moonrise Kingdom. Una voz en off nos acompaña emergiendo de un vinilo clásico, a su vez en un tocadiscos kitsch, que llega a ser otro personaje más en la película, informándonos sobre que instrumento oímos en cada nota de la majestuosa melodía creada por Desplat para la película, conformando una de las mejores secuencias de la historia del cine.

POSTER3

Wes Anderson es cool, es vintage. El director de Academia Rushmore, de Los Tenenbaums, de Viaje a Darjeeling, mantiene en esta última obra ese humor surrealista revestido de look demodé, hoy más de moda que nunca, imprescindible para los “putos” modernos o los indies de mierda que diría Mario Vaquerizo

Es, sin duda, un estilo particular, muy meritorio, en el que cada fotograma destila comedia por sí mismo. La imagen requiere de pocas palabras para provocar ese efecto mágico y diferente junto a un esfuerzo de la fotografía sorprendente e impresionante.

Pero Moonrise Kingdom no es solo un estimulo visual. Anderson demuestra una enorme habilidad, no sólo en el uso de la luz y del color, sino también en el manejo de la cámara, con esos desplazamientos laterales, arriba y abajo, que lo convierten en el rey del travelling. Pero además, nos ofrece los suficientes guiños nostálgicos como para satisfacer nuestra mirada puesta en el pasado.

Vibraremos con el tocadiscos portátil de Suzy, con el baile de guateque que se marca Sam en la playa antes de su primer beso, simplemente genial, o con esa partida de boy scouts en busca de dos adolescentes fugados… inolvidable.

El cine de Wes Anderson demuestra estar compuesto de la materia que puebla la mente de un niño. Excentricidad, imaginación y aventura se mezclan dando lugar a un cine extravagante, diferente, que alcanza un tono arrebatadamente singular.

Es una fábula que retrata la pre adolescencia como perfecto paraíso perdido. Una isla que es a la vez casa de muñecas y teatro de títeres en una espiral neobarroca de colores y decorados al servicio de una historia de amor, en la que la fijación por los fetiches de la infancia – de nuevo el tocadiscos a pilas, una carta escrita con letra temblorosa, unos prismáticos que todo lo ven– incendia una relación tierna y extravagante.

Es hermoso el modo en que la pureza de ese amor ensombrece el fracaso sentimental de los adultos, tiñendo de melancolía un relato que, en esencia, quiere captar el escalofrío de un primer beso a orillas del mar.

Tan ligera como una canción de Françoise Hardy, tan cristalina como una pieza de Henry Purcell, Moonrise Kingdom es lo más cerca que Anderson ha estado de la perfección.

poster4

 2012: Oscars: nominada a mejor guión original

2012: Globos de Oro: nominada a mejor película comedia

2012: Premios BAFTA: nominada a mejor guión original

2012: Critics Choice Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película

2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes

2012: Premios Gotham: Mejor película. Nominada a mejor reparto

2012: Independent Spirit Awards: 5 nominaciones, incluyendo mejor película y director

2012: Satellite Awards: Nominada a Mejor película y Mejor guión original

2012: American Film Institute: Top 10 – Mejores películas del año

2012: Premios Guldbagge: Nominada a mejor película extranjera

http://www.moonrisekingdom.com/

Read Full Post »

POSTER

Título: Desert Flower

Director: Sherry Hormann

Género: Drama

Guión: Sherry Hormann basado en la novela autobiográfica de Waris Dirie.

Música: Martin Todsharow

Reparto: Liya Kebede, Sally Hawkins, Meera Syal, Craig Parkinson, Timohy Spall, Anthonie Mackie, Juliet Stevenson

Productor: Peter Herrman, Waris Dirie entre otros

Año: 2009

Calificación: **

Lo mejor: Su valentía, dureza y realismo al enfrentarse al tema de la ablación.

Lo peor: Que sea un hecho real.

 

Flor del Desierto es la adaptación de la fascinante vida de Waris Dirie, top model somalí, primera mujer negra en ser portada de Vogue y años después una de las mayores activistas en la lucha de los derechos de las mujeres frente a las Naciones Unidas.

Cuando a la edad de 13 años, Waris se entera de que su padre tiene intención de casarla como cuarta esposa con un hombre mayor, se da cuenta de que no tiene más remedio que huir de Somalia.

Impactantes escenas nos muestran el viaje de la pequeña Waris atravesando el desierto somalí descalza, destrozándose los pies, pasando, hambre, calor y todo tipo de dificultades que hacen increíble creer que pudiera sobrevivir.

Con la ayuda de unos parientes, Waris viaja a Londres donde es recogida en la embajada somalí hasta que la guerra civil estalla en su país y la embajada cierra.

Una vez en la calle y ya siendo una hermosa mujer, debe sobrevivir como buenamente puede, hasta que un buen día es descubierta en un restaurante de comida rápida por el conocido fotógrafo Terry Donaldson, interpretado por el siempre entrañable y magnífico Timothy Spall.

Aquí cambia, o eso parece, la suerte de Waris, a un paso de convertirse en modelo internacional, pero un problema con su pasaporte la amenaza con la deportación.

De nuevo toca luchar por no ser devuelta a África, país que según avanza el film, nos muestra la dureza de su infancia y como fue mutilada allí a los tres años como manda su cultura.

POSTER3

El relato de la vida de Waris Dirie es la historia de cómo una joven y valiente africana emigra a Europa y lucha para erradicar uno de los más crueles y atroces rituales, la ablación o mutilación genital femenina.

La película dentro de que cuenta una historia de gran crudeza, no muestra imágenes fuertes a excepción de una, la escena de la ablación.

Dicha escena, mostrada casi al final de la cinta, es realmente insoportable, sobre todo por la hiperrealista interpretación de la niña pequeña. Sus gritos traspasan los tímpanos, la sangre sobre las piedras te encoge el estómago… pero es aquí donde reside la fuerza de su esencia.

Flor del Desierto estuvo en Venecia y obtuvo una buena acogida en el festival italiano, algo que se entiende perfectamente considerando que su mensaje es tan fácil de abrazar como simple en su forma de ser llevado a la pantalla.

Cinematográficamente no aporta nada nuevo, es sencilla y simple, consta de buen ritmo y un cierto estilo desenfadado, sobre todo en todas las secuencias que tienen lugar en Londres. Pero su mensaje, su denuncia social llega sin duda, por lo que cumple del todo su objetivo.

Liya Kebede destaca por su increíble belleza y dulzura en un papel hecho a su medida, aunque no lo tiene muy difícil la verdad.

Su personaje evoluciona desde la más profunda ignorancia, hasta un caminar firme y preciso por cada una de las mejores pasarelas del mundo. Pero en realidad Waris es una mujer que tiene miedo a abrirse al mundo a consecuencia de su religión, sus tradiciones familiares, y sobre todo por el dolor interno que le produce el no ser una mujer completamente.

waris

Es una historia dura y a la par llena de esperanza que nos muestra como una persona es capaz de conseguir salir adelante por muchos obstáculos que le ponga la vida y por muy complicada que esta sea. Como una joven que es protagonista de dos mundos totalmente distintos es capaz de sobrevivir y adaptarse a ambos.

Flor del desierto nace con una doble misión: llamar la atención sobre el horror de la ablación, y contagiar un espíritu de solidaridad y coraje a las mujeres que la sufren.

Su objetivo es diáfano y todo se articula en torno a la necesidad de llegar a públicos amplios y transmitir de un modo sencillo y soportable una realidad cruda y traumática.

La película se balancea entre el recuerdo de una tierra hostil en Somalia que guarda tradiciones intolerables desde lo racional y otro mundo posible en el que aún hay esperanza. Es el relato verídico de la modelo que se atrevió a reconocer públicamente que era una de las víctimas de la ablación, y que intento erradicar este horrible hecho, otro derecho humano aplastado.

http://www.youtube.com/watch?v=lHxvETioNL0

Read Full Post »

Older Posts »

El Biblionauta

Un viaje a los libros

El Biblionauta

Un viatge als llibres

nascaranda

peliculas, cine, criticas y algo de literatura fantastica

Bitácora Movies ©

Películas de cine, estrenos, sinopsis, críticas, reparto, tráilers.

joaomarques67

The greatest WordPress.com site in all the land!

Las crónicas de Dani Smithee

Sensaciones, impresiones y contradicciones

El cine que nos parió

El cine con mala leche.