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FRANK

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Título.: FRANK

Director.: Lenny Abrahamson

Género.: Drama

Guión.: Jon Ronson, Peter Straughan

Fotografía.: James Mather

Montaje.: Nathan Nugent

Música.: Stephen Rennicks

Productor.: David Barron, Noëlette Buckley, Katherine Butler

Reparto.: Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Scoot McNairy, François Civil, Carla Azar

Año.: 2014

Nacionalidad.: Británica – Irlandesa

Calificación.: ***

Lo mejor.: Fassbender con o sin cabeza de cartón.

Lo peor.: Cada look de Maggie Gyllenhaal es peor película tras película.

Crítica

Jon, un joven aspirante a músico, sin mucho talento, busca desesperadamente convertirse en un músico profesional. Gracias a un golpe fortuito del destino, pasa a formar parte de una excéntrica banda tras un primer concierto. Esa noche, conoce a Frank, el líder de la banda, un misterioso hombre que lleva una enorme cabeza de papel maché, con los ojos, nariz, pelo y orejas pintados.

La banda decide retirarse a una cabaña perdida en medio del bosque irlandés, donde transcurre esta historia, para componer su nuevo álbum, y arrastran a Jon con ellos, cuyo escaso talento no tiene nada de excéntrico.

El encierro en la cabaña se alarga, en ocasiones parece recordar a La Matanza de Texas por el entorno que les rodea y por la incapacidad de escapar de allí… los miembros de la banda, a cada cual más tarado, conviven, pelean e intentan, siguiendo la gran inspiración de Frank, reinventar la música desde sus orígenes basándose en todo aquello que les ofrece la naturaleza.: ruidos, texturas, olores… las divagaciones son continuas y el estilo musical, difícil de digerir.

Queda patente desde el inicio, que Frank no es solo su líder, es también su mesías, su guía espiritual, una especie de loco encantador amante entusiasta de la vida y capaz no solo de crear música a partir de todo aquello que encuentra a su paso, sino también de extraer todo tipo de sentimientos de las personas que se acercan a él. Por este motivo, toda la banda se cierra para adorarle y protegerle, a excepción de Jon, cuya obsesión por saber quién se esconde bajo esa enorme cabeza no para de crecer.

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Sin consultar al resto, Jon decide lanzar a la banda a través de Twitter y Youtube mostrando esa larga convivencia, y dando como resultado un gran éxito en las redes sociales, además, intenta llevar a Frank a un lado digamos, más comercial musicalmente, lo que crea un gran enfrentamiento con el resto de los componentes… ¿están preparados para afrontar esa gran repercusión mediática?, es más, ¿están preparados para afrontar el mundo real?.

Frank es una película delirante y probablemente única (lo que no significa que sea buena, ni tampoco mala). Está llena de momentos locos pero a la vez, rodeada de un innegable aire de melancolía. Es un cine alternativo y probablemente inclasificable.

Inspirada en Chris Sievey, músico y cómico inglés que formo parte de la escena musical new wave de Manchester como cantante del grupo The Freshies, luego fue conocido por su personaje de Frank Sidebottom (parece un personaje de Harry Potter) en la escena cómica inglesa, su alter ego, que portaba una gran cabeza de cartón con la que cosechó un gran éxito.

Esa fina línea que a veces separa en la música el triunfo del fracaso, la gloria del ridículo y la genialidad de la bazofia, fue representada a la perfección por Chris Sievey y otras figuras de culto como Daniel Johnston, representantes al mismo tiempo de la experimentación vanguardista y de la espontánea sencillez, del universo propio y del mundo aparte, de la mente que todo artista desearía poseer y la mente que ningún ser humano quisiera tener.

Entre la lucidez y la pura enfermedad, con algún otro eco a The Doors de Oliver Stone en cuanto a excentricidad y desorden mental, Lenny Abrahamson (Room) dirige Frank y reflexiona sobre el proceso de creación de una banda de rock alternativo. Sabe moverse a la perfección entre excéntricos, ofreciéndonos una alegoría del malditismo artístico y deambulando entre la crítica de la tontería que a veces acompaña a ciertos grupos pedantes que creen hacer arte y sólo hacen mierda.

Lo que más cautiva de Frank, es que Michael Fassbender con una cabeza de cartón la mayor parte del metraje, consigue cautivarnos igualmente. Y es que Fassbender aunque no se ve… se nota.

Sirva como ejemplo la arriesgada decisión tomada por Spike Jonze en Her con Scarlett Johansson, la apuesta de Fassbender dentro de una enorme cabeza de cartón, también funciona. Fassbender no había estado nunca tan vulnerable, ni siquiera en Shame… ya sea cuando se libera de la cabeza o cuando tiene que enfrentarse a un concierto plagado de fans… y es que no todos los genios están preparados para el aplauso.

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Estamos ante una película sobre la locura como impedimento para desarrollar una carrera profesional normal o… una vida normal, cuyo motor, cuando todo ha sido ya desenmascarado, es y sigue siendo, Frank.

La percepción alterada, por la pura disfuncionalidad mental es lo que se impone ante su sentido del humor mostrando la desolación absoluta.

Los temas musicales de la película fueron interpretados por todos los miembros del reparto ofreciéndonos un curioso repertorio de letras y sonidos absurdas y sin sentido que definen a la perfección que estamos viendo y escuchando algo, que muchos de nosotros no llegaremos a comprender y mucho menos a apreciar.

Trailer

http://www.magpictures.com/frank/

CELEBRACIÓN (FESTEN)

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Título.: CELEBRACIÓN (Festen)

Director.: Thomas Vinterberg

Género.: Dogma

Guión.: Thomas Vinterberg, Mogens Rukov

Fotografía.: Anthony Dod Mantle

Montaje.: Valdis Óskarsdóttir

Música.: Lars Bo Jensen

Productor.: Brigitte Hald, Morten Kaufmann

Reparto.: Ulrich Thomsen, Henning Moritzen, Thomas Bo Larsen, Paprika Steen, Birthe Neumann, Trine Dyrholm, Lars Brygmann, Therese Glahn

Año.: 1998

Calificación.: ****

Lo mejor.: Asistir a la primera muestra del cine Dogma

Lo peor.: …

Crítica

Un padre cumple 60 años e invita a toda su familia para celebrarlo. Lo que se supone que va a ser una gran celebración rodeado de familiares y amigos que han venido desde muy lejos, termina abruptamente cuando la porquería de la familia comienza a aflorar.

Durante la fiesta una revelación del hijo mayor, Christian, de lo más grotesca, mostrará una familia burguesa absolutamente disfuncional, cuyos pilares son la hipocresía, el racismo, el incesto y los abusos. Nos encontramos así ante un funesto tratado sobre la distorsión imperante en las relaciones sociales de la clase alta frente a un brutal mazazo que atenta contra la conciencia.

A partir del shock de la revelación nace un atrevido y violento juego psicológico frente a la ausencia de las normas y los formalismos cinematográficos.

Lo más impactante, duro y difícil de soportar en la cinta, es que el acusado de dicha revelación, ese padre que celebra su cumpleaños, actúa como si la cosa no fuera con él, y no solo sale indemne, sino que además es aplaudido por su circulo cercano… Christian no da crédito, si el adversario rechaza la lucha, uno está perdido desde el principio. No basta con hacer público el problema, para ser escuchado, para que la denuncia tenga efecto. La verdad es un proceso y a eso mismo es a lo que asistimos. Christian ha revelado la verdad, pero no ha modificado el entorno. Necesita que una parte sustancial de su familia se una a su denuncia. Toda la familia debe estar dispuesta a aceptar el cambio en las relaciones y en la posición del padre, y más allá de eso, aceptar el cuestionamiento del sistema sociofamiliar al que pertenecen.

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Al mismo tiempo que se denuncia el dominio del padre, se denuncia el dominio de la alta burguesía sobre la clase obrera (representada por el servicio de la mansión) y la marginación a las minorías étnicas (representada por el novio de color de una de las hijas)

Toda la historia transcurre en la gran casa/hotel familiar, en la que también convive el servicio, que a su vez mantiene unas intrigantes relaciones con la familia. Ellos representan al pueblo llano y la verdadera lucha de clases ante una burguesía podrida.

Ya lo dijo hace siglos William Shakespeare en la primera frase de su insuperable Hamlet, “Algo huele a podrido en Dinamarca”, y parece que esta afirmación ha viajado en el tiempo alcanzando el final de los 90.

Celebración, es la primera y multipremiada película del revolucionario movimiento cinematográfico Dogma que surgió en Dinamarca allá por 1995. Un manual de reglas creado por los directores Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, a partir de un manifiesto en el que se comprometen a filmar sus películas sin utilizar música, ni decorados, iluminación artificial, y rodando cámara en mano. Dogma 95 es un intento por mostrar la realidad tal como se presenta ante la lente; rechaza ponerse al servicio de la técnica la cual se utiliza para servir la idea, no para seducir, al contrario de cualquier producción de Hollywood.

Manifiesto Dogma 95.:

  1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
  2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
  3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
  4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
  5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
  6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
  7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
  8. Las películas de género no son válidas.
  9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
  10. El director no debe aparecer en los créditos.

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Siendo fieles a dicho manifiesto, lo que vemos en pantalla será una verdad cruda, sin máscaras distractoras.

Encontramos así un sin fin de planos borrosos, distorsionados y sucios, imágenes inestables… lo más real que el visor pueda captar, ofreciéndonos planos, por ejemplo, a través de una ventana, enfrentando lente con cristal y viceversa, aunque también da lugar a planos brillantes o imaginativos, como el de un mensaje oculto dentro de un bote de pastillas magistralmente creado para la secuencia. La idea, la historia manda ante la estética visual.

La estructura narrativa sin embargo es equilibrada y precisa. La Celebración del cumpleaños tras la revelación no cesa, la incomodidad crece y crece según avanza la historia, entre descubrimiento y descubrimiento.

Se avanza más en los perfiles de los protagonistas, adentrándose en unos personajes a cual más deplorable (por ejemplo el hijo menor, Michael, a mitad de camino entre la nada y la casa familiar a la que se dirigen, echa a su mujer e hijos del coche para irse de copas con su hermano mayor) y en un pasado sucio y malsano como la propia dirección de la película llegando al espectador con toda su crudeza y corrosión.

Quizá pueda resultar hiriente, incluso angustiosa recordándonos sin duda alguna a EL ANGEL EXTERMINADOR de Buñuel por esa reunión en un espacio cerrado, claustrofóbico y ese perpetuo retorno resignado de los invitados a sus asientos, por el puñetazo al estómago de la alta alcurnia, su cínico mutismo y el planteamiento de mostrar conflictos en ambientes contrarios emocionalmente.

Celebración es un magnífico y atrevido tratado sobre la hipocresía, las malas costumbres y la naturaleza humana.

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Premios.:

1998: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado

1998: Nominada al Globo de Oro: Mejor Película extranjera

1999: Nominada Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa

1998: Premios del Cine Europeo: Premio Discovery (mejor ópera prima)

1998: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor Película

1998: Círculo de críticos de Los Ángeles: Mejor Película

1998: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera

1998: Premios Cesar: Nominada a Mejor película extranjera

1998.: Mejor Director, Festival de Gijón

Trailer

https://www.youtube.com/watch?v=rSaq3lEU86k

UN MONSTRUO VIENE A VERME

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Título.: UN MONSTRUO VIENE A VERME

Director.: Juan Antonio Bayona

Género.: Drama Fantástico

Guión.: Patrick Ness, Siobhan Dowd

Fotografía.: Oscar Faura

Montaje.: Jaume Martí, Bernat Vilaplana

Música.: Fernando Velázquez

Productor.: Belén Atienza, Patrick Ness, Álvaro Augustín, Ghislain Barrois…

Reparto.: Lewis MacDougall, Felicity Jones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Toby Kebbell, James Melville, Geraldine Chaplin

Año.: 2016

Calificación.: **

Lo mejor.: La música de Fernando Velázquez.

Lo peor.: Su obviedad de principio a fin, obviedad plagada de historias moralistas sin sentido en la trama personal del protagonista.

 

Crítica

Esperadísima, alabadísima y de un gran éxito en taquilla (3,6 millones de espectadores), Un Monstruo Viene A Verme es última película de J.A. Bayona tras cuatro años de espera.

Nos cuenta la historia de Conor, un niño de 12 años que vive solo con su madre y que debe enfrentarse a la inminente muerte de ésta debido a un cáncer terminal.

Conor se encarga de la casa, de su madre, y de aliviar su dolor creando un mundo propio para evadirse de la dura realidad.

Sufre acoso escolar, su padre se marchó hace años con otra familia, su abuela materna es una especie de nazi con la que no se entiende, no tiene amigos y una pesadilla recurrente le acompaña cada noche, ¿bonito eh?

En dicha pesadilla Conor agarra a su madre con todas sus fuerzas para que la tierra no se la lleve… pero nunca llega al final de ese sueño, siempre despierta antes, sin saber si consigue retener a su madre o la pierde… ¿o… si sabe lo que ocurre?

La ventana de la habitación de Conor tiene unas preciosas vistas a un cementerio (ideal para el niño en esta situación) donde un milenario y majestuoso árbol tejo preside el recinto. Una noche, unos minutos después de las 12, el gran tejo cobra vida, convirtiéndose en un monstruo gigantesco que acude a ayudar a Conor. Le propone contarle 3 historias y al final de la tercera, deberá ser Conor quién cuente una última historia, la cuarta, LA VERDAD.

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Podemos considerar esta película como el fin de la trilogía sobre la maternidad y la muerte que Bayona inició con El Orfanato y continuó con Lo Imposible.

La gran sensibilidad que Bayona posee para plasmar la maternidad ante la perdida es exquisita y conmovedora, la confrontación de las dificultades y horrores del mundo real, quedan plasmadas a través de una yincana fantástica con los cuentos de hadas como hilo conductor o juegos infantiles. Sucedía en El Orfanato con los juegos de los niños moviendo objetos de sitio, en Lo Imposible enfrentándose a las dificultades y aquí en cada una de las historias contadas por el monstruo.

Pero a diferencia de sus dos trabajos anteriores, ambos superiores a éste, en esta ocasión, LA VERDAD de Conor, no conmueve.

La obviedad dirige la historia de principio a fin, no hay giros, no hay sorpresas… y el tiempo se rellena con lecciones morales que poco tienen que ver con la realidad y la angustia del protagonista.

Si decidimos obviar esos giros, que quizá muchos consideren innecesarios (la historia es lo que es, enfrentarse al mundo real), entonces, es una historia que ya hemos visto en numerosas ocasiones y bastante mejor contada.

Conor se enfrenta a su monstruo, con el cual, inicia un viaje de aprendizaje por la verdadera naturaleza humana, pero dichas historias, como ya hemos comentado son irrelevantes y de forzada relación con los conflictos de Conor, lo que hace que el niño se enfade, y con toda la razón.

A pesar de ello, estas fabulas nos ofrecen lo mejor del film visualmente. Bayona emplea la animación con acuarela plasmada con una gran belleza empleando técnicas ya utilizadas por Spielberg o Peter Jackson.

Nos planteamos que quizá no se llegue a sentir el auténtico drama de la historia distraídos por la gran belleza de las imágenes, pero según avanzamos en la historia, vemos que no es así.

Fotograma de Un monstruo viene a verme  de J  A  Bayona

Gracias a una fotografía sobresaliente y la gran música de Fernando Velázquez, Un Monstruo Viene a Verme es un cuento dentro de otro cuento, manteniendo un buen equilibrio entre la fantasía y el drama del cáncer, pero repleto de momentos forzados.

La película se esfuerza por ser emocionante, emotiva, mágica… pero este triple efecto no siempre se cumple, e intenta buscar “El Momento” imponiéndolo al espectador aún cuando no da lugar. El enfrentamiento de Conor al niño que abusa de él en el colegio, por ejemplo, es absurdo, no tiene suficiente argumento, cualquiera de los abusos anteriores en los que el niño es golpeado hubiera tenido mucha más razón y emotividad que ante una despedida o ante que le digan que es invisible…. Pero había que meterlo con calzador dando lugar a una secuencia impactante visualmente y vacía emocionalmente.

Ver cómo las ansiedades de Conor se manifiestan en una criatura tan impresionante constituyen sin duda el leitmotiv de la cinta, pero finalmente la creación de Bayona es mucho ruido y pocas nueces.

La fantasía como evasión de la terrible realidad, de la muerte, no solo de su madre sino también de su niñez, son temas que con mucha mejor mano y magia ya plasmo Guillermo del Toro en su maravillosa El Laberinto del Fauno (Del Toro produjo El Orfanato de Bayona por lo que es inevitable la referencia).

La pérdida de esa inocencia, el paso de niño a adulto y el enfrentamiento a la soledad que ello conlleva, fue también mucho mejor plasmado por Robert Mulligan en Matar a un Ruiseñor (cuyo poster podemos ver en la habitación de la madre de Conor, otro guiño).

Y referencias a ese cine de iniciación lo vemos durante el visionado de King Kong de Conor junto a su madre, sin poder evitar pensar en los enormes ojos negros de Ana Torrent en El Espíritu de la Colmena la primera vez que la niña ve al monstruo de Frankenstein, que Víctor Erice nos mostró hace ya muchos años.

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La intención de Bayona es hacernos caer en lo lacrimógeno con todo su empeño. En Lo Imposible dijeron que su lenguaje sentimental era obsceno, quizá en El Orfanato lo apreciamos de manera más leve…. Pero ambos trabajos anteriores de Bayona tienen mucha más historia que contarnos que esta, que bien hubiera servido para un cortometraje sin necesidad de prolongar la angustia.

Las interpretaciones de todos los actores son estupendas, destacando sobre todo a Lewis MacDougall, quién ya pasó desapercibido con su Peter Pan en la reciente Pan, y que esperemos que gane más notoriedad tras este papel.

Felicity Jones hace tiempo que es digna de admiración en todo lo que hace, y lo de Sigourney Weaver siempre serán palabras mayores (merecidísimo premio Donosti este año).

En resumen, la novela homónima de Patrick Ness (quién también firma el guión), y la adaptación al cine por el denominado “Spielberg español” (aún te queda mucho querido Bayona) es bastante decepcionante, bonita, pero no lo suficientemente redonda y que no debería, en ningún caso, cerrar con la frase textual y completa del final de E.T…. (Estaré aquí mismo)… no gracias Bayona, aún no eres Spielberg.

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Trailer

http://www.focusfeatures.com/amonstercalls/video/trailer-the-first-look

http://www.universalpictures.es/es/peliculas/un-monstruo-viene-a-verme-59/

TESTAMENT OF YOUTH

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Título.: TESTAMENT OF YOUTH

Director.: James Kent

Género.: Drama histórico

Guión.: Juliette Towhidi, basada en la novela de Vera Brittain

Fotografía.: Rob Hardy

Montaje.: Lucia Zucchetti

Música.: Max Ritcher

Productoras.:: A BBC Films, Heyday Films, Screen Yorkshire, BFI presentation of a Heyday Films production in association with Hotwells Productions, Nordisk Film Production and Lipsync

Productor.: David Heyman, Rosie Alison, Célia Duval, Peter Hampden…

Reparto.: Alicia Vikander, Kit Harington, Taron Egerton, Emily Watson, Dominic West, Miranda Richardson, Colin Morgan, Anna Chancellor, Haley Atwell

Año.: 2014

Calificación.: ***

Lo mejor.: Alicia Vikander, frágil, pequeñita y llena de una fuerza asombrosa.

Lo peor.: Escenas de gran tensión emocional algo grandes, aún, para Kit Harrington.

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Testament of Youth es una película producida por la BBC, marca de garantía para toda bella producción inglesa que se precie y que lleva estas letras grabadas a lo largo y ancho de su metraje academicista.

Vera Brittain, una de las pacifistas más famosas en Inglaterra además de escritora, publicó esta novela en 1933. Se trata de su obra más famosa, de obligada lectura en todos los institutos ingleses, pero inédita en nuestro país. En ella, nos habla de sus vivencias personales durante el estallido de la Primera Guerra Mundial, “la guerra que iba a acabar con todas las guerras”, en una Europa llena de  oportunidades para las mujeres (Roland.: “Do we have a suffragette on our hands?” Vera.: I will be, given the chance.”), junto al florecimiento de su juventud, su sitio en el mundo y su primer amor.

En contra de los planes que su familia tiene para Vera como buena ama de casa y buena esposa, ella quiere estudiar en Oxford. El amor o la posibilidad de un marido no entraba en sus planes hasta que conoce a Roland Leighton, amigo de su hermano, aspirante a escritor como ella, estudiante en Oxford…

Los dos jóvenes van enamorándose en momentos preciosos, secuencias encadenadas con frescura, momentos observados y capturados con una gran sensibilidad por James Kent, de una manera clásica y conmovedora que constituyen sin duda, lo mejor de esta película.

La llegada de la guerra es inminente, y todo el mundo que Vera había conseguido por sí misma, se desmorona. Su hermano pequeño y su mayor confidente, los amigos de éste y Roland se alistan en el ejército. Sus esperanzas, planes de futuro, y Oxford, ya no tienen sentido en la vida de Vera. No puede permanecer al margen, encerrada entre libros, mientras todos los hombres más importantes de su vida están en el frente.

Se une a las enfermeras voluntarias, primero en Inglaterra, y luego en Francia, donde vive la guerra en primera línea. La amarga espera por Roland es así más  llevadera. Atiende a soldados alemanes e ingleses por igual, simplemente a niños que mueren, a niños asustados que dan la vida por su país y por causas que una vez que las guerras finalizan, nadie recuerda. Cualquiera de ellos podría ser Roland o Edward.

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Escenas como la llegada al campo francés, nos traen a la memoria la mítica y grandiosa escena de la estación de Gone With The Wind, con un campo lleno de cadáveres tendidos en el suelo, y una Scarlett O´hara muy cercana en desesperación a Brittain.

La historia de amor de los dos jóvenes, basada en los recuerdos y esperanzas que les quedan, nos remite a su vez a Atonment, vidas que aún no han empezado, truncadas por el estallido de una guerra.

Alicia Vikander, la actriz sueca de moda(en esta ocasión su acento inglés es impecable) rodó está película un año antes que The Danish Girl, interpretación que la valió el Oscar a la mejor actriz secundaria en 2015.

Su enorme dulzura, exquisito talento y fuerza atrapada en un cuerpo tan frágil, se hacen enormes ante la cámara. Su Vera Brittain es inmensa, conmovedora y llena de luz.

Testament of Youth es también la oportunidad de ver a un cast muy joven y prometedor. Encabezado por Kit Harington en uno de los descansos dados entre temporada y temporada de Game of Thrones. Con el pelo algo más corto, sin su negro habitual y sin que le acompañe Ghost, vemos una actuación algo frágil, corta y reservada para la carga emocional que Roland Leighton conlleva.

Taron Egerton, es un caso parecido, aunque su papel es más comedido, le vimos con más fuerza y presencia en Kingsman: The Secret Service.

Los secundarios son de lujo, destacando a un Dominic West emotivo y conmovedor, frente a una Miranda Richardson correcta y una decepcionante Emily Watson que simplemente pasa por la historia.

Paisajes ingleses simplemente maravillosos rodados por un director de documentales para la televisión inglesa como es Kent, quién debuta como director de ficción en esta película. Añoradas y utópicas campiñas, praderas pobladas de violetas al recitarse los versos del poema de Leighton “Violets by oversea” que nos recuerdan a aquellas que Jane Campion nos mostraba en Brigh Star. Bosques y lagos, acompañados de una correcta fotografía y banda sonora.

Juliette Towhidi, guionista de la estupenda Calendar Girls, apoyada en la novela de Brittain, nos guía de una manera conmovedora pero sobria, centrándose en las inmensas pérdidas de todos aquellos que quedaron atrás. Vera debe enfrentarse a mentiras piadosas, palabras vacías, al mito del dolor y la muerte heroica. La verdad es silencio y agonía.

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Testament of Youth es un film compuesto por momentos robados, por instantes en los que el tiempo se detiene y en los que nosotros debemos detenernos.: el primer beso que Roland roba a Vera, el adiós en la estación, un padre llorando en el andén, el recuerdo de los amantes con la piel y los labios encendidos, las miradas furtivas, el nudo en el estómago cuando estas esperando noticias de alguien y llega un telegrama o suena el teléfono, o hundir en el barro las manos para poder sentir lo que es estar en una trinchera.

Vera es una mujer enamorada, rodeada de muerte, que intenta mantener la mente ocupada para que los recuerdos, la añoranza y honda tristeza no la embarguen y lastimen para siempre; todo ello ofrecido con lentitud, espaciosidad y la elegancia de quien cuenta su experiencia desde la serenidad y amargura de recordar.

Todo lo respirado y sobrevivido por Vera Brittain, James Kent lo refleja con habilidad y desvelo pero, cuya observación sólo deja una minúscula huella de lo que fue y vivió esta mujer, personalidad que se forjó a base de golpes y reveses para llegar a donde no se tenía previsto.

Es un Testamento de Amor recogido en espléndidos fotogramas, cuatro años que pasan de la ingenuidad del primer roce al martirio de jamás tener la posibilidad de una caricia extra, extremos que se rozan pero nunca conviven al tiempo.

El recuerdo de cuatro hombres de capital importancia en su vida: su hermano, Edward Brittain; su prometido, Roland Leighton; y los dos mejores amigos de éstos, Victor Richardson y Geoffrey Thurlow. Fue su pérdida, unida a los horrores vividos en los hospitales de campaña, lo que convirtió a la muchacha patriótica que celebró el inicio de la contienda en la pacifista convencida que pasaría a la historia.

La correspondencia de los cinco amigos a lo largo de la guerra fue compilada en 1998 bajo el título Letters from a Lost Generation: First World War Letters of Vera Brittain and Four Friends, que ha influido, y no poco, en el trabajo de los actores de Testament of Youth, y que también es inédito en nuestro país.

La valentía de Vera Brittain en su vida, tiene su origen en esta historia, otra más de amor y guerra, sufrimiento y pérdida, acompañada de literatura, poesía, y la promesa de un futuro que nunca fue.

https://www.youtube.com/watch?v=e3e2nNNJ7-4

 

Los números de 2013

Los duendes de las estadísticas de WordPress.com prepararon un informe sobre el año 2013 de este blog.

Aquí hay un extracto:

Un tren subterráneo de la ciudad de Nueva York transporta 1.200 personas. Este blog fue visto alrededor de 8.100 veces en 2013. Si fuera un tren de NY, le tomaría cerca de 7 viajes transportar tantas personas.

Haz click para ver el reporte completo.

IN ANOTHER COUNTRY

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Título: En Otro País

Director: Sang-soo Hong

Género: Comedia

Guión: Sang-soo Hong

Reparto: Isabelle Huppert, Kwon Hye Hyo, Yu-mi Jeong, So-ri Moon, Moon Sung Keun, Yeo-jeong Yoon, Jun-Sang Yu.

Año: 2012

Calificación: *

Lo mejor: Que por fín Sang-soo Hong pueda verse en nuestros cines.

Lo peor: Es completamente olvidable.

Hong Sang-soo llega a la cartelera española tras casi veinte años de espera.

Lo ha hecho con En Otro País, donde convierte a Isabelle Huppert  en tres personajes distintos – una directora francesa, una esposa infiel y una mujer abandonada – que visitarán un mismo hotel en la playa de Mohang en el curso de tres historias que jugarán con la repetición, la confluencia de un mismo repertorio de secundarios y los ecos de diálogos idénticos en situaciones ligeramente divergentes.

Rodada en 8 tardes de julio, con un guión escrito pocas horas antes de empezar a rodar cada uno de esos días, e l director se interesa por esos encuentros casuales de extranjeros, en este caso una europea con los coreanos, destacando que en occidente no estamos acostumbrados a ser nosotros el elemento exótico.

 La habilidad del director para filmar dichos encuentros lo observamos en el uso de la repetición como un dispositivo en las historias, en recurrentes líneas de dialogo compuestas por pequeñas charlas genéricas que los coreanos tienden a hacer en situaciones sociales incómodas, no solo por como tratan a los extranjeros sino también por cómo se comportan entre ellos.

Gestos excesivamente ansiosos, los caracteres coreanos de la hospitalidad, en particular, revelan cómo cambia un paisaje social en respuesta a la presencia de un extranjero. Ella lo repite constantemente en toda la película: “me tratáis muy bien” al igual que cada personaje repite sin cesar lo guapa que es ella, llegando a ser serviciales hasta límites insospechados.

En cada una de estas repetitivas situaciones vemos actores forzados, tensos, incómodos… consiguiendo que te sientas extranjero ante tanta frialdad en esa desconocída y hermosa Corea como consiguió en su momento con Tokyo Sofia Coppola en Lost in Traslation.

También los mismos elementos componen las historias –Huppert, un faro, un socorrista, una tienda de campaña, una localidad costera, una barbacoa – que tras ligeras alteraciones nos ofrecen sutiles variaciones sobre su punto de vista. Pero nuestro trabajo no consiste en interpretar estar repeticiones, sino más bien es un juego de artificio que nos hacen notar que simplemente están ahí.

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Quizá el punto en común de todas estas historias sean las reflexiones efímeras y narcisistas sobre el amor, las derrotas de la madurez, las negociaciones entre lo masculino y lo femenino, la infidelidad y la melancolía cotidiana, todos ellos elementos que recorren la filmografía del director bajo el prisma de estructuras narrativas que se bifurcan y retuercen sobre sí mismas.

En Otro País concentra la esencia estilística de uno de los considerados maestros del cine contemporáneo. El llamado Rohmer coreano por la naturalidad de su cine sin atisbo de ambición intelectual, presenta una acusada identidad de un creador con discurso propio.

Junto a estas señas de identidad, se encuentran también los poco elegantes reencuadres que Sang-soo realiza con su cámara con aparente desdén por el acabado formal, más de un incómodo zoom, algún movimiento de cámara brusco, frente a la quietud posterior. Este supuesto error, ya cometido con anterioridad por la Nouvelle Vage francesa,contrasta sobre manera frente a la sutileza de su mirada sobre lo humano y la capacidad del autor para construir laberintos narrativos con los mínimos recursos que su misma productora le ofrece.

La maravillosa Isabelle Huppert interpreta a las tres mujeres con el mismo nombre que conforman las historias. Todas ellas extraviadas lejos de casa y diferenciadas por el vestuario (azul, rojo, verde; serenidad, pasión, esperanza), algún ligero cambio en su pelo y sutiles cambios de temperamento que tan solo Isabelle Huppert podría resolver.

Estos caprichos del proceso creativo nos ofrecen la sensación de que cada Anne es una mujer solitaria, en constante espera y búsqueda de un faro difícil de alcanzar.

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 Huppert ha llegado a ese punto mágico donde da un escalofrío de placer con sólo aparecer, sus décadas de grandes actuaciones así lo merecen. Podríamos incluso pensar que este tren ligero en una especie de línea circular que compone esta película simplemente la ha dado la oportunidad de hacer algo diferente y que con ello ha sido suficiente.

Cada narración es sencilla y liviana, de apenas treinta minutos de duración que se degustan como caramelos, pero, que desgraciadamente, al igual que estos, se esfuman en la memoria con la misma rapidez.

En otro país resulta simple y relajada, frívola en ocasiones, insulsa con tanta levedad.

Interesante al observar como se cristalizan las barreras culturales y lingüísticas entre el personaje de Anne y Corea, cuando este personaje entra en la sociedad coreana como una intrusa que acaba por provocar diferentes reacciones en los personajes nativos, sobre todo desde el punto de vista sentimental y físico, pero estos laberintos sentimentales por los que deambulan sus protagonistas se convierten en un bucle febril y exasperante.

La ridiculización del hombre coreano loco por las mujeres extranjeras, tachándole de peligroso y lujurioso constantemente es repetido en unos bosquejos de guión que se escriben antes de llegar a un resultado satisfactorio y que parece que aquí dicho resultado no ha tenido lugar.

Es una película olvidable, tres formas de contar una historia representando las posibilidades con la icónica imagen de una carretera con dos caminos como alternativa, de personajes estereotipados y  situaciones con poco sentido, de interpretaciones artificiales incluso la de Huppert por mucho que nos duela, realizada aparentemente sin esfuerzo en un ambiente de tranquilidad logrado por los hermosos paisajes y la calmante música de fondo.

El mundo de Hong Sang-soo es muy poético y bastante esotérico, pero también ligero y burlesco, por eso quizá no la hemos apreciado, no compartimos el humor ni la visión poética tan propia del cine oriental. Supongo que estas son las desventajas de vivir en otro país.

 http://www.golem.es/enotropais/

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Título: Una Pistola en Cada Mano

Director: Cesc Gay

Género: Comedia

Guión: Tomás Aragay, Cesc Gay

Música: Jordi Prats

Reparto: Eduard Fernández, Leonardo Sbaraglia, Javier Cámara, Eduardo Noriega, Candela Peña, Luis Tosar, Ricardo Darín, Alberto San Juan, Jordi Mollá, Leonor Watling, Cayetana Guillén Cuervo, Clara Segura.

Año: 2012

Calificación: ***

Lo mejor: Ese gran reparto repleto de estrellazas. Un lujo.

Lo peor: No admite revisión posible, con una vez basta.

Tras la grandiosa En La Ciudad, Cesc Gay vuelve ante nosotros con una radiografía de la vida amorosa de ocho hombres de hoy. Una serie de historias cruzadas, cinco en concreto, que componen uno de los mejores retratos posibles de la triste generación masculina que nos rodea.

Escrita con mimo, inteligencia y conocimiento de lo que es llegar a los 40 siendo un hombre, cuenta con un inmejorable reparto de intérpretes para hacer verosímil, sutil, inquietante y atractivo lo que nos pretende contar, sugerir y revelar.

Lo mejor sin duda es ir avanzando por cada una de las historias a la espera de qué magnificas estrellas compondrán la siguiente, que aunque ya lo sepas porque obviamente conoces el reparto antes de comenzar a verla, cuando cada uno de ellos aparece en pantalla con tales interpretaciones, es imposible no sonreír y disfrutar enormemente. Están todos fabulosos, extraordinarios e inolvidables, en un extremo ejercicio de perfección y entrega.

Cada una de las historias está llena de profundidad y gracia,  sus actores hacen de ella una película vivida más que interpretada, ya que son tan naturales que provocan pasmo. De nuevo Cesc Gay logra uno de sus habituales milagros, que todo suene verosímil

Los duelos interpretativos son de altísimo nivel, quizá el más memorable sea el de Ricardo Darín y Luis Tosar en ese parque, simplemente magnífico. Canela Peña obtuvo el Goya este año por su interpretación, realmente estupenda como lo es ella en sí misma.

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Cada uno de ellos es lo que hace grande esta película que comienza en Barcelona. Seis hombres que superan la treintena en cinco encuentros necesarios, fortuitos o no, que funcionan como un espejo en el que reflejar sus miserias.

Seis pálidas miradas, tan patéticas como cercanas. Identificables, sinceras, destinadas a sonrojar a los de su especie contando por su puesto con una gran predisposición por parte de su público a dejarse intimidar, eso sí, con una copa de vino para que entre broma y broma el hachazo duela menos. Sin escudos, con una pudorosa sonrisa que en ocasiones se disfraza de carcajada.

Quizás el guión de Gay y Aragay ridiculice a los hombres en exceso contraponiéndoles ante unas mujeres estupendas y muy muy seguras de sí mismas, pero en ningún momento la imagen del hombre es irreal o exagerada., ¿por qué será?

Cesc Gay vuelve a repetir fórmula tras En La Ciudad al presentarnos varias historias a la vez y a pesar de ello no resulta agotador. Comparten la misma estructura narrativa a diferencia de que aquí los diferentes episodios cuentan con un final.

Cada jugada con la que el cineasta quiere demostrar la diferencia de sexos en términos sociológicos está bien estudiada. No ha sido necesario adaptar ningún texto sino poner en boca de ese soberbio elenco las vivencias de cualquier viandante de cualquier país desarrollado en los tiempos que corren y centrarse en el existencialismo del macho de a pie.

El cineasta catalán logra aunar en esto cinco episodios verdades como puños. Que el sexo masculino difiere en un alto grado del femenino ya lo sabíamos y Gay no viene a crear cátedra sino a sentenciar que la idiotez masculina se puede escribir con mayúsculas en cuanto el hombre no quiere etiquetar su conducta.

Quizá, como algunas películas de varios personajes se resiente que la arriesgada apuesta no centre la trama en una historia concreta, con la consiguiente indefinición que ello supone, pero ese es el cine de Cesc Gay y nos encanta. Nadie le puede negar a su realizador el mérito de haber construido un acertado retrato de las neuras masculinas.

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Cesc Gay se ha convertido por lo tanto, en el más implacable cronista de su generación (urbanitas, en la cuarentena, profesionales liberales, traumas para dar y regalar; bloqueos afectivos que a veces se confunden con indiferencia).

Cesc Gay está construyendo una filmografía sencillamente impagable, que tanto contribuye a reconocer al hombre español en actitudes que tantas veces vemos, o sufrimos, en los otros, pero raramente en nosotros mismos.

Lo mínimo que se puede decir del film es que sabe transmitir con certeza comportamientos (casi) siempre lejanos al heroísmo, pero nunca chabacanamente cotidianos. ¿Le extraña a alguien que ellas sean mucho más coherentes que ellos, que sepan poner con precisión los adjetivos a sus sentimientos, que se comporten siempre con una gota más de humanidad? Insistimos de nuevo… por algo será, ¿no?

2012: Premios Goya: mejor actriz de reparto (Candela Peña)

2012: 4 Premios Gaudí, incluyendo mejor filme en otra lengua y guión

http://www.unapistolaencadamano.com/

 

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