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Título.: The Revenant (El Renacído)

Director.: Alejandro González Iñárritu

Género.: Thriller / Drama / Aventuras

Guión.: Mark L. Smith, Alejandro González Iñárritu, basada en la novela de Michael Punke

Fotografía.: Emmanuel Lubezki

Montaje.: Stephen Mirrione

Música.: Carsten Nikolai as Alva Noto, Ryûichi Sakamoto.

Productores: Alejandro González Iñarritu, Philip Lee, Markus Barmettler…

Reparto.: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Paul Anderson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Chesley Wilson, Grace Dove

Año.: 2015

Calificación.: ****

Lo mejor.: Leonardo DiCaprio está tan enorme que no necesita hablar.

Lo peor.: Esa ligera inducción al mundo de Terrence Malick

Crítica

Un primer plano; una primera nota de la banda sonora; una secuencia inicial tan impactante que te introduce de golpe en la pantalla. A continuación la historia, y solo en cuestión de segundos, te atrapa en un ambiente de hielo y muerte.

The Revenant, la última película de Alejandro González Iñárritu tiene uno de los inicios más intensos del cine, impactante, lleno de fuerza, casi tanto como lo fue el Desembarco en Normandía que Spielberg nos brindó en Salvar al Soldado Ryan.

Incesante dolor y movimiento, que más adelante, no mucho más, llega a su culmen mediante el brutal ataque de un oso. La respiración se corta, te obligas a apartar la vista, su crudeza hace que esta secuencia sea, simplemente, insoportable.

Si encontramos y sentimos esto nada más comenzar una película, tan solo hay una conclusión posible… THE REVENANT es una obra enorme.

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Tras romper su relación con su guionista habitual Guillermo Arriaga, Alejandro González Iñárritu experimenta una evolución constante.

Atrás parecen haber quedado esas brillantes y sobrecogedoras historias cruzadas que conformaron su primera trilogía.: Amores Perros, 21 Gramos y Babel.

Su siguiente film, Biutiful nos mostró sin lugar a dudas esa ruptura, encontrándonos a un Iñárritu menor, regodeándose en el drama sin ningún tipo de empatía, ahogándonos, agotándonos en un ambiente demasiado turbio, tanto dramatical como estéticamente, lo que podríamos denominar “pornografía sentimental”.

Creímos que comenzaba ahí una inevitable cuesta abajo, que le habíamos perdido, pero entonces… entonces llegó Birdman y nos ganó de nuevo.

El Iñárritu de Birdman nada tiene que ver con toda su obra anterior, su dirección es completamente innovadora. Falsos planos secuencia, la cámara deambulando sin descanso a ritmo de jazz, bailando en una atmosfera asfixiante, volviéndonos tan locos como su protagonista.

Ahora con The Revenant vuelve a superarse.

Dicen que nada igual se ha hecho (no estoy completamente de acuerdo), una vez la película se adueña de ti, no puedes salir, no puedes dejar de mirar, el sobrecogedor paisaje de las rocosas te atrapa con su belleza mortal. The Revenant consigue helarte hasta el aliento.

Estamos ante un Iñarritú más maduro, que se introduce aún más en la psique de sus personajes, pero de una manera diferente a la abordada hasta ahora con personajes acorralados frente al espejo. Esta vez no se queda solo ahí, las musas y los escritores clásicos le han visitado, nos muestra al hombre contra la naturaleza.

The Revenant tiene algo de Joseph Conrad y su Corazón de las Tinieblas, e innegablemente en su mayoría bebe de la fuente de Terrence Malick. El Nuevo Mundo, El Arbol de la Vida… toman más de una vez posesión del metraje de The Revenant. Los indios y sus masacres, la quietud en los paisajes, el silencio y una banda sonora compuesta de sonidos ambientales constantes por encima de la composición musical.

¿Cual es el sello de Iñárritu? ¿Su huella, su seña personal, su firma? Nos descoloca por completo.

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Un soberbio Leonardo DiCaprio toma las riendas al frente de esta cruzada, enfrentándose a dos poderosos enemigos, un enorme Tom Hardy y el cruel paisaje que aquí es igual de mortal que cualquier asesino.

Con apenas diálogo, DiCaprio nos muestra uno de sus personajes más viscerales, impregnado de dolor y sufrimiento con cada gesto.

Glass, el personaje interpretado por DiCaprio deberá luchar contra la naturaleza gélida y salvaje, contra los hombres considerados sus iguales y con aquellos otros considerados “inferiores” en una constante lucha por la supervivencia.

Sus escenas son tan violentas y dolorosas que quizá nos planteamos como en La Pasión de Cristo  de Mel Gibson, si este personaje debería también alzarse al estatus de Dios.

Particularmente creemos que fue mucho más interpretativo en El Lobo de Wall Street de Scorsese, interpretación en la que aún no nos explicamos como no le otorgaron el premio de la academia y si lo obtuvo por este papel, pero es que ya se lo debían desde hace mucho tiempo y debía ser suyo por ley.

El gran secundario es el actor del momento, un Tom Hardy que ya compartió cartel con DiCaprio en Inception, y que desde entonces vimos y sabíamos que tenía algo, que no era una cara más… su Bane en el Batman de Christopher Nolan fue sublime, su aparición en la serie británica Peaky Blinders superlativa, y uno de sus últimos trabajos, Mad Max ganó nada menos que 6 Oscars, aunque en esta Charlize Theron le recorte terreno por todas partes.

Es un secundario con mayúsculas, capaz de enfrentarse a DiCaprio y consiguiendo que la pantalla se divida en dos, dos monstruos interpretativos enfrentados en unos de los duelos más crueles y duros en la historia del cine.

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Domhnall Gleeson es el otro chico de moda que también encontramos en The Revenant. Gleeson Jr como le llaman, hijo del magnífico y adorado Brendan Gleeson, aparece últimamente en todas las producciones de renombre.: Ex Machina, Star Wars el despertar de la fuerza, Black Mirror Temporada 2…

Siempre es agradable tener su presencia, su sencillez y naturalidad… esperamos verle dotado de algo más de brío en apariciones posteriores, porque nos gusta cuidar a los hijos de nuestros actores favoritos.

Emmauel Lubezki, brillante director de fotografía con obras como Birdman, Gravity por la que consiguió el Oscar al igual que en la película que nos ocupa, Sleepy Hollow o Hijos de los hombres, realiza un trabajo sobrecogedor.

Planos inmejorables, panorámicas soberbias captando la bellísima y desoladora belleza del paisaje de las rocosas y mostrándonos con su cámara un gran dinamismo de personajes.

The Revenant inunda nuestra retina, no ofrece apenas descanso alguno al espectador, es una película sin duda sobresaliente.

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Trailer

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FRANCES HA

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Título.: Frances Ha

Director.: Noah Baumbach

Género.: Comedia

Guión.: Noah Baumbach, Greta Gerwig

Fotografía.: Sam Levy

Montaje.: Jennifer Lame

Música.: Fabrice Absil, George Drakoulias, Sara Matarazzo, Britta Phillips

Productor.: Noah Baumbach, Oscar Boyson, Eli Bush, Fernando Loureiro

Reparto.: Greta Gerwig, Mickey Sumner, Michael Esper, Adam Driver, Michael Zegen, Grace Gummer

Año.: 2012

Calificación.: ****

Lo mejor.: Su frescura y naturalidad, imposible no caer rendido a los pies de Frances Ha

Lo peor.: …?

 

Crítica

Frances es una joven de 27 años que ha decidido, a pesar de su edad, cumplir su sueño de ser bailarina en una compañía de danza de Nueva York … nada más ni nada menos.

Vive con una amiga, no consigue mantener ninguna relación amorosa estable, pero aún así, disfruta de la vida con alegría y despreocupación, a pesar de que desea mucho más de lo que tiene, pero… ¿y quién no?

Frances Ha es una fábula moderna sobre la juventud, la amistad, la ambición, la lealtad y el optimismo; un auténtico soplo de veracidad. Dirigida por Noah Baumbach, autor de Una historia de Brooklyn, Margot y la boda, y la más reciente Mientras seamos jóvenes, cuenta con una gran maestría para describir las emociones; es una carta de amor de un cineasta a su musa, con su cámara abierta y con una calmada adoración, canalizando la búsqueda de la verdad.

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Su apariencia es sencilla pero espectacularmente emocional. La protagonista es encantadora, inteligente… y con un aire innegable en toda la factura del film a la Nouvelle Vague. Estamos ante una antiheroína en construcción, un desastre adorable que emociona.

Greta Gerwig interpreta a Frances de una manera inteligente y radiante. Recrea un ingenioso retrato sobre el paso a la vida adulta. Es una chica maravillosamente descentrada, amorosamente torpe, fundamentalmente excéntrica, ni guapa ni fea sino todo lo contrario, de la que te acabas enamorando sin remedio.

Su tono de comedia con tintes complejos e incluso dramáticos, armados sobre las excentricidades de su joven protagonista, constituyen un universo cómico con un afilado matiz dramático alrededor del doloroso devenir de una joven bailarina sin la suficiente brillantez para dejar de ser una suplente; de una chica que a veces ni siquiera sabe controlar su simpatía, de una persona con aspiraciones de primera, siempre relegada al segundo plano, de un ser que ambiciona la independencia mientras quiere estar rodeada de amistad, que busca y busca la cúspide y es una contradicción constante… quizá como todos nosotros.

La película está repleta de conversaciones de apariencia intrascendente que esconden una gran complejidad. Todo el éxito de la empresa depende de que el espectador acepte a la protagonista, Frances: sus tics y manías, su orgullosa forma de no solicitar la simpatía de los demás personajes pero sí la complicidad del espectador, sus peculiares bailecitos de elegante patosa (demasiado alta para ser la «Tiny Dancer» de Elton John), todo lo que la convierte en entrañable.

Esa Frances es inseparable de la actriz que la encarna, Greta Gerwig, musa de cierto cine indie del momento y del llamado cine mumblecore, además de pareja del director de la película con el que coescribió el guión.

Gracias a este papel se convierte en una de las actrices más interesantes del panorama actual de Estados Unidos saliendo de los cánones marcados por el gran Hollywood por su naturalidad, frescura y su forma tan desgarvada.

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Puede que este retrato del paso de la adolescencia a la adultez sea algo que se haya contado miles de veces en el cine, pero algo tiene Frances Ha que la hace especial. Está claro que la energía inagotable de su protagonista hace que desde el minuto cero el espectador se encariñe e identifique con ella.

Con una impecable factura en blanco y negro, el recorrido vital de la protagonista se nos muestra de una manera muy rítmica y especial, casi con despreocupación, descuido, con ese toque de frescura, naturalidad y espontaneidad tan característico del cine francés. Encontramos referencias también al Woody Allen más clásico pasando por el estilo más noventero de Kevin Smith.

Frances es una artista cuyo estilo de vida es la vida misma, es una historia sobre los retos personales, la decepción, la liberación, la lealtad, el cariño y la persecución de los sueños.

Nominaciones.:

2013: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz (Greta Gerwig)

2013: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película y montaje

Trailer.:

SUNSET BOULEVARD

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Título.: Sunset Boulevard

Director.: Billy Wilder

Género.: Drama

Guión.: Charles Brackett, Billy Wilder, D.M. Marshman Jr.

Fotografía.: John F. Seitz

Montaje.: Arthur P. Schmidt

Música.: Franz Waxman

Productor.: Charles Brackett

Reparto.: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Jack Webb, Cecile B. DeMille, Buster Keaton

Año.: 1950

Calificación.: *****

Lo mejor.: La impresionante y violenta mirada de Norma Desmond.

Lo peor.: La auténtica crueldad del star system.

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Crítica

Un cadáver flota en la piscina de una casi abandonada mansión de Hollywood. Varios periodistas y agentes de policía se agolpan junto a ella, sacan fotos, investigan… y de pronto una voz en off …. la del mismo muerto, se dirige al espectador y habla con él para contarle cómo y porqué acabó de esta manera.

A partir de este momento, con un flashback continuo, se nos narra de manera magistral y poco convencional para la época (que un muerto hable al espectador lo era), las desventuras de Joe Gillis, un guionista de Hollywood venido a menos.

Acosado por las deudas e intentando huir de varios acreedores, Gillis termina de manera fortuita ocultándose en una vieja mansión propiedad de una antigua diva del cine mudo de Hollywood, Norma Desmond.

Dicha mansión al igual que la presentación de Norma, evocan sin duda alguna a la señorita Havisham de la novela Grandes Esperanzas de Charles Dickens, por su aspecto ruinoso pero enmascarado con gran cantidad de maquillaje, ropas, joyas de otra época y un gran atisbo de locura.

Norma, relegada y olvidada por la llegada del cine sonoro, desea volver a la gran pantalla con un guión escrito por ella misma, y ve en Gillis la gran oportunidad que estaba esperando. Ofrece a éste la corrección del guión por una cantidad bastante decente de dinero. Gillis por su puesto acepta, pero el dinero no será suficiente ya que Norma espera mucho más de él.

El supuesto trabajo fácil termina convirtiéndose en una pesadilla. El ambicioso Gillis se verá recluido en la mansión de la vieja gloria y deberá lidiar con una Norma Desmond excéntrica y neurótica que le necesita desesperadamente. Todo empeora cuando durante las breves escapadas de Gillis, comienza un affaire con una joven aspirante a guionista, y su supuesto romance con Norma, pronto tornará en amor/odio – dependencia/desprecio.

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Norma Desmond, papel encarnado por una grandiosa Gloria Swanson, fue una gran estrella del cine de Hollywood, pero ahora tan solo es un recuerdo del que se ha apoderado la locura. Su única compañía es su fiel mayordomo, Max, un hombre bajito y siniestro que la idolatra.

La interpretación de Swanson es tan magistral, que otra grande del cine clásico, Barbara Stanwyck, se arrodilló y besó su vestido en honor a su interpretación tras la primera proyección de la película realizada por la Paramount.

Swanson es una gran dama que extiende su magia sobre otra década. Su interpretación es brillante e inolvidable, como ella misma cita en la película:

“Soy grande, son las películas las que se han hecho pequeñas”

El olvido de muchas grandes estrellas del cine mudo fue la cruel realidad del Hollywood de los años 30, donde grandes figuras del cine no encontraron cabida ante el progreso, algunas de ellas tan grandes como Buster Keaton, aparecen en este film interpretando a viejos amigos de Norma.

Recientemente esta misma temática la vimos reflejada de manera magistral en la película de Michel Hazanavizius, The Artist , con la inolvidable interpretación de Jean Dujardin que les hizo merecedores del Oscar al mejor actor principal y del Oscar a la mejor película en 2011.

William Holden es el encargado de dar vida a Joe Gillis, con una interpretación sobria y creíble, cuando Montgomery Clift rechazó el papel.

Como es habitual en el cine clásico, el secundario Erich Von Stroheim es un lujo en su encarnación de Max, el devoto mayordomo de Norma. Paradojas buscadas en esta película, Stroheim fue un destacado director de cine mudo que dirigió a Swanson en más de una ocasión, de hecho la película que ven en el salón de la mansión es una película real inacabada, “La reina Kelly” (1928), interpretada por Gloria Swanson y dirigida por el propio Erich von Stroheim. Es el hoy en día olvidado realizador de la magistral ‘Avaricia’, película por la que se desvivió y que le costó su carrera a causa de sus desavenencias con los productores.

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Y es que nada es coincidencia en la creación de Sunset Boulevard, esta célebre avenida que atraviesa Los Ángeles y Beverly Hills, fue un lugar que en tiempos del cine mudo albergaba las mansiones de muchas estrellas de cine. Sin embargo en España el título fue traducido a El Crepúsculo de los Dioses y no sin doble significado, pues sunset en inglés significa ocaso, crepúsculo … decadencia.

Estamos ante una magnífica película dirigida y escrita por el gran maestro de la comedia, por el genio de Perdición, El Apartamento, Con faldas y a lo loco, La Tentación Vive Arriba… el gran Billy Wilder.

A su espléndido guión sin una sola fisura gracias al virtuosismo narrativo de Wilder en su última colaboración con el productor Charles Brackett tras 13 películas juntos, se suma la majestuosa fotografía en blanco y negro de John F. Seitz recreando un continuo homenaje al séptimo arte: proyectores, salas de cine, platos de la Paramount donde aparece el mismísimo Cecile B. DeMille (quién en la vida real también dirigió en más de una ocasión a Gloria Swanson y al que se considera su descubridor), planos con luces a través de cerraduras que nos recuerdan al obturador de las cámaras de cine o fotográficas…

Sunset Boulevard es una historia perfectamente contada y rodada, con interpretaciones asombrosas. Obra maestra de Billy Wilder, retrata con venenosa ironía los excesos del mundo de Hollywood: el paso del tiempo, los egos inmensos y el desesperado intento de recuperar el esplendor perdido… Esta crítica al mundo del cine le valió un enfrentamiento con el jefazo de la Metro Goldwyn Mayer, Louis B. Mayer, llegando ambos caballeros a profesarse insultos.

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Catalogada como la mejor película jamás hecha en Hollywood sobre Hollywood, su tono es majestuoso y mortuorio, con inflexiones entre la ironía y la crueldad, ofreciendo una incisiva mirada sobre el cine en particular y la vida en general. Una película negra y desoladora, donde tiene cabida el humor, pero un humor que cae a gotas, gotas de ácido sulfúrico, que más que provocar una sonrisa, la congelan.

Se juega con la delimitación de las fronteras de la realidad con la ficción, con el cine dentro del cine… un juego de espejos entre realidad y ficción donde las fronteras se difuminan.

La secuencia-epílogo es inmejorable, con ese desenfoque final de la faz de la desempolvada actriz que la convierte en un fantasma que atraviesa la pantalla. Un momento tan satisfactorio como escalofriante.:

“… porque mi vida es solo esto… las luces, las cámaras… y la gente que mira en la oscuridad”

A pesar de contar con once nominaciones, Sunset Boulevard ganó sólo tres Premios Óscar, en las siguientes categorías:

El resto de las categorías a las que la película fue nominada son las siguientes:

Premios.:

1950: 3 Oscar: Mejor guión, dirección artística B/N, BSO drama. 11 nominaciones

1950: 4 Globos de Oro, incluyendo Mejor película – Drama. 7 nominaciones

1950: National Board of Review: Mejor película

1950: Círculo de Críticos de Nueva York: 2 Nominaciones

1950: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director

Trailer

https://www.youtube.com/watch?v=_n28nrklSLs

 

FRANK

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Título.: FRANK

Director.: Lenny Abrahamson

Género.: Drama

Guión.: Jon Ronson, Peter Straughan

Fotografía.: James Mather

Montaje.: Nathan Nugent

Música.: Stephen Rennicks

Productor.: David Barron, Noëlette Buckley, Katherine Butler

Reparto.: Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Scoot McNairy, François Civil, Carla Azar

Año.: 2014

Nacionalidad.: Británica – Irlandesa

Calificación.: ***

Lo mejor.: Fassbender con o sin cabeza de cartón.

Lo peor.: Cada look de Maggie Gyllenhaal es peor película tras película.

Crítica

Jon, un joven aspirante a músico, sin mucho talento, busca desesperadamente convertirse en un músico profesional. Gracias a un golpe fortuito del destino, pasa a formar parte de una excéntrica banda tras un primer concierto. Esa noche, conoce a Frank, el líder de la banda, un misterioso hombre que lleva una enorme cabeza de papel maché, con los ojos, nariz, pelo y orejas pintados.

La banda decide retirarse a una cabaña perdida en medio del bosque irlandés, donde transcurre esta historia, para componer su nuevo álbum, y arrastran a Jon con ellos, cuyo escaso talento no tiene nada de excéntrico.

El encierro en la cabaña se alarga, en ocasiones parece recordar a La Matanza de Texas por el entorno que les rodea y por la incapacidad de escapar de allí… los miembros de la banda, a cada cual más tarado, conviven, pelean e intentan, siguiendo la gran inspiración de Frank, reinventar la música desde sus orígenes basándose en todo aquello que les ofrece la naturaleza.: ruidos, texturas, olores… las divagaciones son continuas y el estilo musical, difícil de digerir.

Queda patente desde el inicio, que Frank no es solo su líder, es también su mesías, su guía espiritual, una especie de loco encantador amante entusiasta de la vida y capaz no solo de crear música a partir de todo aquello que encuentra a su paso, sino también de extraer todo tipo de sentimientos de las personas que se acercan a él. Por este motivo, toda la banda se cierra para adorarle y protegerle, a excepción de Jon, cuya obsesión por saber quién se esconde bajo esa enorme cabeza no para de crecer.

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Sin consultar al resto, Jon decide lanzar a la banda a través de Twitter y Youtube mostrando esa larga convivencia, y dando como resultado un gran éxito en las redes sociales, además, intenta llevar a Frank a un lado digamos, más comercial musicalmente, lo que crea un gran enfrentamiento con el resto de los componentes… ¿están preparados para afrontar esa gran repercusión mediática?, es más, ¿están preparados para afrontar el mundo real?.

Frank es una película delirante y probablemente única (lo que no significa que sea buena, ni tampoco mala). Está llena de momentos locos pero a la vez, rodeada de un innegable aire de melancolía. Es un cine alternativo y probablemente inclasificable.

Inspirada en Chris Sievey, músico y cómico inglés que formo parte de la escena musical new wave de Manchester como cantante del grupo The Freshies, luego fue conocido por su personaje de Frank Sidebottom (parece un personaje de Harry Potter) en la escena cómica inglesa, su alter ego, que portaba una gran cabeza de cartón con la que cosechó un gran éxito.

Esa fina línea que a veces separa en la música el triunfo del fracaso, la gloria del ridículo y la genialidad de la bazofia, fue representada a la perfección por Chris Sievey y otras figuras de culto como Daniel Johnston, representantes al mismo tiempo de la experimentación vanguardista y de la espontánea sencillez, del universo propio y del mundo aparte, de la mente que todo artista desearía poseer y la mente que ningún ser humano quisiera tener.

Entre la lucidez y la pura enfermedad, con algún otro eco a The Doors de Oliver Stone en cuanto a excentricidad y desorden mental, Lenny Abrahamson (Room) dirige Frank y reflexiona sobre el proceso de creación de una banda de rock alternativo. Sabe moverse a la perfección entre excéntricos, ofreciéndonos una alegoría del malditismo artístico y deambulando entre la crítica de la tontería que a veces acompaña a ciertos grupos pedantes que creen hacer arte y sólo hacen mierda.

Lo que más cautiva de Frank, es que Michael Fassbender con una cabeza de cartón la mayor parte del metraje, consigue cautivarnos igualmente. Y es que Fassbender aunque no se ve… se nota.

Sirva como ejemplo la arriesgada decisión tomada por Spike Jonze en Her con Scarlett Johansson, la apuesta de Fassbender dentro de una enorme cabeza de cartón, también funciona. Fassbender no había estado nunca tan vulnerable, ni siquiera en Shame… ya sea cuando se libera de la cabeza o cuando tiene que enfrentarse a un concierto plagado de fans… y es que no todos los genios están preparados para el aplauso.

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Estamos ante una película sobre la locura como impedimento para desarrollar una carrera profesional normal o… una vida normal, cuyo motor, cuando todo ha sido ya desenmascarado, es y sigue siendo, Frank.

La percepción alterada, por la pura disfuncionalidad mental es lo que se impone ante su sentido del humor mostrando la desolación absoluta.

Los temas musicales de la película fueron interpretados por todos los miembros del reparto ofreciéndonos un curioso repertorio de letras y sonidos absurdas y sin sentido que definen a la perfección que estamos viendo y escuchando algo, que muchos de nosotros no llegaremos a comprender y mucho menos a apreciar.

Trailer

http://www.magpictures.com/frank/

CELEBRACIÓN (FESTEN)

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Título.: CELEBRACIÓN (Festen)

Director.: Thomas Vinterberg

Género.: Dogma

Guión.: Thomas Vinterberg, Mogens Rukov

Fotografía.: Anthony Dod Mantle

Montaje.: Valdis Óskarsdóttir

Música.: Lars Bo Jensen

Productor.: Brigitte Hald, Morten Kaufmann

Reparto.: Ulrich Thomsen, Henning Moritzen, Thomas Bo Larsen, Paprika Steen, Birthe Neumann, Trine Dyrholm, Lars Brygmann, Therese Glahn

Año.: 1998

Calificación.: ****

Lo mejor.: Asistir a la primera muestra del cine Dogma

Lo peor.: …

Crítica

Un padre cumple 60 años e invita a toda su familia para celebrarlo. Lo que se supone que va a ser una gran celebración rodeado de familiares y amigos que han venido desde muy lejos, termina abruptamente cuando la porquería de la familia comienza a aflorar.

Durante la fiesta una revelación del hijo mayor, Christian, de lo más grotesca, mostrará una familia burguesa absolutamente disfuncional, cuyos pilares son la hipocresía, el racismo, el incesto y los abusos. Nos encontramos así ante un funesto tratado sobre la distorsión imperante en las relaciones sociales de la clase alta frente a un brutal mazazo que atenta contra la conciencia.

A partir del shock de la revelación nace un atrevido y violento juego psicológico frente a la ausencia de las normas y los formalismos cinematográficos.

Lo más impactante, duro y difícil de soportar en la cinta, es que el acusado de dicha revelación, ese padre que celebra su cumpleaños, actúa como si la cosa no fuera con él, y no solo sale indemne, sino que además es aplaudido por su circulo cercano… Christian no da crédito, si el adversario rechaza la lucha, uno está perdido desde el principio. No basta con hacer público el problema, para ser escuchado, para que la denuncia tenga efecto. La verdad es un proceso y a eso mismo es a lo que asistimos. Christian ha revelado la verdad, pero no ha modificado el entorno. Necesita que una parte sustancial de su familia se una a su denuncia. Toda la familia debe estar dispuesta a aceptar el cambio en las relaciones y en la posición del padre, y más allá de eso, aceptar el cuestionamiento del sistema sociofamiliar al que pertenecen.

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Al mismo tiempo que se denuncia el dominio del padre, se denuncia el dominio de la alta burguesía sobre la clase obrera (representada por el servicio de la mansión) y la marginación a las minorías étnicas (representada por el novio de color de una de las hijas)

Toda la historia transcurre en la gran casa/hotel familiar, en la que también convive el servicio, que a su vez mantiene unas intrigantes relaciones con la familia. Ellos representan al pueblo llano y la verdadera lucha de clases ante una burguesía podrida.

Ya lo dijo hace siglos William Shakespeare en la primera frase de su insuperable Hamlet, “Algo huele a podrido en Dinamarca”, y parece que esta afirmación ha viajado en el tiempo alcanzando el final de los 90.

Celebración, es la primera y multipremiada película del revolucionario movimiento cinematográfico Dogma que surgió en Dinamarca allá por 1995. Un manual de reglas creado por los directores Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, a partir de un manifiesto en el que se comprometen a filmar sus películas sin utilizar música, ni decorados, iluminación artificial, y rodando cámara en mano. Dogma 95 es un intento por mostrar la realidad tal como se presenta ante la lente; rechaza ponerse al servicio de la técnica la cual se utiliza para servir la idea, no para seducir, al contrario de cualquier producción de Hollywood.

Manifiesto Dogma 95.:

  1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
  2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
  3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
  4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
  5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
  6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
  7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
  8. Las películas de género no son válidas.
  9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
  10. El director no debe aparecer en los créditos.

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Siendo fieles a dicho manifiesto, lo que vemos en pantalla será una verdad cruda, sin máscaras distractoras.

Encontramos así un sin fin de planos borrosos, distorsionados y sucios, imágenes inestables… lo más real que el visor pueda captar, ofreciéndonos planos, por ejemplo, a través de una ventana, enfrentando lente con cristal y viceversa, aunque también da lugar a planos brillantes o imaginativos, como el de un mensaje oculto dentro de un bote de pastillas magistralmente creado para la secuencia. La idea, la historia manda ante la estética visual.

La estructura narrativa sin embargo es equilibrada y precisa. La Celebración del cumpleaños tras la revelación no cesa, la incomodidad crece y crece según avanza la historia, entre descubrimiento y descubrimiento.

Se avanza más en los perfiles de los protagonistas, adentrándose en unos personajes a cual más deplorable (por ejemplo el hijo menor, Michael, a mitad de camino entre la nada y la casa familiar a la que se dirigen, echa a su mujer e hijos del coche para irse de copas con su hermano mayor) y en un pasado sucio y malsano como la propia dirección de la película llegando al espectador con toda su crudeza y corrosión.

Quizá pueda resultar hiriente, incluso angustiosa recordándonos sin duda alguna a EL ANGEL EXTERMINADOR de Buñuel por esa reunión en un espacio cerrado, claustrofóbico y ese perpetuo retorno resignado de los invitados a sus asientos, por el puñetazo al estómago de la alta alcurnia, su cínico mutismo y el planteamiento de mostrar conflictos en ambientes contrarios emocionalmente.

Celebración es un magnífico y atrevido tratado sobre la hipocresía, las malas costumbres y la naturaleza humana.

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Premios.:

1998: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado

1998: Nominada al Globo de Oro: Mejor Película extranjera

1999: Nominada Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa

1998: Premios del Cine Europeo: Premio Discovery (mejor ópera prima)

1998: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor Película

1998: Círculo de críticos de Los Ángeles: Mejor Película

1998: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera

1998: Premios Cesar: Nominada a Mejor película extranjera

1998.: Mejor Director, Festival de Gijón

Trailer

https://www.youtube.com/watch?v=rSaq3lEU86k

UN MONSTRUO VIENE A VERME

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Título.: UN MONSTRUO VIENE A VERME

Director.: Juan Antonio Bayona

Género.: Drama Fantástico

Guión.: Patrick Ness, Siobhan Dowd

Fotografía.: Oscar Faura

Montaje.: Jaume Martí, Bernat Vilaplana

Música.: Fernando Velázquez

Productor.: Belén Atienza, Patrick Ness, Álvaro Augustín, Ghislain Barrois…

Reparto.: Lewis MacDougall, Felicity Jones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Toby Kebbell, James Melville, Geraldine Chaplin

Año.: 2016

Calificación.: **

Lo mejor.: La música de Fernando Velázquez.

Lo peor.: Su obviedad de principio a fin, obviedad plagada de historias moralistas sin sentido en la trama personal del protagonista.

 

Crítica

Esperadísima, alabadísima y de un gran éxito en taquilla (3,6 millones de espectadores), Un Monstruo Viene A Verme es última película de J.A. Bayona tras cuatro años de espera.

Nos cuenta la historia de Conor, un niño de 12 años que vive solo con su madre y que debe enfrentarse a la inminente muerte de ésta debido a un cáncer terminal.

Conor se encarga de la casa, de su madre, y de aliviar su dolor creando un mundo propio para evadirse de la dura realidad.

Sufre acoso escolar, su padre se marchó hace años con otra familia, su abuela materna es una especie de nazi con la que no se entiende, no tiene amigos y una pesadilla recurrente le acompaña cada noche, ¿bonito eh?

En dicha pesadilla Conor agarra a su madre con todas sus fuerzas para que la tierra no se la lleve… pero nunca llega al final de ese sueño, siempre despierta antes, sin saber si consigue retener a su madre o la pierde… ¿o… si sabe lo que ocurre?

La ventana de la habitación de Conor tiene unas preciosas vistas a un cementerio (ideal para el niño en esta situación) donde un milenario y majestuoso árbol tejo preside el recinto. Una noche, unos minutos después de las 12, el gran tejo cobra vida, convirtiéndose en un monstruo gigantesco que acude a ayudar a Conor. Le propone contarle 3 historias y al final de la tercera, deberá ser Conor quién cuente una última historia, la cuarta, LA VERDAD.

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Podemos considerar esta película como el fin de la trilogía sobre la maternidad y la muerte que Bayona inició con El Orfanato y continuó con Lo Imposible.

La gran sensibilidad que Bayona posee para plasmar la maternidad ante la perdida es exquisita y conmovedora, la confrontación de las dificultades y horrores del mundo real, quedan plasmadas a través de una yincana fantástica con los cuentos de hadas como hilo conductor o juegos infantiles. Sucedía en El Orfanato con los juegos de los niños moviendo objetos de sitio, en Lo Imposible enfrentándose a las dificultades y aquí en cada una de las historias contadas por el monstruo.

Pero a diferencia de sus dos trabajos anteriores, ambos superiores a éste, en esta ocasión, LA VERDAD de Conor, no conmueve.

La obviedad dirige la historia de principio a fin, no hay giros, no hay sorpresas… y el tiempo se rellena con lecciones morales que poco tienen que ver con la realidad y la angustia del protagonista.

Si decidimos obviar esos giros, que quizá muchos consideren innecesarios (la historia es lo que es, enfrentarse al mundo real), entonces, es una historia que ya hemos visto en numerosas ocasiones y bastante mejor contada.

Conor se enfrenta a su monstruo, con el cual, inicia un viaje de aprendizaje por la verdadera naturaleza humana, pero dichas historias, como ya hemos comentado son irrelevantes y de forzada relación con los conflictos de Conor, lo que hace que el niño se enfade, y con toda la razón.

A pesar de ello, estas fabulas nos ofrecen lo mejor del film visualmente. Bayona emplea la animación con acuarela plasmada con una gran belleza empleando técnicas ya utilizadas por Spielberg o Peter Jackson.

Nos planteamos que quizá no se llegue a sentir el auténtico drama de la historia distraídos por la gran belleza de las imágenes, pero según avanzamos en la historia, vemos que no es así.

Fotograma de Un monstruo viene a verme  de J  A  Bayona

Gracias a una fotografía sobresaliente y la gran música de Fernando Velázquez, Un Monstruo Viene a Verme es un cuento dentro de otro cuento, manteniendo un buen equilibrio entre la fantasía y el drama del cáncer, pero repleto de momentos forzados.

La película se esfuerza por ser emocionante, emotiva, mágica… pero este triple efecto no siempre se cumple, e intenta buscar “El Momento” imponiéndolo al espectador aún cuando no da lugar. El enfrentamiento de Conor al niño que abusa de él en el colegio, por ejemplo, es absurdo, no tiene suficiente argumento, cualquiera de los abusos anteriores en los que el niño es golpeado hubiera tenido mucha más razón y emotividad que ante una despedida o ante que le digan que es invisible…. Pero había que meterlo con calzador dando lugar a una secuencia impactante visualmente y vacía emocionalmente.

Ver cómo las ansiedades de Conor se manifiestan en una criatura tan impresionante constituyen sin duda el leitmotiv de la cinta, pero finalmente la creación de Bayona es mucho ruido y pocas nueces.

La fantasía como evasión de la terrible realidad, de la muerte, no solo de su madre sino también de su niñez, son temas que con mucha mejor mano y magia ya plasmo Guillermo del Toro en su maravillosa El Laberinto del Fauno (Del Toro produjo El Orfanato de Bayona por lo que es inevitable la referencia).

La pérdida de esa inocencia, el paso de niño a adulto y el enfrentamiento a la soledad que ello conlleva, fue también mucho mejor plasmado por Robert Mulligan en Matar a un Ruiseñor (cuyo poster podemos ver en la habitación de la madre de Conor, otro guiño).

Y referencias a ese cine de iniciación lo vemos durante el visionado de King Kong de Conor junto a su madre, sin poder evitar pensar en los enormes ojos negros de Ana Torrent en El Espíritu de la Colmena la primera vez que la niña ve al monstruo de Frankenstein, que Víctor Erice nos mostró hace ya muchos años.

3

La intención de Bayona es hacernos caer en lo lacrimógeno con todo su empeño. En Lo Imposible dijeron que su lenguaje sentimental era obsceno, quizá en El Orfanato lo apreciamos de manera más leve…. Pero ambos trabajos anteriores de Bayona tienen mucha más historia que contarnos que esta, que bien hubiera servido para un cortometraje sin necesidad de prolongar la angustia.

Las interpretaciones de todos los actores son estupendas, destacando sobre todo a Lewis MacDougall, quién ya pasó desapercibido con su Peter Pan en la reciente Pan, y que esperemos que gane más notoriedad tras este papel.

Felicity Jones hace tiempo que es digna de admiración en todo lo que hace, y lo de Sigourney Weaver siempre serán palabras mayores (merecidísimo premio Donosti este año).

En resumen, la novela homónima de Patrick Ness (quién también firma el guión), y la adaptación al cine por el denominado “Spielberg español” (aún te queda mucho querido Bayona) es bastante decepcionante, bonita, pero no lo suficientemente redonda y que no debería, en ningún caso, cerrar con la frase textual y completa del final de E.T…. (Estaré aquí mismo)… no gracias Bayona, aún no eres Spielberg.

4

 

Trailer

http://www.focusfeatures.com/amonstercalls/video/trailer-the-first-look

http://www.universalpictures.es/es/peliculas/un-monstruo-viene-a-verme-59/

TESTAMENT OF YOUTH

POSTER1

Título.: TESTAMENT OF YOUTH

Director.: James Kent

Género.: Drama histórico

Guión.: Juliette Towhidi, basada en la novela de Vera Brittain

Fotografía.: Rob Hardy

Montaje.: Lucia Zucchetti

Música.: Max Ritcher

Productoras.:: A BBC Films, Heyday Films, Screen Yorkshire, BFI presentation of a Heyday Films production in association with Hotwells Productions, Nordisk Film Production and Lipsync

Productor.: David Heyman, Rosie Alison, Célia Duval, Peter Hampden…

Reparto.: Alicia Vikander, Kit Harington, Taron Egerton, Emily Watson, Dominic West, Miranda Richardson, Colin Morgan, Anna Chancellor, Haley Atwell

Año.: 2014

Calificación.: ***

Lo mejor.: Alicia Vikander, frágil, pequeñita y llena de una fuerza asombrosa.

Lo peor.: Escenas de gran tensión emocional algo grandes, aún, para Kit Harrington.

 POSTER2

Testament of Youth es una película producida por la BBC, marca de garantía para toda bella producción inglesa que se precie y que lleva estas letras grabadas a lo largo y ancho de su metraje academicista.

Vera Brittain, una de las pacifistas más famosas en Inglaterra además de escritora, publicó esta novela en 1933. Se trata de su obra más famosa, de obligada lectura en todos los institutos ingleses, pero inédita en nuestro país. En ella, nos habla de sus vivencias personales durante el estallido de la Primera Guerra Mundial, “la guerra que iba a acabar con todas las guerras”, en una Europa llena de  oportunidades para las mujeres (Roland.: “Do we have a suffragette on our hands?” Vera.: I will be, given the chance.”), junto al florecimiento de su juventud, su sitio en el mundo y su primer amor.

En contra de los planes que su familia tiene para Vera como buena ama de casa y buena esposa, ella quiere estudiar en Oxford. El amor o la posibilidad de un marido no entraba en sus planes hasta que conoce a Roland Leighton, amigo de su hermano, aspirante a escritor como ella, estudiante en Oxford…

Los dos jóvenes van enamorándose en momentos preciosos, secuencias encadenadas con frescura, momentos observados y capturados con una gran sensibilidad por James Kent, de una manera clásica y conmovedora que constituyen sin duda, lo mejor de esta película.

La llegada de la guerra es inminente, y todo el mundo que Vera había conseguido por sí misma, se desmorona. Su hermano pequeño y su mayor confidente, los amigos de éste y Roland se alistan en el ejército. Sus esperanzas, planes de futuro, y Oxford, ya no tienen sentido en la vida de Vera. No puede permanecer al margen, encerrada entre libros, mientras todos los hombres más importantes de su vida están en el frente.

Se une a las enfermeras voluntarias, primero en Inglaterra, y luego en Francia, donde vive la guerra en primera línea. La amarga espera por Roland es así más  llevadera. Atiende a soldados alemanes e ingleses por igual, simplemente a niños que mueren, a niños asustados que dan la vida por su país y por causas que una vez que las guerras finalizan, nadie recuerda. Cualquiera de ellos podría ser Roland o Edward.

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Escenas como la llegada al campo francés, nos traen a la memoria la mítica y grandiosa escena de la estación de Gone With The Wind, con un campo lleno de cadáveres tendidos en el suelo, y una Scarlett O´hara muy cercana en desesperación a Brittain.

La historia de amor de los dos jóvenes, basada en los recuerdos y esperanzas que les quedan, nos remite a su vez a Atonment, vidas que aún no han empezado, truncadas por el estallido de una guerra.

Alicia Vikander, la actriz sueca de moda(en esta ocasión su acento inglés es impecable) rodó está película un año antes que The Danish Girl, interpretación que la valió el Oscar a la mejor actriz secundaria en 2015.

Su enorme dulzura, exquisito talento y fuerza atrapada en un cuerpo tan frágil, se hacen enormes ante la cámara. Su Vera Brittain es inmensa, conmovedora y llena de luz.

Testament of Youth es también la oportunidad de ver a un cast muy joven y prometedor. Encabezado por Kit Harington en uno de los descansos dados entre temporada y temporada de Game of Thrones. Con el pelo algo más corto, sin su negro habitual y sin que le acompañe Ghost, vemos una actuación algo frágil, corta y reservada para la carga emocional que Roland Leighton conlleva.

Taron Egerton, es un caso parecido, aunque su papel es más comedido, le vimos con más fuerza y presencia en Kingsman: The Secret Service.

Los secundarios son de lujo, destacando a un Dominic West emotivo y conmovedor, frente a una Miranda Richardson correcta y una decepcionante Emily Watson que simplemente pasa por la historia.

Paisajes ingleses simplemente maravillosos rodados por un director de documentales para la televisión inglesa como es Kent, quién debuta como director de ficción en esta película. Añoradas y utópicas campiñas, praderas pobladas de violetas al recitarse los versos del poema de Leighton “Violets by oversea” que nos recuerdan a aquellas que Jane Campion nos mostraba en Brigh Star. Bosques y lagos, acompañados de una correcta fotografía y banda sonora.

Juliette Towhidi, guionista de la estupenda Calendar Girls, apoyada en la novela de Brittain, nos guía de una manera conmovedora pero sobria, centrándose en las inmensas pérdidas de todos aquellos que quedaron atrás. Vera debe enfrentarse a mentiras piadosas, palabras vacías, al mito del dolor y la muerte heroica. La verdad es silencio y agonía.

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Testament of Youth es un film compuesto por momentos robados, por instantes en los que el tiempo se detiene y en los que nosotros debemos detenernos.: el primer beso que Roland roba a Vera, el adiós en la estación, un padre llorando en el andén, el recuerdo de los amantes con la piel y los labios encendidos, las miradas furtivas, el nudo en el estómago cuando estas esperando noticias de alguien y llega un telegrama o suena el teléfono, o hundir en el barro las manos para poder sentir lo que es estar en una trinchera.

Vera es una mujer enamorada, rodeada de muerte, que intenta mantener la mente ocupada para que los recuerdos, la añoranza y honda tristeza no la embarguen y lastimen para siempre; todo ello ofrecido con lentitud, espaciosidad y la elegancia de quien cuenta su experiencia desde la serenidad y amargura de recordar.

Todo lo respirado y sobrevivido por Vera Brittain, James Kent lo refleja con habilidad y desvelo pero, cuya observación sólo deja una minúscula huella de lo que fue y vivió esta mujer, personalidad que se forjó a base de golpes y reveses para llegar a donde no se tenía previsto.

Es un Testamento de Amor recogido en espléndidos fotogramas, cuatro años que pasan de la ingenuidad del primer roce al martirio de jamás tener la posibilidad de una caricia extra, extremos que se rozan pero nunca conviven al tiempo.

El recuerdo de cuatro hombres de capital importancia en su vida: su hermano, Edward Brittain; su prometido, Roland Leighton; y los dos mejores amigos de éstos, Victor Richardson y Geoffrey Thurlow. Fue su pérdida, unida a los horrores vividos en los hospitales de campaña, lo que convirtió a la muchacha patriótica que celebró el inicio de la contienda en la pacifista convencida que pasaría a la historia.

La correspondencia de los cinco amigos a lo largo de la guerra fue compilada en 1998 bajo el título Letters from a Lost Generation: First World War Letters of Vera Brittain and Four Friends, que ha influido, y no poco, en el trabajo de los actores de Testament of Youth, y que también es inédito en nuestro país.

La valentía de Vera Brittain en su vida, tiene su origen en esta historia, otra más de amor y guerra, sufrimiento y pérdida, acompañada de literatura, poesía, y la promesa de un futuro que nunca fue.

https://www.youtube.com/watch?v=e3e2nNNJ7-4

 

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