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Archive for the ‘todo’ Category

MOONLIGHT

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Título.: Moonlight

Director.: Barry Jenkins

Género.: Drama

Guión.: Barry Jenkins, Tarell Alvin McCraney

Fotografía.: James Laxton

Montaje.: Jon McMillon, Nat Sanders

Música.: Nicholas Britell

Productor.: Brad Pitt, Tarell Alvin McCraney, Sarah Esberg, Dede Gardner

Reparto.: Trevante Rhodes, Mahershala Ali, Alex R. Hibbert, Janelle Monáe, Jharrel Jerome, André Holland

Año.: 2016

Calificación.: **

Lo mejor.: Mahershala Ali

Lo peor.: La falta de sentimientos a flor de piel

Crítica

Moonlight nos narra la historia del pequeño Chiron, desde su niñez, pasando por su adolescencia donde encuentra su primer amor, hasta el Chiron adulto y su reencuentro con ese amor que nunca olvidó.

Todo esto no es nada nuevo, pero la perspectiva cambia sustancialmente cuando conocemos que nuestro protagonista, Chiron, es un niño negro homosexual que se cría en un barrio marginal de Miami, con su madre drogadicta, con el narcotráfico siendo su salida profesional más viable, sufriendo acoso en el colegio y violencia en dicho barrio. De antemano conocemos el futuro que le espera.

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Chiron es un chico acorralado en el ambiente en el que crece, ser homosexual supone que te humillen, marginen o te arranquen la cabeza, algo que también vimos en Brokeback Mountain, pero con mucho más acierto, gusto, sensibilidad y sobre todo visceralidad.

En esta ocasión no nos encontramos el amor entre dos cowboys allí en las montañas de Brokeback, sino en guetos de la droga habitados por negros, donde el machismo más feroz es una religión implacable.

Chiron es muy inteligente, ve su futuro antes de que ocurra, lo que le hace ser hermético, atormentado y asustado. En vez de expresarse con la boca lo hace con la mirada, con una actitud huidiza y concentrada en sí mismo convirtiéndose en un chico hipersensible.

Su entorno familiar y ambiental está marcado por el crack, y nada menos que el dealer que controla toda la droga de la zona se convierte en su protector. Junto a su mujer, le ofrecerán comprensión y refugio. Le intuyen, respetan y quieren.

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El retrato que el director Barry Jenkins hace en esta su segunda película del personaje en tres épocas diferentes de su existencia pretende ser sutil y profundo, pero le falta fuerza, mucha fuerza.

Nos presenta un Chiron sufriente en la vulnerabilidad de la niñez, defendiéndose contra el abuso pero también descubriendo el amor y la ternura en la adolescencia y disfrazado de hombre duro y aparentemente triunfador a los veintitantos años, pero con el recuerdo intacto de su primera entrega íntima.

 Los sentimientos reciben un trato escaso en su descripción. No hay juicios morales, no busca la lágrima del espectador, y quizá por todo ello, tampoco emociona en demasía.

La carga emocional está plasmada con sobriedad, prefiriendo pequeños gestos, miradas, silencios y los diálogos justos, algo que bien tratado podría ser sublime pero que se queda a medio camino.

El lirismo de la película resulta demasiado púdico, casi subterráneo. Introspección en cada uno de los tres “Chirones” que vemos evolucionar, pero tanta introspección nos deja insatisfechos.

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Todo en esta película se hace a tientas, entre la ensoñación y la luz, intentando ofrecer una atmosfera de magia. Es cine sonámbulo en el que el espectador es invitado a compartir la aventura emocional de su protagonista entre la fiebre, el calor, el miedo… y el aburrimiento que toma posesión de todo lo que se pretendía.

El único momento que destacamos es aquel en el que Mahershala Ali enseña a nadar a Chiron, apreciando en esa simple lección acuática el único instante de protección de toda su vida. Mahershala Ali, es sin duda, con su buen hacer y su presencia, lo más destacable del film, lo que le valió el oscar al mejor secundario de este año.

Esta secuencia si es un gran momento, trata de volver a dotar al cine de la capacidad de descubrir las cosas por primera vez, de ahí su importancia, al igual quizá que su primer beso, su primer contacto piel con piel.

La ganadora del Oscar 2017 a la mejor película tiene sensibilidad no podemos negarlo, es quizá demasiado sutil en todo ese sufrimiento por una historia de amor que apenas empezó, y que lamentablemente, nos resulta terriblemente aburrida.

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Tráiler.:

  • español.:

  • inglés.:

 

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TARDE PARA LA IRA

POSTER 1

Título.: Tarde para la Ira

Director.: Raúl Arévalo

Género.: Thriller

Guión.: Raúl Arévalo, David Pulido

Fotografía.: Arnau Valls Colomer

Montaje.: Ángel Hernández Zoido

Música.: Vanessa Garde, Lucio Godoy

Productor.: Beatriz Bodegas

Reparto.: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Manolo Solo, Ruth Díaz, Raúl Jiménez

Año.: 2016

Calificación.: *****

Lo mejor.: La tensión de principio a fin.

Lo peor.: Un final inacabado???

 Crítica

José es un hombre tranquilo, pacífico y solitario sin novia o familia que pasa sus tardes en el bar que su amigo Juanjo regenta con su hermana Ana, por la que José se siente fuertemente atraído.

El novio de Ana, Curro, cumple una condena de 8 años por atraco con homicidio a una joyería, pero está a punto de salir y conocer a José… que guarda un secreto que interferirá en la vida de todos.

Con esta breve sinopsis resumiríamos tan solo el inicio, no queremos contar nada más para que aquellos que aún no la han visto, puedan sorprenderse paso a paso con esta gran película, a simple vista sencilla, pero que es uno de los mejores thrillers del cine español de los últimos años.

Tarde para la Ira supone el debut tras las cámaras del actor español Raúl Arévalo al que conocimos tras su participación en las primeras películas de Daniel Sánchez Arévalo (Azul Oscuro, Casi Negro, Primos…). Y este salto al campo de la dirección lo ha hecho directamente, sin un cortometraje previo como suele ser habitual. Arévalo se ha lanzado, pero para nada su ópera prima parece la película de un principiante. Se ha empapado de directores a los que admira como Sam Peckinpah, Carlos Saura o Alberto Rodríguez de los que encontramos más de un retazo en esta obra.

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El trabajo de Arévalo es mayúsculo en muchos aspectos.:

  1. Como buen actor y conocedor de su profesión, el casting que ha elegido es impecable, demostrando tener un gran olfato con los secundarios y ofreciéndonos una dirección de actores desde el nervio, física, desde lo más profundo.

A la cabeza un enorme Antonio de la Torre, que de unos años a esta parte, aparece en todas las películas españolas de calidad. Su José está creado desde la contención, y la rabia interior, actuando con la mirada, creando un personaje paciente, determinado y conciso. Un personaje que no se olvida con facilidad.

De la Torre compone un tándem estupendo con el magnífico y hasta ahora eterno secundario Luis Callejo. Callejo da vida a un Curro visceral, lleno de realismo, un hombre de extremos, pero que gracias a la relación que nace con De La Torre, aprende que nadie es ni tan bueno ni tan malo. Toda la violencia contenida de Curro se calma al entender los motivos de aquel que le extorsiona (De la Torre) o bien, tan solo desea salvar su propia vida y la de su familia… las dos interpretaciones son posibles.

El gran descubrimiento de la película es Ruth Díaz, quién interpreta a Ana. Fresca, bella, sutil, es el nexo de unión entre estos dos hombres, pero su interpretación no es para nada sencilla, y su personaje, lleno de fuerza, compone la pieza que lo ensambla todo.

La guinda a este pastel la obtenemos de la mano de Manolo Solo, otro gran secundario al que conocimos por su interpretación en la durísima La Herida, y aunque a penas tiene 8 minutos en pantalla, su personaje de El Triana nos ofrece el momento de más tensión de la película. Inolvidable y muy difícil de superar es la secuencia del gimnasio de boxeo y su trastienda, el inicio de la venganza de José, que nos pone los pelos de punta.

Manolo Solo con esa voz fingida, ese desparpajo y esa gracia, se alzó con el Goya al mejor actor secundario en 2016.

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  1. Se ha rodeado además de los mejores técnicos.

La fotografía de Arnau Valls Colomer crea una atmosfera sofocante y sucia que envuelve toda la trama. Se siente la enfermedad por la temperatura y el paisaje emocional de una narración que se expande desde la piel de cada actor a cada centímetro de la pantalla.

Rodada en 16mm como los thrillers de los 60 y 70, con ese grano y ruido en la imagen que enturbian aún más a una historia cautivadora y envenenada de ira.

Planos cercanos y nerviosos que tensan la mirada del espectador, empezando por la increíble secuencia de inicio tras el robo en la joyería (está grabada magistralmente) hasta pegarse a los personajes acercándose tanto a ellos que puedes sentir sus nervios, su agobio y su sed.

  1. Guión del propio Arévalo y David Pulido

La idea del guión de Tarde para la Ira nació de la mente de Raúl Arévalo hace 8 años. La productora de la película, Beatriz Bodegas tuvo que hipotecar su casa para levantarla y poder llevarla al cine, y finalmente se ha cumplido un sueño.

El director tiene muy claro lo que quiere contar, y lo cuenta bien. Dirige una trama de creación propia, sin reservarse ningún papel. Los personajes huelen a calle y a supervivencia, los diálogos y las situaciones son creíbles, una película con olor y sabor, un thriller desasosegante y certero.

Es un guión sin fisuras, que destila una inteligencia mayúscula, no sólo en lo que cuenta, si no también en como desgrana las diferentes situaciones y personajes.

Es género, sí, como el que vimos en La Isla Mínima de Alberto Rodríguez al que nos recuerda muchísimo, pero también nos recuerda a Deprisa, Deprisa de Saura por la tensión de un tiempo y de una España tan fea que hasta duele, y al que según Arévalo ha sido su gran influencia, Peckinpah.

Es una historia habitada por gente que siempre lo ha tenido crudo, dura y realista, con traiciones y una venganza cocinada lentamente, con imposible final feliz para nadie.

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  1. No parece la película de un principiante

Raúl Arévalo derrama estilo propio, pero empapado de furia y frescura.

Dirige esta historia con un itinerario concreto sobre el argumento y los personajes invitándote a tener una idea, una opinión… a posicionarte entre el “hazlo y el ya basta”. Tal vez ese «tarde» del título no se refiera a una parte del día sino al tempo de la película.

Si el guion es tenso, la realización de Arévalo aún lo es más, sin planos con alardes ni momentos prescindibles y llenos de arrebatos embadurnados de desesperación.

Nos da respuestas con cuentagotas, desplegándose a lo largo de una estructura por capítulos que arrastra al espectador gracias a la entrega de sus actores y a su nerviosa mano.

Lo único que no entendemos o nos chocó bastante fue el montaje de la escena final del bar, de ese momento que desde que entiendes que es lo que realmente ha ocurrido y quién es el culpable, ansías presenciar… te da hasta miedo… y no la vemos.

Desconocemos si es decisión del propio director, si fue un problema de montaje o bien cuestión de producción, pero desde luego, no es lo que esperábamos. Es lo único que no nos cuadra, y esto, por ponerle alguna pega.

Tarde para la Ira se hizo con 4 de los galardones más importantes de la pasada edición de los premios Goya.: Mejor dirección Novel, Mejor Actor de Reparto, Mejor guión original y Mejor película.

Ha sido una gestación lenta y paciente, pero este mostoleño se ha marcado una ópera prima que nos ha dejado pegados a la butaca, de las más potentes del cine español reciente, lástima que en ese mismo año compitiera con la magnífica Que Dios Nos Perdone… la elección es muy, muy complicada.

Arévalo ha entrado por la puerta grande de la dirección cinematográfica y nos ha dejado con ganas de ver más de él… pero mucho más.

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 Tráiler

http://lacanicafilms.com/tarde-para-la-ira_trailer/

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POSTER 1

Título.: Manchester by the sea

Director.: Kenneth Lonergan

Género.: Drama

Guión.: Kenneth Lonergan

Fotografía.: Jody Lee Lipes

Montaje.: Jennifer Lame

Música.: Lesley Barber

Productor.: Matt Damon, John Krasinski, Declan Baldwin, Lauren Beck

Reparto.: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Gretchen Mol, Lucas Hedges, Matthew Broderick, Tate Donovan

Año.: 2016

Calificación.: ****

Lo mejor.: El desgarrador momento de la tragedia acompañado del Adagio de Albinoni subrayando algo que no necesita ser realzado.

Lo peor.: Un final sin esperanza alguna, como sentencia el protagonista.: “No voy a superar esto, no quiero”.

 Crítica

Lee Chandler trabaja como oficial de mantenimiento en una comunidad de vecinos llevando una vida rutinaria y llena de soledad.

Un buen día Lee recibe la peor de las llamadas, su querido hermano mayor ha fallecido, y debe volver a su pueblo natal, Manchester by the sea (Massachusetts), para asistir al funeral y ocuparse de los asuntos familiares que quedan tras su hermano, entre ellos un hijo adolescente.

Pero según avanza la historia, sencilla a simple vista y desgranada en una serie de flashbacks, vamos deduciendo que Lee se marchó de Manchester by the sea por alguna razón; algo cambió su vida para siempre y le hizo buscar la soledad y la violencia cada noche en algún pub frente a una pinta.

No entendemos a Lee. Sabemos que adoraba a su hermano, vemos que se preocupa por su sobrino, pero insiste en aislarse, en no responsabilizarse de la única familia que le queda… desea seguir deambulando ausente de la vida que le rodea y ajeno a todo contacto humano que pueda significar algo real.

En una atmosfera apagada y eternamente gris, el protagonista es un muerto en vida que sigue en este mundo porque no puede evitarlo, se ve forzado a vivir.

Y entonces llegamos a ese momento, el momento culmen en que vemos el suceso por el que se encadena todo…y es el horror, horror en estado puro.

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Manchester frente al mar se hace grande a cada paso que da componiendo una fotografía borrosa de unas cicatrices que nunca curaron, un retrato de la culpa que se clava debajo de la piel, un fiel testimonio de la imposibilidad de recomponer un alma que se ha roto en mil pedazos, mostrándonos una tragedia inasumible. La pérdida mayúscula, la tragedia inacabable. Algo que ocurrió en el pasado y acaba por serlo todo.

Si algo nos enseña Manchester by the sea es como en una décima de segundo tu vida puede arruinarse por completo, como un error puede destrozarte y hacerte vivir un perpetuo infierno. Es una historia desgarradora, demasiado dura… envuelta en bruma y humedad, calando hasta los huesos igual que el pueblo costero donde transcurre.

Muerte… la muerte es un elemento siempre presente en Manchester by the sea, primero una muerte inicial ya asumida aunque dolorosa que constituye el punto de partida para guiarnos hacia una segunda muerte, la muerte desgarradora, trágica, inconcebible e inevitable.

Una lección moral que nos dice que hay cosas que el ser humano no puede superar, que jamás se curan, que el tiempo no es ningún doctor. Y es que a veces, la vida pesa hasta hacer desplomar al mismo alma, y que el hombre puede decidir asumir sus responsabilidades de una manera tortuosa, considerando que así lo merece y sin olvidarlo jamás.

La interpretación de Casey Affleck como Lee Chandler se alzó este año con el Oscar al mejor actor protagonista. Mejor actor también que su hermano (Ben Affleck) sin lugar a dudas… vemos a un personaje desgarrador y roto, pero desde una gran contención interpretativa y brindándonos momentos que nos llegan a congelar la sangre (crudísimo el momento de su declaración en comisaría). Vemos a un Affleck lleno de melancolía, derrota y desolación . Materializa su tortura íntima en su soledad, a través de la mirada. Una mirada hacia el abismo en la que no hay espacio para la redención.

Michelle Williams le acompaña en esta historia interpretando a la ex mujer de Lee, Rai. Michelle siempre está estupenda, y sobre todo debemos valorar de ella su gran criterio a la hora de elegir sus interpretaciones. Es una de las actrices más interesantes de su generación y aquí junto a Affleck, nos ofrece los momentos más intensos y crueles de la historia.

Lucas Hedges es el sobrino de Lee, realiza una interpretación fresca y como es habitual con este director, distante, fría… pero que encaja a la perfección en lo que quiere y sobre todo en como quiere contárnoslo.

Actores ya casi desaparecidos como Matthew Broderick o Gretchen Mol tienen su pequeña parte en la película encarnando a la familia de clase media americana que nos muestra este casi perfecto ejemplo de película indie americana casi de manual.

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El director, Kenneth Lonergan lleva años dedicado a dibujar personajes heridos y dañados por la pérdida. En su tercera película después de “Puedes contar conmigo” y “Margaret”, Lonergan compone algo mucho más profundo, lúcido y relevante que un simple drama, pero desde su contención, discreción e intimismo habitual huyendo siempre del exceso sentimental  y hablándole al espectador en voz baja.

La película entera se resuelve en los gestos cercanos, mínimos. En un día de pesca, en una pelea en el bar, en una jornada de trabajo. De ahí su grandeza; su capacidad para tocar lo más profundo, la imposibilidad de hablar de lo único que no se puede mantener en silencio, lo difícil que resulta vivir cuando todo hiere tanto.

El film rompe al espectador, es profundamente depresivo pero a la vez, ofrece distancia (el modo de contar historias de Lonergan). En manos de un director «apasionado» hubiera sido imposible atravesar esta película sin un par de paquetes de kleenex. Las historias escritas y dirigidas por Kenneth Lonergan estallan en la cabeza de sus protagonistas, mientras a su alrededor se establecen una serie de relaciones distantes y frías. Por ejemplo, Lee y su sobrino conviven cada uno a su manera con la pérdida y el dolor, escrutamos sus rostros mientras les ocurren las desgracias en una Ley de combustión lenta.

Los elementos de la historia van siendo expuestos, van configurándose y tomando forma de manera callada y sutil hasta que, cuando quieres darte cuenta, te ves atrapado en una historia llena de dolor y de verdad.

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Intenta representar en la pantalla este dolor en su dimensión más desgarradora, y lo hace a través de unas imágenes serenas en su superficie que contienen una furia y una rabia internas imposibles de describir. El director renuncia a la épica de la tragedia humana para intentar describir lo que significa la verdadera desolación y el vacío desde la más estricta austeridad emocional.

El resultado es una película que, a través de una elegancia conmovedora, nos introduce en los terrenos de la culpa y la pérdida hasta estallar en un grito de rabia sordo. Intenta mostrar que la vida sigue y que aún hay cosas que merecen la pena pero que ya no se quieren vivir.

Salir de la sala de cine después de ver “Manchester frente al mar” y hacerlo con buena cara, es algo ciertamente complicado.

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Tráiler

Inglés.:

http://www.manchesterbythesea.com.au

Español.:

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PRINCIPAL POSTER

Título.: Nocturnal Animals

Director.: Tom Ford

Género.: Thriller

Guión.: Tom Ford, Austin Wright (novela)

Fotografía.: Seamus McGarvey

Montaje.: Joan Sobel

Música.: Abel Korzeniowski

Productor.: Tom Ford, Mark Harris, Alexandra Nourafchan, Diane L. Sabatini

Reparto.: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Aaron Taylor-Johnson, Michael Shannon, Laura Linney, Isla Fisher, Armie Hammer, Michael Sheen, Jena Malone

Año.: 2016

Calificación.: *****

Lo mejor.: Su brillantez y sutileza en la venganza

Lo peor.: Los recortes del montaje

 Crítica

Cuando se es joven y soñador, pesa mucho más un gran amor romántico y dulce que puede aportarte toda la felicidad que crees posible. Pero como todo, el tiempo pasa, las prioridades cambian, y todo lo que fue amor sincero cede paso a la seguridad, la posición económica y el estatus social.

Pero nada es eterno, y con nada solemos conformarnos. Una vez que hemos alcanzado todo aquello que ambicionábamos, solemos encontrarnos solos en la cima de nuestro éxito, y es entonces cuando a nuestra mente vienen las consecuencias de nuestros actos y de las decisiones que tomamos, de cómo las tomamos y cómo han afectado a nuestra vida, nuestra conciencia y la vida de aquellos que dejamos atrás.

Todo esto es lo que pasa por la mente de Susan, una hermosa mujer, galerista de éxito, casada con el hombre perfecto, que vive en la casa perfecta, rodeada de amigos frívolos y de una vida completamente vacía.

Un día, recibe la primera novela de su ex marido, Edward, con el que no habla hace 20 años y al que abandonó de manera brutal y trágica. La novela lleva por título algo que él solía llamarla en la intimidad, Animal Nocturno. La lectura de esta novela y el recuerdo de Edward se pegan al cuerpo de Susan al igual que las sábanas de su cama, recuerda quién y cómo era cuando le amaba y removerá  todo su pasado hasta hacerla comprender su presente.

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Arthur Miller dijo sobre Marilyn Monroe, que la mejor manera de desenamorarte de una mujer era escribir sobre ella. La maravillosa novela de Alejandro Dumas, El Conde de Montecristo, es el gran ejemplo de la venganza por antonomasia y el paradigma de que ésta se sirve fría. Y es que Nocturnal Animals, la segunda película del diseñador Tom Ford tras A Single Man, es una brillante historia de venganza, sobrecogedora, sutil y que hiela la sangre.

Su vibrante atmosfera gracias a una fotografía soberbia, un gran ejercicio de estilo y una detallista concepción de la puesta en escena como es habitual en el diseñador, refleja los oscuros caminos de la mente hacia caminos nocturnos y polvorientos del Oeste de Texas (cierto toque a David Lynch) donde lo peor puede ocurrir y dónde por mucho que grites, nadie puede escucharte.

Ford nos muestra la desesperación de aquel que lo ha perdido todo con una extraordinaria habilidad combinando sordidez y romanticismo. Una historia dotada de una gran dureza que revela las consecuencias de lo que una persona puede hacerle a otra. Una historia de venganza salvajemente fascinante.

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Con un gran magnetismo debido a su embriagante banda sonora (de nuevo encontramos el toque Lynch), a esas miradas profundas que traspasan la pantalla…a la quietud en la soledad, a las palpitaciones del corazón, a la respiración entrecortada de una conciencia culpable… transitamos lugares inesperados impregnados de una melancolía tan perversa como dolorosa.

Las interpretaciones son absolutamente impecables, de lujo… destacando a un Aaron Taylor-Johnson imponente, cruel, malvado y despreciable… simplemente magnífico.

La protagonista, Amy Adams borda a una mujer cínica y caprichosa que ha preferido instalarse en la comodidad del lujo y la frivolidad, antes que enfrentarse a sus propias inseguridades para terminar evidenciando su profundo fracaso emocional hasta que los demonios del pasado se presentan en forma de libro. Un libro que destila bilis, ira y dolor. Un libro que es una trampa, un recuerdo venenoso, un débil que enmascara a un lobo.

El ex marido de Susan interpretado por Jake Gyllenhaal es un hombre común al límite en un doloroso trabajo físico, emocional y sensitivo, que como es habitual en él, Gyllenhaal realiza con una maestría asombrosa.

También encontramos a un Michael Shannon a su mismo nivel, jamás le vemos en una mala interpretación, dando aquí el tono ocre a la historia.

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Nocturnal Animals es un relato dentro de un relato (excelente manejo del tempo secuencial) que nos lleva a un laberinto magnético y turbio, ante un paseo por el lado más placentero de la humillación, el del ex amante.

Dos escenarios contrapuestos en uno solo: el relato salvaje, violento y muy cruento del relato ficcionado; y el real, donde Susan sufre una total introspección en plena lectura ante una vida muy del estilo de Ford: sofisticada, elegante y falsamente feliz, la crítica del director al mundo de la moda en el que se formó.

En esa mezcolanza de los dos mundos, el real y el de ficción, Ford elabora un film compacto y brillante, de blancos y negros muy acusados, desierto y polvo, joyas y glamour, pero en el que con mucha sutileza la trama se mueve hacia un lado muy dramático. Según avanza deja una sensación de grandeza, calidad y talento hacia una venganza soterrada e intelectual, mientras que página tras página el personaje del ex marido va cubriendo con un manto de culpa, casi invisible, al objeto de su desamor escrito con una pluma y un mazo.

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Tom Ford, como extraordinario director y escritor de cine, como contador de historias personales y con personalidad. Ford como creador de atmósferas y sensible demiurgo de todos estos animales nocturnos, los reales y los imaginarios, nos ofrece una película habilidosa en algunos tramos, inquietante en todos.

La huida y la venganza, la cobardía y la debilidad con un aire fatalista de cine negro, una película sobre la imposibilidad de caminar hacia delante cuando el remordimiento hace que tropieces a cada paso.

Marcel Proust dijo que “no se puede leer una novela sin poner en la heroína los rasgos de la mujer amada”, así vemos a esas mujeres pelirrojas como arquetipo de la crueldad, por hacer y por recibir, por mostrarnos lo que pudo ser y lo que fue realmente para un alma destrozada que crea una historia que nos hiela la sangre y nos deja en ese estado de duermevela de un animal nocturno cansado de serlo.

Impera un final mayúsculo, lleno de desesperanza y desasosiego. Un deleite para el ojo y un trago amargo para el alma a partes iguales.

Tráiler

http://focusfeatures.com/nocturnalanimals/video/trailer_2 – inglés

 

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Título.: Que Dios nos perdone

Director.: Rodrigo Sorogoyen

Género.: Policiaca

Guión.: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen

Fotografía.: Alejandro de Pablo

Montaje.: Alberto del Campo, Fernando Franco

Música.: Olivier Arson

Productor.: Mercedes Gamero, Gerardo Herrero, Mikel Lejarza, Pepe Torrescusa

Reparto.: Roberto Álamo, Antonio de la Torre, José Luis García Pérez, Fran Nortes, Javier Pereira, Luis Zahera, Raúl Prieto, Mónica López, Rocío Muñoz Cobo

Año.: 2016

Calificación.: *****

Lo mejor.: Roberto Álamo y su Alfaro… sin duda

Lo peor.: su realismo asusta

Crítica

Javier Alfaro, un policía de homicidios con problemas de conducta acaba de incorporarse a su trabajo tras un periodo de suspensión por agresión.

José Velarde es su compañero y además su antítesis… callado, retraído, tartamudo y absolutamente minucioso en sus investigaciones.

Ambos deben enfrentarse a un asesino en serie de ancianas que actúa en el centro de Madrid y cuyas pautas son.: ganarse la confianza de las ancianas hasta conseguir entrar en sus casas donde las viola y las mata a golpes.

Todo esto enmarcado en el verano de 2011 en Madrid.: Crisis económica, Movimiento 15-M y millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa.

Todos conviven en un Madrid caluroso, violento y más caótico que nunca.

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Que Dios nos perdone es la tercera película dirigida por Rodrigo Sorogoyen tras 8 Citas y la impactante Stockholm, y si dicen que a la tercera va a la vencida en el caso de Sorogoyen se cumple y culmina con esta tercera obra que fue sin duda la película española del año pasado a pesar de competir con otros grandes títulos como Tarde para la Ira que recogió todos los premios de la industria del cine español.

El estupendo casting realizado por Juana Martínez y mi querida Natalia Rodríguez (a la que mando un beso enorme por guapa y por ser cada día mejor profesional) está encabezado por la gran revelación actoral también del año pasado, un Roberto Álamo insuperable.

Álamo se dio a conocer en teatro con su interpretación del boxeador Urtain que quedó grabada en la memoria de todos. Tras verle en innumerables títulos que abarcan desde Días de Fútbol pasando por doctor de la televisiva Águila Roja, consiguió su primer premio Goya en 2013 como mejor actor secundario por su papel de disminuido mental en La Gran Familia Española dirigida por Daniel Sánchez Arévalo. Pero fue el año pasado dónde su presencia en cada gala de premios fue innegable. Ganó el Goya al mejor actor principal por su interpretación de Javier Alfaro en la película que nos ocupa y lo hizo de una manera aplastante.

Roberto Álamo es una bestia actoral física e interpretativamente. Un monstruo de la interpretación algo salvaje, visceral y con una fuerza interpretativa que te remueve en tu butaca, ya le veas en pantalla grande o en teatro como ocurrió también el pasado año con la obra “Lluvia Constante” donde pudimos disfrutarle y hasta sentirle diría yo, con un personaje algo similar a el Alfaro de Sorogoyen eso sí.

Pero en Que Dios Nos Perdone, Álamo debe enfrentarse a otro grande… no solo grande, grandísimo genio de la interpretación como es Antonio de la Torre, que interpreta a su compañero José Velarde. Todos los adjetivos y palabras que podamos dedicar a Antonio de la Torre en este post serían insuficientes, ya que aborda y domina todos los registros con el mismo nivel de calidad. Su Velarde en esta película es conmovedor, riguroso, contenido (como sus últimas interpretaciones en pantalla) y hace un tándem perfecto con su compañero, no se podría entender el papel del uno sin el contrapunto del otro.

Muy destacable es también la interpretación y cambio físico (asombroso) de Javier Pereira, actor no muy santo de mi devoción pero que aquí sin duda consigue introducir el contrapunto sádico y ensordecedor de la película. Su asesino de ancianas da miedo… por su rictus, su agresividad y su calma ante la muerte y la violencia mostrándonos una mente completamente enferma y violenta.

Nos ha alegrado mucho poder ver también a Fran Nortes en esta película. Acostumbrados a verle en teatro o bien haciendo de padre Alejandro en La Que Se Avecina, este fantástico actor, dotado de una vis cómica especial, parece ir haciéndose un hueco en el cine y nos encanta porque sabemos que es uno de los mejores.

Otro secundario destacable es Luis Zahera, que aglutina como nadie la intensidad con el control demostrando que la mirada, y la calma del director para posar su cámara en ella, es tan esencial como el texto. Que Dios nos perdone confirma que Sorogoyen no solo sabe dónde poner las cámaras sino que tiene algo que contar.

Que Dios nos perdone PELICULA

Nos encontramos con un análisis entre la delgada línea que separa la agresividad (rasgo común que el ser humano tiene con el resto de mamíferos) de la violencia (para esta otra ya es necesario tener imaginación). Y lo hace a través de la angustia, el sudor, la bilis y, finalmente, el vacío de unos tipos que están condenados a cada paso que dan.

La película nos muestra el perfil de tres personajes psicóticos.:

  1. Un inspector asocial cuyo oficio le ofrece la oportunidad de evadirse de todo lo que le rodea.
  2. Otro inspector violento y salvaje.
  3. Y un personaje oculto que se mueve por la película como una sombra.

Todo el trabajo de dirección se mantiene atento a la temperatura de los cuerpos, la historia pretende ser simplemente fiebre y la más gráfica expresión de lo turbiamente imaginativos que podemos llegar a ser cuando de lo que se trata es de hacer daño, aunque muy sabiamente su director no poetiza lo sórdido.

El retrato que Rodrigo Sorogoyen ha compuesto de la capital es descorazonador a nivel social. Los grandes thrillers y el mejor cine negro siempre dicen más sobre la sociedad en la que se desenvuelven que sobre el caso en sí.

Su complejidad y su genio residen en los subtextos y su radiografía social, nunca en la trama o la intriga. Los asesinos en serie, son productos de una época y un ambiente, y acaban conformando un retrato ético de un colectivo; aquí, de un tiempo de soledad y amargura, de violencia y cochambre, de inmundicia física y decrepitud moral. Que el criminal de la película mate y viole viejas solitarias en el centro de Madrid no es baladí, es un estado de la cuestión.

Un Madrid de desconchones y humedades, de papel pintado roído y persianas rotas, de mugre en las calles y en las entrañas, un universo de pecado que pulula desde el título hasta el interior de buena parte de los personajes.

Con un trabajadísimo guion de Isabel Peña y el propio Sorogoyen, la película te agarra y no te suelta gracias a un soberbio trabajo de dirección artística y puesta en escena (vibrante, incluso frenética y angustiosamente desasosegante), con una cámara vehemente y muy atractiva de su director, ágil y elegante, utilizando el gran angular con descaro y exactitud. Lo que pretende, y consigue la película es ponernos a todos, a través de esos personajes atormentados, ante un valleinclanesco espejo cóncavo que nos devuelve una figura deformada que, tristemente, está mucho más cerca de la realidad de lo que nos gustaría.

Una realidad en la que la violencia (física, intelectual, oral…) parece ser el único estímulo, la única razón de ser, el único oxígeno.

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La película, efectivamente, es mucho más que un ‘thriller’ policíaco. Es una película que habla de política, del enfado de la gente de la calle, de la religión, de cómo un país aconfesional se vuelve religioso por la visita del Papa.

Cine español de gran calidad, de factura perfecta y más que correcta en sus localizaciones y persecuciones en el centro de Madrid (uno de los lugares más complejos para poder grabar), con insistimos, un fantástico guión que no da puntada sin hilo y en el que no hay cabos sueltos, por su dirección, interpretaciones, fotografía y montaje… no vemos ningún defecto y es que Sorogoyen como dice Álamo, “es el mejor director de cine de este país”…

Nosotros no podemos afirmar que sea el mejor, pero desde luego con su tercera película se confirman las buenísimas vibraciones que nos regaló en Stockholm y nos ha demostrado que es capaz de dirigir a la perfección grandes y complejas producciones con una destreza asombrosa.

El resultado, un ‘thriller brillante que acaba por convertirse en síntoma de un tiempo (éste que vivimos) esencialmente violento, que no sólo agresivo. Un angustioso e irrespirable retrato de la crueldad que nos asiste.

“Que Dios nos perdone por esta realidad sombría, entre contenedores atestados de basura y almas ennegrecidas por nuestros errores.”

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POSTER 1

Título.: The Fault In Our Stars (Bajo la misma Estrella)

Director.: Josh Boone

Género.: Drama

Guión.: Scott Neustadter, Michael H. Webber basado en la novela de John Green

Fotografía.: Ben Richardson

Montaje.: Robb Sullivan

Música.: Mike Mogis, Nate Walcott

Productor.: Marty Bowen, Wyck Godfrey, Michele Imperato

Reparto.: Shailene Woodley, Ansel Elgort, Nat Wolff, Laura Dern, Sam Trammell, Willem Dafoe, Lotte Verbeek

Año.: 2014

Calificación.: ****

Lo mejor.: La valentía ante el cáncer

Lo peor.: La cruda realidad

 

Crítica

Hazel Grace tiene metástasis en los pulmones desde los 13 años. En varias ocasiones ha visto llegar su final… pero gracias a una medicación experimental ha conseguido alcanzar la adolescencia, sus médicos la llaman “el milagro”.

A pesar de todo, Hazel, totalmente madura para sus 18 años, asume y afronta su cáncer con valentía y naturalidad de una manera sorprendente aunque viva llevando a rastras una mochila con una bombona de oxigeno.

Pero Hazel no es tonta, sabe que su final puede llegar en cualquier momento, que es “una granada a punto de explotar”.

Por petición de sus padres acude a un grupo de apoyo para así relacionarse con chicos y chicas con su mismo problema. Rodeada de un sinfín de tipos de cáncer, conoce a Agustus Waters, un joven que padeció cáncer en su momento, pero que se encuentra totalmente curado.

Hazel, sumida en el desaliento y Augustus, exultantemente eufórico, se enamoran, sin pensar en un futuro feliz y próspero, tan solo porque ocurre, tan solo porque sí… y deciden esperar juntos a que el cáncer juegue sus cartas.

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La relación entre la joven pareja protagonista remite en su alegría de vivir lo efímero de la vida. El idilio de estos dos enfermos adolescentes es tan puro, tan de descubrimiento y disfrute de lo que significa un primer amor que les arrastra, y a nosotros con ellos.

Esa maravillosa y dolorosa experiencia que te sube a los altares pero también te desciende al infierno, que te hace volar al cielo, soñar con la infinidad eterna de los días contados y llorar de amargura y desesperación, de impotencia y rabia por la pérdida de tu alma, de ese ser que te permitía respirar sin pulmones, de esa persona que era alegría y sonrisa segura en tu vida.

Conmovedora, pero sobre todo valiente historia sobre el primer amor, pero con una visión completamente diferente del mismo. Un amor nunca planteado como eterno o para siempre, sino desde el principio enfocado con fecha de caducidad.

Y ante la pérdida, el sufrimiento no será tan solo algo, digamos emocional, también será físico por las secuelas que el cáncer deja en el cuerpo, en la mente, y en todos aquellos que te rodean.

The Fault In Our Stars no es una historia de sufrimiento aislada. Cierto es que tenemos una pareja protagonista, pero a la vez amigos, familia, ídolos… van desapareciendo o sufriendo de manera progresiva según avanza la historia.

Quizá el aplomo de ambos protagonistas, quizá su juventud, quizá su resignación, crea más de un escalofrío… la valentía es innegable, pero todo tiene un límite… el miedo y el dolor terminan apareciendo y siendo un personaje más.

Basada en la novela adolescente de John Green que ha vendido miles de ejemplares en todo el mundo, esta película de amor y dolor adolescente, posee una gran crudeza y realismo difíciles de asumir en situaciones tan trágicas.

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Shailene Woodley interpreta a Hazel Grace, nuestra protagonista. Descubierta en la serie Vida secreta de una adolescente, la carrera de Shailene Woodley no va sino en ascenso… obtuvo su primer papel serio en Los Descendientes junto a George Clooney, ha protagonizado la saga Divergente, realizado trabajos independientes como The Spectacular Now, y más recientemente Snowden y la nueva serie de HBO Big Little Lies.

Shailene enamora a la cámara por su solidez interpretativa, es un prodigio en plano corto, en la contención, la simpatía, los matices… nos muestra esa valentía de tener ya la fecha de caducidad y encontrar motivos para levantarse y continuar, ese desesperante no desesperar que la envuelve en cada escena. Su belleza increíblemente natural, su frescura, su normalidad…

A su compañero de reparto, Ansel Elgort, le conocimos en la saga Divergente. Una nueva y preciosa cara, dotado de una dulzura innata en una interpretación conmovedora.

Actores más veteranos acompañan a nuestros jóvenes amigos en esta historia de amor y cáncer (que no de lucha contra el cáncer): Laura Dern como la resignada madre de Hazel cuya misión en la vida es cuidar a su hija, concederle todos los deseos posibles y sobre todo no dejar de ser madre….

Willem Defoe encarna al autor del libro favorito de Hazel, es su ídolo e inspiración, pero resulta ser una persona muy diferente cuando le conoce: alcohólico y roto por la pérdida del cáncer una vez más.

Sam Trammell el cambiapieles de True Blood es el padre de Hazel.

La factura de The Fault in Our Stars es joven y dinámica, luminosa, optimista y emocionante. Su historia está dotada de una gran delicadeza gracias a su director, Josh Boone, que nunca hurga en la herida, y por su texto original con unas cuantas frases que calan por su contundencia, dando por resultado un cocktail entre lo emocional y lo inteligente.

POSTER 4

El éxito y el encanto de esta película (como de la novela de John Green en que se basa) tal vez se debe al modo en que acopla mundos discrepantes, muy hostiles, como la juventud y el cáncer, la vitalidad y la agonía, la pasión y el desahucio, el beso y el tubo de oxígeno, el sentido del humor y el dolor.

Se levanta un retrato de adolescentes alejados del egoísmo y con un trazo de madurez e inteligencia que le permite un aire grato a lo ingrato. Un dibujo sublimado por el dolor, la paciencia, la familia y las circunstancias.

The Fault in Ours Stars huye de la lágrima fácil pero sin dejar de abrazar la realidad, es una batalla donde la meta es no perder nunca el aliento explorando la felicidad, la emoción y la tragedia que supone estar vivo y enamorado.

La muerte nunca tuvo tan poca importancia, el dolor físico del cuerpo humano nunca fue tan olvidado ni relegado a un segundo plano.

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Título.: The Revenant (El Renacído)

Director.: Alejandro González Iñárritu

Género.: Thriller / Drama / Aventuras

Guión.: Mark L. Smith, Alejandro González Iñárritu, basada en la novela de Michael Punke

Fotografía.: Emmanuel Lubezki

Montaje.: Stephen Mirrione

Música.: Carsten Nikolai as Alva Noto, Ryûichi Sakamoto.

Productores: Alejandro González Iñarritu, Philip Lee, Markus Barmettler…

Reparto.: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Paul Anderson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Chesley Wilson, Grace Dove

Año.: 2015

Calificación.: ****

Lo mejor.: Leonardo DiCaprio está tan enorme que no necesita hablar.

Lo peor.: Esa ligera inducción al mundo de Terrence Malick

Crítica

Un primer plano; una primera nota de la banda sonora; una secuencia inicial tan impactante que te introduce de golpe en la pantalla. A continuación la historia, y solo en cuestión de segundos, te atrapa en un ambiente de hielo y muerte.

The Revenant, la última película de Alejandro González Iñárritu tiene uno de los inicios más intensos del cine, impactante, lleno de fuerza, casi tanto como lo fue el Desembarco en Normandía que Spielberg nos brindó en Salvar al Soldado Ryan.

Incesante dolor y movimiento, que más adelante, no mucho más, llega a su culmen mediante el brutal ataque de un oso. La respiración se corta, te obligas a apartar la vista, su crudeza hace que esta secuencia sea, simplemente, insoportable.

Si encontramos y sentimos esto nada más comenzar una película, tan solo hay una conclusión posible… THE REVENANT es una obra enorme.

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Tras romper su relación con su guionista habitual Guillermo Arriaga, Alejandro González Iñárritu experimenta una evolución constante.

Atrás parecen haber quedado esas brillantes y sobrecogedoras historias cruzadas que conformaron su primera trilogía.: Amores Perros, 21 Gramos y Babel.

Su siguiente film, Biutiful nos mostró sin lugar a dudas esa ruptura, encontrándonos a un Iñárritu menor, regodeándose en el drama sin ningún tipo de empatía, ahogándonos, agotándonos en un ambiente demasiado turbio, tanto dramatical como estéticamente, lo que podríamos denominar “pornografía sentimental”.

Creímos que comenzaba ahí una inevitable cuesta abajo, que le habíamos perdido, pero entonces… entonces llegó Birdman y nos ganó de nuevo.

El Iñárritu de Birdman nada tiene que ver con toda su obra anterior, su dirección es completamente innovadora. Falsos planos secuencia, la cámara deambulando sin descanso a ritmo de jazz, bailando en una atmosfera asfixiante, volviéndonos tan locos como su protagonista.

Ahora con The Revenant vuelve a superarse.

Dicen que nada igual se ha hecho (no estoy completamente de acuerdo), una vez la película se adueña de ti, no puedes salir, no puedes dejar de mirar, el sobrecogedor paisaje de las rocosas te atrapa con su belleza mortal. The Revenant consigue helarte hasta el aliento.

Estamos ante un Iñarritú más maduro, que se introduce aún más en la psique de sus personajes, pero de una manera diferente a la abordada hasta ahora con personajes acorralados frente al espejo. Esta vez no se queda solo ahí, las musas y los escritores clásicos le han visitado, nos muestra al hombre contra la naturaleza.

The Revenant tiene algo de Joseph Conrad y su Corazón de las Tinieblas, e innegablemente en su mayoría bebe de la fuente de Terrence Malick. El Nuevo Mundo, El Arbol de la Vida… toman más de una vez posesión del metraje de The Revenant. Los indios y sus masacres, la quietud en los paisajes, el silencio y una banda sonora compuesta de sonidos ambientales constantes por encima de la composición musical.

¿Cual es el sello de Iñárritu? ¿Su huella, su seña personal, su firma? Nos descoloca por completo.

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Un soberbio Leonardo DiCaprio toma las riendas al frente de esta cruzada, enfrentándose a dos poderosos enemigos, un enorme Tom Hardy y el cruel paisaje que aquí es igual de mortal que cualquier asesino.

Con apenas diálogo, DiCaprio nos muestra uno de sus personajes más viscerales, impregnado de dolor y sufrimiento con cada gesto.

Glass, el personaje interpretado por DiCaprio deberá luchar contra la naturaleza gélida y salvaje, contra los hombres considerados sus iguales y con aquellos otros considerados “inferiores” en una constante lucha por la supervivencia.

Sus escenas son tan violentas y dolorosas que quizá nos planteamos como en La Pasión de Cristo  de Mel Gibson, si este personaje debería también alzarse al estatus de Dios.

Particularmente creemos que fue mucho más interpretativo en El Lobo de Wall Street de Scorsese, interpretación en la que aún no nos explicamos como no le otorgaron el premio de la academia y si lo obtuvo por este papel, pero es que ya se lo debían desde hace mucho tiempo y debía ser suyo por ley.

El gran secundario es el actor del momento, un Tom Hardy que ya compartió cartel con DiCaprio en Inception, y que desde entonces vimos y sabíamos que tenía algo, que no era una cara más… su Bane en el Batman de Christopher Nolan fue sublime, su aparición en la serie británica Peaky Blinders superlativa, y uno de sus últimos trabajos, Mad Max ganó nada menos que 6 Oscars, aunque en esta Charlize Theron le recorte terreno por todas partes.

Es un secundario con mayúsculas, capaz de enfrentarse a DiCaprio y consiguiendo que la pantalla se divida en dos, dos monstruos interpretativos enfrentados en unos de los duelos más crueles y duros en la historia del cine.

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Domhnall Gleeson es el otro chico de moda que también encontramos en The Revenant. Gleeson Jr como le llaman, hijo del magnífico y adorado Brendan Gleeson, aparece últimamente en todas las producciones de renombre.: Ex Machina, Star Wars el despertar de la fuerza, Black Mirror Temporada 2…

Siempre es agradable tener su presencia, su sencillez y naturalidad… esperamos verle dotado de algo más de brío en apariciones posteriores, porque nos gusta cuidar a los hijos de nuestros actores favoritos.

Emmauel Lubezki, brillante director de fotografía con obras como Birdman, Gravity por la que consiguió el Oscar al igual que en la película que nos ocupa, Sleepy Hollow o Hijos de los hombres, realiza un trabajo sobrecogedor.

Planos inmejorables, panorámicas soberbias captando la bellísima y desoladora belleza del paisaje de las rocosas y mostrándonos con su cámara un gran dinamismo de personajes.

The Revenant inunda nuestra retina, no ofrece apenas descanso alguno al espectador, es una película sin duda sobresaliente.

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